女團VIVA隊長Carina、創作歌手Madboii及生力軍歌手Hayson Kwok，今年多了一個身分，就是渣打香港馬拉松10公里賽事跑手，有著不同時間目標，但信念一致。他們加入“FOURPOINTZERO 4.0“ Nike Running Team後更脫胎換骨，以前有人跑到暈，今日跑步不嫌悶；以前有人跑到嘔，今日懂得控制留放；以前有人純粹跑步，今日懂得放空腦袋有助創作。明明跑步好辛苦，但他們依然choose the harder road，為甚麼？ Text & Interview by Nic Wong | Photo by Clicksimage@Lampson Carina@VIVA：「只要敢諗，就有機會做到。」 Carina自從參與《全民造星VI》後加入女團VIVA，踏入2026年可說是接二連三有突破。本月初先獲Calvin Klein 挑選成為香港代表拍攝亞洲區新年內衣廣告，廣告覆蓋全亞洲，接著又大熱當讚VIVA隊長。今個星期再來巨大挑戰，就是首次參與跑步比賽——渣打香港馬拉松10公里賽事，就像她那樣說：「只要你敢去諗一樣嘢，你就有機會做到！」 跑步係我嘅一個叉電位。 Carina@VIVA 上網搜尋「Carina + 跑步」，就會發現之前拍MV跑沙灘跑到暈，為何轉眼變成認真參加跑步比賽？ Carina：我本身沒有跑步習慣，2025年卻是我很想挑戰自己的一年，我就特別選了一項自己較不喜歡的運動，就是跑步。從小到大，如果我不喜歡的東西，例如數學，我是克服不到的，但長大過後，其實人生有好多東西沒法子選擇，所以我就想戰勝這一部分軟弱的自己。 正常參加“FOURPOINTZERO 4.0“ Nike Running Team訓練的經過是？ Carina：好開心大半年前Nike邀請我跑渣馬，那時候就下定決心。現在我在VIVA中與隊友一起生活及工作，當上隊長後，更感到全副精神非常集中於團隊身上，但我慢慢覺得，長期下去未必好健康，我應該要發展一些屬於自己的事情，正好跑步是一項可以鍛鍊意志力及訓練「堅持」的運動。看到這麼多跑手，每個星期甚至每日如此訓練，對我來說其實好難，但我在他們身上看到那份決心，是我以前沒有的，現在正正要在這裡學習及發展。 跑了幾個月後，感覺自己有何改變？ Carina：我覺得這半年找到一個幾好的平衡，可以同時間專注照顧隊友，亦有屬於自己的時間。我發現原來我一直好需要這個時間，只不過以前我將團體擺得太前而忽略了自己。當然，現在是團體的上升期，需要努力搏殺，我會先做好VIVA，跑步對我來說，就像一個充電位。 參加跑步之後，體能上有沒有明顯進步？ Carina：以前覺得跑步一定要聽歌，更可能是快歌，後來發現不聽歌反而更好，跑步時努力尋求自己呼吸節奏的過程，好專注地感受吸氣和呼氣，讓我以為沉悶的事情，原來有另一種感覺，好新鮮。跑步以外，唱歌明顯比以前更加夠氣，唱跳來說，其實唱歌比跳舞更辛苦，所以跑步練氣一定有幫助。 訓練期間最難忘的一次是？ 之前第一次試過跑15公里，在屯門黃金海岸的附近山路，我完全沒想過自己可以完成，加上那次有班人在終點等我，衝線一刻真的有點想喊。完成過後，我就有一種感覺是：「原來冇乜嘢係我做唔到嘅。」 跑步係為咗挑戰自己嘅弱項。 Carina@VIVA 今次首次參加渣馬有何目標？ Carina：之前我未試過跑渣馬，未試過可以跑公路，未試過在一個掛滿banner的城市環境下跑步，所以比賽當日氣氛應該會令我更加上電。我平時10公里跑，時間大概1小時3分鐘左右，公司就為我訂下目標係55分鐘內完成，希望可以達成。 除了自己之外，最想帶給粉絲甚麼訊息？ Carina：最重要有一份信念。只要你敢於想一件事，你就有機會做到。以前我想得太多：「會唔會好攰？做唔做到？」但其實想得這麼多，已經好消耗能量，所以想做的事就去做，直接一點，行動才是最重要。 Madboii：「將個腦reset一次，跑完之後作歌更有靈感。」 Madboii上年參加10公里挑戰組賽事，清早5點半開賽，完成比賽後，很多人仍然在家中床上睡覺。他享受這種感覺，今年再接再厲，希望將個人最快時間推前4分鐘，因此參與系統性訓練，更感到愈跑愈能幫助創作音樂。 堅持跑步，不只是訓練身體，更是練習意志及心態。 Madboii 跑步習慣是如何培養？ Madboii：中學時，我們校內有個Cross Country嘅比賽，中一至中六都要參賽，可能有這方面的習慣，都算有參加跑步比賽，但當時覺得沉悶不太好玩。直至2022年第一次參加渣打馬拉松，當時Nike邀請我嘗試一下，我有興趣親身落場，但當時訓練不夠，可能一星期才練一課，比賽前先臨急抱佛腳，結果完成10公里大約五十幾分鐘，之後再跑過半馬，又試過足弓有受傷，去年再跑10公里，第一次跑挑戰組，跑出49分幾。 目前每星期跑多少？…

何超儀（何超 / Josie）在香港出生及長大，對香港電影尤其鍾情，當家族大多成員從商做生意，她卻偏愛藝術文化，先以歌手身分出道，後來加入電影圈。 與丈夫陳子聰（Conroy）結婚後，2006年二人更聯手創辦獨立電影製作公司852 FILMS，以香港的國際電話區號「852」作名字。自從首作《維多利亞壹號》起，主打「非主流、實驗和另類」的旗號，20年來拍出眾多風格強烈、題材多元的電影。今年852 Films光榮踏入20年，今月何超儀更被MOViE MOViE選為1月影人，舉行專題回顧影展重新播映六部代表作。 近年陳子聰的健康狀況受到關注，病癒後復工監製《拾荒法師》，亦難得接受專訪，提到二十年來的852 Films與香港電影，如何特立獨行又平衡，二人活像一對獨行俠侶，在香港電影拍出一片天。 開公司，爭取主導權 852 Films到底從何以來？時代巨輪要重回千禧年後，何超轉了好幾間經理人公司，碰上合拍片當道，香港女演員演出機會減少，戲份亦難有發揮。「簽完一間又一間，後來去到某間公司，本身又簽了好多artists，所以想拍戲就要先排隊了，結果我經常排到最後。」當時Josie又轉了一間，那間公司決定拍甚麼戲都很保密，免得藝人問三問四。「幾乎每個月都要約老闆飲一次茶，或者常常到老闆辦公室，為求與對方見面，老闆卻劃一每次見藝人只有15分鐘，結果人人都輪候，都幾麻煩。」 「我家姐說，我那個合約完結後，叫我自己去開間公司，給自己物色一些好的角色。我老豆又說：『你不要再受人家的氣了，你還是不懂怎麼爭取。』那時我有回家分享藝人要爭取工作的過程怎樣爭取，我家人都知道，因為他們都有份出席宴會，他直指我不是擅長這方面的人，覺得我太客氣，『你都係自己搞啦』！」於是，2006年何超與陳子聰就創立了852 Films，自己搞電影。 回顧當日的初衷，Josie說從來沒有想過852 Films要在香港電影裡擔當甚麼角色。「我沒有一些很偉大的想法，我的初心只是希望能夠拍一些別人不會拍的題材，也希望能讓自己有機會可以演出一些自己喜歡的角色，令自己多一些選擇。」她坦言，有些題材有些角色一直在香港的電影圈是絕無僅有的。「既然沒有人做，我老公（陳子聰）就想到，不如由我們試一下，用香港的電影特色來拍一些香港少有的題材。」 維多利亞，第壹步 852 Films的第一部作品，正是甫上映便引起極大話題的《維多利亞壹號》。「當我看到《維多利亞壹號》劇本的時候，我非常之興奮，因為在我的生命裡面，自覺從來未見過一個這麼瘋狂的劇本。通常我以前演的角色都是主流一點，我看到《維》就很想嘗試去演，當中有一種自己的輪廓。」到底是甚麼的輪廓？Josie引用她的演技導師、法國戲劇大師Philippe Gaulier所言：「沒法子，人有怎樣的樣子，就要演那些戲，不能夾硬去演一些跟自己的樣子無關的角色。即使可能是個好角色，但跟自己的樣子無關，都會演得很辛苦，無法手到拿來。」 從很多導演及攝影師的口中，Josie都聽到她的輪廓很適合去演一些好慘、好有骨氣的角色。「《維多利亞壹號》那個角色很適合我去演，很配合我的樣子，相信很容易就可以將演得好。」不只演戲，Josie內心還有一個自言有少許戇居的想法。「我有個使命，就是想將這件事發揚光大，希望它可以去到外地，讓人知道香港有這個社會問題。其實，這個也有些獅子山下的情義，只不過是瘋狂一點而已。」 下一部，就是《復仇者之死》。Conroy與Josie一同分享，他們很投入地幫助Juno麥浚龍。「大寶(Juno兄長）和我們好老友，有次大寶很認真地跟我說，希望我幫他細佬拍戲，我們當然幫忙，同時也感受到Juno的熱誠，他真的好熱情，很少新演員有這個想法去參加編劇方面，他卻跟導演談得很熱情，導演覺得他說得對，亦會加戲份給他，我就覺得他這個人有很多想法。」 拍一些市場沒有的電影 在不少觀眾的眼中，852 Films專拍小眾獨立電影，說話不多的Conroy卻搖搖頭。「我們一直要拍Indie？沒有特別這樣拍，我們也拍了《豪情2》（豪情3D）及《全力扣殺》等，總之我們拍一些不同的東西。」他提到，好像已有一段時間沒人拍功夫片、道教片，所以就拍了今次他們的新作《拾荒法師》。「沒人拍，我們就拍吧，今次有少許向八十年代道教片《殭屍先生》致敬，有fun、有action、有romance。」 Josie直指，《拾荒法師》包含很多元素，唯獨一件事，他們開始小心翼翼。「Iman首次擔任電影男主角，早幾日有場戲，他說了一句粗口，我好擔心。本來我跟編劇說過，其實我講粗口都幾好聽，於是他寫了很多給我，但結果我們想了又想，這部電影是動作片，現在最賣得的就是打片，我們確實沒理由跟錢作對，想賣埠賣得遠一點，不要搞到三級，所以全部刪減了不要粗口。雖然我覺得他講粗口講得幾好聽⋯⋯」 拍西片，只希望大家記得 何超與陳子聰異口同聲，歷來香港電影好像甚麼都做得到，有一種can do的精神，即使沒有劇本，也可以照拍。Josie笑說：「我玩過呀，當年與杜琪峯拍《放·逐》。」Conroy亦笑回：「我試過來到現場依然沒劇本，已經好驚青，我問劇本在那裡，現場工作人員指著Fax機⋯⋯」 一直以來，852 Films也有進軍荷里活聯合製作外國電影，例如《Open Grave》（2013）、《How to Talk to Girls at Parties》（2017）、《Habit》（2021）、《Rajah》（2021）及《Mother Tongue》（2026）等。Josie坦言，自己開戲的原因之一，就是希望她的演出生涯裡面，每隔幾年就有一部電影出現，希望別人不會忘記她。「其實我們自己開的戲，不足以維持我的演藝事業。所以我積極到外地嘗試聯合製作，例如到美國、馬來西亞、印尼、日本等地，真是上了一課，讓我們在製作上、演戲上，都有經歷全新感受。」 Josie亦坦言，仍然希望別人會請她及Iman拍戲。「無論是王家衛、杜琪峯等各位導演，以及各位公司老闆，希望你們都知道其實我仍是很渴望大家找我拍戲的。」為了演出機會，像今次《拾荒法師》「又再出道」做打女。「現在經濟全球都不景氣的時候，拍恐怖片未必有市場了。何況恐怖片我真的拍到飽了，現在不是拍恐怖片的時候。」 陳子聰更多慨嘆的是，因為串流平台的出現，一切好像是大洗牌。「以前大家會計算電影、戲院、DVD的收益，現在變了streaming如何計算？但我們堅持要在大銀幕上演，堅持要好的聲效，還有之前我們都堅持是菲林，那個感覺是很不同，至少對我們來說，真的很不同。」 明暗監製的鬥戲 何超與陳子聰，近年攜手走過艱難時期，重拾健康身體狀況，這對工作上的獨行俠侶，又是怎樣合作的？Josie說：「他是明監製，我是暗監製，我在現場演戲，我知道誰人在做甚麼，然後我會跟他說，但他的耳朵很硬，就算告訴他，他又未必相信，所以有時我們會吵架。」Conroy反駁：「我不是不信⋯⋯」 陳子聰娓娓道來兩夫妻合作上的「分歧」，他直言自己在2016年前第一次還沒進醫院的時候，二人年輕時的想法口味思想一致的，例如喜歡Punk Rock。「不過年紀愈大，經歷了身體上的事，看法也不同。有些時候要停一停思考再決定。」譬如對於過去海外取材拍攝，Conroy表示現在會看得小心一點，準確一點。「我們有段時間參與外國電影的製作，有些題材未必適合也接拍了，可能是Josie心急一點，她想做的話就很熱切地去做，多數人包括我們可能很快失去熱情，她那個動力就很強而有力的，我們要平衡一下。當然，我從她的身上也感受到那份推動力及堅持，例如要保持動力繼續康復，不要理那麼多，正正我是在她那裡學回來的。」 點名提到《尋找極致的喜悅：火與冰》（Finding Bliss），講述何超與喜劇大師詹瑞文率領The Uni Boys、MC仁等一眾香港音樂人，腳踏呎厚的冰雪，深入冰島尋找與生俱來的極致喜悅。「《Finding Bliss》是好的，但在我的角度看，可以再好一點，例如應該要加插更多邏輯、比較有證據的科學東西，現在電影也有的，但我認為要再加多一點資料及架構，例如多些醫生講解有關精神病的東西。」 當時Conroy出院不久未有同行，但他們為了追求電影夢，從而帶來不少電影上的討論。「我入院前後那段時間的電影，大多都是Josie一鼓作氣想去拍的，我比較去聽。現在我康復一點重回崗位，例如拍《拾荒法師》，會變得平衡一點，相信出來的戲會好些。」看這對結婚逾廿載的老夫老妻，為了工作而認真討論，也是一場好看的畫面。 走過這20年的電影路，香港影圈走過高高低低，但852 Films在現今如此冰河時期，仍然敢於開戲，獨走他們相信的電影夢。「廿年過去，我相信我們的初心是沒有改變，其實將來我們還是抱著這種方法，我們沒有定下要拍甚麼，或者有甚麼是一定不拍的，最重要是那個題材那個故事是不是有趣，拒絕平凡，嘗試偏鋒一點，現在如是，或者應該將來也如是。我們對電影對創意還是充滿好奇，希望有些想法有些表現，能夠讓這個世界看到吧。」 下一個20年，新演員Iman Taheri…

潘迪華人稱姐姐，年輕時候以香港歌手身分四出登台揚威海外，半世紀前已斥巨資在港舉行《白孃孃》音樂劇，李小龍指她太前衛至少走前了十五年。或許年輕一輩未必知道潘姐姐的光輝往事，年前黃翠華以導演身分拍下《白孃孃：一朶遲桂花》，將潘迪華在七十年代前衛實驗之經歷再現眼前，向世人展示姐姐的創新意念。今年紀錄片再現舞台，延伸出電影放映伴隨現場音樂表演形式示人。 黃翠華表示，紀錄片不只為了潘迪華而拍，也為了香港與自己而拍，讓香港人了解我們曾經站在文化藝術的前瞻高峰，值得大家思考和珍惜一切的擁有。 text． Nic Wong | photo．Oiyan Chan、部分圖片由 Artcanteen / Kit Chan Imagery 提供 從編劇到音樂 就在香港娛樂圈的浩瀚星河之中，有人如流星般閃爍不久，有些人就像桂花，最遲開的一朶卻香氣久遠。《白孃孃：一朶遲桂花》讓我們更了解潘迪華，背後的推手同時值得認識。黃翠華一直在香港人的流行娛樂文化中出力，她起步於八十年代的電視圈，從亞視開始專門寫劇集，一路從編劇升到編審，即是劇本審閱。 「那時候有電視挖角潮，我被挖到TVB，繼續做戲劇科，同期有韋家輝及司徒錦源等人。而我加入TVB後的第一部作品，便是六十集長篇劇《生命之旅》，由鄭裕玲和萬梓良主演。「挑戰性很大，一過去就做這麼長的劇，還要寫給當時的神級Dodo姐（鄭裕玲）。」她在TVB戲劇科深耕十年，創作了二十多部作品，從家庭倫理到愛情故事涵蓋各種題材。然而，創作的熱情也需要喘息。黃翠華回憶道：「後來我想生小朋友，不想自己太大壓力，於是想停一停，呼吸一下新鮮空氣，轉換一下創作思維。」 在偶然的機會下，黃翠華開啟了全新篇章，轉到綜藝科，更被分派到主理音樂節目創作，從此與音樂結下不解之緣。「那時候接觸很多歌手朋友，為他們度身訂造音樂特輯，例如鄭秀文的《1997男歡女愛》到後來陳奕迅的個人特輯《與臣同行》，從《勁歌金曲》到《十大勁歌金曲頒獎禮》及《四台聯頒頒獎禮》等等，合作過的歌手，有些仍偶爾聯絡，像克勤、千嬅，軒公……明明是一個戲劇組寫劇本的創作人，卻無緣無故與音樂結緣，有一年我更邀請潘迪華姐姐出山參與《翡翠歌星賀台慶》的演出，但上司們都指我膽生毛！姐姐不好惹，是位真正的性格巨星，但我又偏向虎山行，自此跟潘姐姐合作無間 。」 那年代，電視台很流行「秘撈」，許多歌手的紅館演唱會她來擔任創作，由Twins到林一峰，關淑怡、杜麗莎、李克勤、譚詠麟、許冠傑等等……橫跨幾代，在音樂路上愈戰愈勇，2021年更轉崗位，擔任TVB Music Group的內容總監，負責過數張唱片。同期，她創立個人工作室「藝術糧倉」開始私人項目，包括廣告製作、錄像製作等等，這段過渡期讓她從大台的節奏中抽身，開始思考更深層的創作使命。「那時候，香港很多東西都踏入五十年了，像TVB誕生自1967年，很多地方都在說半世紀。我突然覺得，在流行文化娛樂工作這麼久，不知道為甚麼有了一個使命感，應該將工作範圍裡認識的東西，多投放一些出來。」 拍攝紀錄片的使命萌芽 黃翠華回想自己與日俱增的那份使命感，多少受潘迪華姐姐影響。未認識潘姐姐前，她跟很多年輕一代一樣，對潘迪華印象僅限於「老牌歌手」，深深記得家傳戶曉的歌曲〈愛你變成害你〉。「黃霑先生的歌詞很簡單，但只要這幾個字，就能感受到那個戲劇性的故事。」2003年，潘迪華經已年過七十，很少在香港大型演出，當年選擇在大會堂等政府場地舉辦小型巡迴。 「當年我有幸欣賞到姐姐在舞台上的演出，原來這位老牌歌星，不是我想像的那種，不只唱國語時代曲，還會唱很多不同語言，而她在舞台上的表演感染力很強。」演出後，黃翠華在後台探班，與潘迪華打招呼，從此相識成為朋友。「不少年輕人透過王家衛電影認識潘迪華，偏偏她與任何新朋友，都只會說音樂，而不會提《阿飛正傳》或《花樣年華》。」 潘迪華比黃翠華年長許多，但這段跨代友情沒被年齡阻礙，多年來互相合作，互相碰撞也互相理解。2008年邀請過at17同台，舉行「潘迪華Rebecca Pan & at17 Jazz Up for the Party」。「三個單位簡直跨年代，她們最小，我在中間，姐姐最老，但我們很開心地做了Jazz night，很享受。」後來又邀請不同歌手包括陳奕迅、Ketchup、The Pancakes等，翻唱潘迪華的舊歌，並推出《My Indie Music》專輯。除了音樂合作，2017年，潘迪華出版自傳《夢．路．潘迪華》，黃翠華聯絡出版社，又包辦設計封面，近年，還兩度舉行「潘迪華花弄影 珍藏相片展」，可見為求大眾更了解潘迪華的作品，黃翠華出了不少力。 為何潘迪華的藝術生涯，如此吸引黃翠華？後輩表示，最佩服前輩的求知慾與前衛。「姐姐某程度上是我人生導師，到了她那個歲數，常說還有那麼多東西學習，深深影響了我。我比她年輕，為何不能認識多一點？」潘迪華七十多歲開始萌生拍紀錄片的念頭，87歲出自傳後決定開拍，朋友幫她物色導演，最終對方認為黃翠華是最佳人選，反而黃翠華起初猶豫：「我從來沒想過做導演。我一向寫東西，不是拍東西，多年來有做過製作人、Live Show導演，但我不是拿攝影機剪接的人。」其中一位紀錄片朋友鼓勵她：「很多資料都在你那裡，你最明白她。」於是，黃翠華坦言：「所有東西由零開始，就像潘姐姐所言，任何年齡都應該學習。」 白孃孃與遲桂花 《白孃孃：一朶遲桂花》（片名概念源自郁達夫的同名短篇小說）最終登場，記錄潘迪華1972年自資百萬製作、改編自《白蛇傳》的香港首部華語音樂劇《白孃孃》，當年演出六十場，但正如李小龍所說「作品走得超前了十五年」，最終潘迪華賠了不少。 「之前只有幾張照片及一些歌曲，無法印證姐姐的前衛。」直至一天，黃翠華接到蔡和平的電話，表示奇蹟找到一盒《白孃孃》1972年的影帶，之後專誠帶到澳洲，成功修復，此舉成為製作《白孃孃：一朶遲桂花》的關鍵。「看到姐姐那段用英文介紹音樂劇的開場白，我真真正正感受到她的遠見，她很想帶華人創作，介紹給全世界。」 黃翠華強調，這部紀錄片不只為潘迪華。「它記錄了六十至七十年代，一眾留學歸港創作者的初心，包括姐姐口中的『煇仔』顧嘉煇及『James』黃霑，是剛出道的新人，創作沒包袱又有火。」潘迪華的前衛，還嘗試將搖滾音樂融入傳統中國故事，從泰迪羅賓演繹的一曲〈控訴〉就不難感受到她的開創性。「姐姐以往在外國看了音樂劇《Hair》及《Cats》等，早已融入她的血液之中，所以《白孃孃》真是一部實驗之作，走得實實在在的前，又豈止十五年呢？現在聽此曲也不覺得out ! 」 拍紀錄片難，發行或許更難。黃翠華直言，不少發行商嫌題材冷門，唯有自資拍攝及發行，但感恩很多有心人幫忙，例如鮑比達幫忙做配樂、古天樂支持在藝術中心電影院放映、李焯桃推動M+首映、高先電影院每月播映一場。「七十年代，姐姐花了一百萬搞音樂劇，有人估計正等於現時的三千萬。我今時今日用了接近百萬的製作，相比來說只是冰山一角，有人喜歡買跑車，有人喜歡買手袋，但拍片卻是我最開心的事，只要有一個觀眾流淚，我都覺得值回票價了。」 Musical in Concert 《白孃孃：一朶遲桂花》的播映一直持續，來到2026年1月，將會在西九戲曲中心以「影像放映 X 現場演奏」的嶄新形式，重啟這部香港首部華語音樂劇的傳奇篇章。黃翠華表示，外國一直流行這種Musical in…

自從香港樂壇出現了張天賦，每次走過香港街頭看見busker，都不禁留神半刻旄站在這裡唱歌的，會不會是下一位張天賦？從街頭到紅館，幾年間張天賦由默默無聞到無人不曉，在旁人眼中，這可能是一個人努力追夢，最後夢想成真的簡單故事。但我們從不記得，夢想是富有重量的事物，要求有同等重量的事物作交換；光鮮亮麗的舞台背後，埋藏著多少殘酷無情的覺悟，都是當事人才能設身處地明白。 至少，對於張天賦來說是的。他是一個非常實際、目標為本的人。當你談論夢想，他會跟你談論生活；當你談論自由，他會跟你談論接受。沒有那些振奮人心的激勵語錄，對張天賦來說夢想重要，但現實更加重要，一切都是關乎「平衡」二字。但這不代表我們不值得為夢想奮鬥，相反地，這提醒著我們追夢的代價。正如他所說：「我很現實的，我覺得發夢不要緊，但夢只屬於你睡著的時候；一旦要起身，你還是得腳踏實地。」 text．yuidirection and styling．Nacchi Maphotography．Olivia Tsangstyling assistant．Kelly Maddie Luk Yuen Yingmakeup．Circle Chonghair．Cliff Chan @ myöswatch & jewellery ．Cartierwardrobe．Emporio Armani, Loewe, Moncler x Rick Owens, Moschino 喂，有冇夢想 張天賦兩手有許多大大小小的紋身，其中一個是「Make it pop」，意指讓小眾或非主流音樂大眾化；還有一個是「28」，是他參加《全民造星》時的編號。「應該是由參加《造星》的時候開始，得到有一些迴響或者開始受到別人認同，就開始覺得唱歌這件事好像真的work。」捧著亞軍回家，張天賦得到餐廳邀約成為駐場歌手，由首個星期$500、到第三個星期$1,500，到第五、六個星期每45分鐘$5,000時薪。後來輾轉正式加盟唱片公司，但當時張天賦對前路仍然充滿未知。他坦言，自己一開始就沒有把目標定得太高，能夠以音樂維生已經滿足，並沒有想過能夠走太遠。「因為我一直覺得這一行有無限的可能——你可以一夜成名，也可以一夜間失去工作。直到第三年，開了紅館演唱會後，我才覺得自己真正站穩腳跟，這次我終於成功以唱歌作為我的事業。」 出道第六年，張天賦如今仍會想起以前在街上busking的日子。「坦白說，成為歌手之後，上台表演的機會多了，但有時那些表演的本質會改變。它不再只是單純唱歌、表達音樂，反而變得更像一份工作。當它成為工作，就多了規限，也會變得比較保守。在街頭唱歌時，我毋須太在意自己會不會走音，或者唱得不夠完美；但當那是一場正式演出，就會有一些『標準』要達到。我可能變得不敢冒險，不敢嘗試一些高音或即興的轉音。所以當我回想busking，其實是想找回那種初心——那份對音樂和表演最純粹的熱情、看法和態度。」張天賦在其他訪問曾經提過，他與音樂人好友Goo Chan之間有一個暗號——「有冇夢想」，正正是用來提醒，自己純粹作為歌手的身份。「我們太多時候會迷失方向——不論在生活還是音樂上，當你面對太多取捨，可能就會慢慢忘記自己最初是為了音樂而出發。每當這些時候，我們便說一句『有冇夢想』，其實是在提醒自己是甚麼身份、在做甚麼。然後我們就會重新回到創作，繼續寫歌。」 你不能買下所有玩具 「我覺得夢想和成就不是同一回事。在我看來，夢想是由許多元素組成的，它有方向、有願景；而成就，很多時候是別人給你的認可，未必真的是你自己內心最想要的東西。」張天賦近幾年樂壇成績彪炳，出道僅兩年已屢獲大獎，並以多首四台冠軍歌及紅館演唱會奠定地位。「我以自己為先，覺得快樂已經足夠。唱歌對我來說，不只是抒發自己的情緒，也能感染別人、帶動別人的情感。這件事讓我覺得開心。令自己開心是第一，令別人開心是第二，能做到這樣，其實已經是雙贏。」但人紅是非多似乎是定律，其名氣人氣愈大，惹來的是非與醜聞也愈多。近年他明顯變得沉默，在訪問中變得小心被動，亦很少在社交媒體表達自己。幾年間張天賦變得更成熟，與《造星》時反叛的形象大相逕庭。「畢竟那時還入世未深，沒有經歷過太多社會的洗禮。當時的我想事情比較簡單，也比較以自己為中心。無論是感受還是情緒，我都覺得自己要先抒發出來才行。那種反叛，其實是一種很真誠但也很直接的狀態。」 但他不認為自己失去了反叛，不過是對所有事考慮得更加周全。「因為有時候，即使你分享一件好事，別人也可以把它說成壞事；而有些根本沒有好壞之分的事情，別人都會替你定義成某一種立場。也有些情況是，我可能只是單純想分享一件我喜歡的東西，卻會怕粉絲會因此不斷送我同類的禮物。這些細微的顧慮都令分享變得有壓力。久而久之，我就會覺得——與其被過度解讀，不如少說一點。當然我不會把這看成負擔。因為我始終認為，自己只是個歌手，我的重點是把唱歌這件事做好。」他續說：「當你開始明白不能夠甚麼都要、知道取捨時，就是在成長。這就像小時候，媽媽只給你十元，你沒辦法同時買下所有玩具，只能權衡選擇。當你懂得這個道理，就是在長大。對我來說，只要我能在取捨之間找到平衡，不再抱著全部都要的心態。」 在創作中解放 張天賦坦言，自己以前只懂得排斥壓力，甚至不承認自己有壓力。「我常說，人會不停地在『認識、承認、改變』三個階段中循環。就像每一次表演，都是在這條循環裡的一步：透過表演，我認識自己；之後承認自己的狀態，再從中改變。改變之後，又會更深入地認識另一個階段的自己。這些不同階段裡的我，其實都是真實的，只是不斷經歷不同的情緒和思考。」曾患有驚恐症的經歷，令他擁有比其他人更強大的抗壓工具。「當時我的選擇是堅持不去看醫生，覺得既然這件事是在自己身上出現的，就應該要靠自己去結束。」因為病情，他經歷一連串生理與心理上的折磨，首先是胡思亂想，然後便影響睡眠；睡眠差又影響腸胃，腸胃差再牽連到其他問題。「後來我嘗試從日常生活開始，一步一步去改變。從最基本的飲食開始，吃得清淡一點；然後調整睡眠習慣——睡前散步、做運動、喝牛奶、泡腳、聽音樂、看書，甚麼方法我都試過。我希望能找到那個『缺口』，衝破它。結果真的慢慢發現，壞是會循環的，但好也可以循環。當你處理好一件事，其他事情就會一點一點變好；心情也隨之影響，最終進入一個正面的循環，問題自然就解決了。」 他唯獨在音樂中能夠解放自己，創作中他能夠選擇所有的玩具，無需要妥協或者取捨。「我覺得創作最享受的，就是那份『自由』。有時候它未必需要取捨。如果我想讓一首歌同時擁有流行曲的旋律感和Hip-Hop的節奏感，我可以把它們混合在一起，不需要非此即彼。這正是我喜歡創作的地方：它沒有框架、沒有規限。創作裡頭真的甚麼都可以發生——喜歡三個音就三個音，四個音也行；想要高音、低音、轉音，全都可以。這樣的自由度讓我覺得非常過癮。此外，我也很享受靈感突然出現的那一刻。那種暢快和成就感，是其他事物給不了的。當你完成一首歌，並對它感到滿意時，那份『這是我的作品』的感覺，沒有其他事情可比擬的。因為它是一個真正屬於自己的產物，是你親手創造出來的東西。最享受的，大概就是這樣的時刻。」談論創作，張天賦才有些打起精神來。「我也很喜歡從一個情境或一件小物件開始去發想。先用具體的東西去勾勒畫面，再慢慢延伸出情感。例如我寫〈時候不早〉這首歌，最初的靈感就是『朱古力太甜』這句，從那個畫面開始再去表達其他情緒和故事。又譬如我之前的〈小心碰頭〉，其實一開始是想寫聖誕節。因為那首是三拍歌，節奏上有點像舞會的律動，我想藉此表達一個人獨自過聖誕的孤獨感。所以我覺得，以節日作為題材去刻劃人與情緒之間的連結，應該會很有趣，也很有感染力。」 早幾年張天賦曾經說，如果自己沒有出道，他大概會在尖沙咀唱到六十歲。經過幾年社會磨練後，他只覺當初如果沒能夠以唱歌維生，大概還是不能堅持下去。「現實的壓力是真的存在，所以雖然我一直支持追夢，但同時也覺得，你一定要懂得平衡。」如今，出道第六年的他仍視自己處於成長途中，仍在努力實現夢想。「我還在過程中、在成長中，所以這段路還沒結束。我希望能夠一路走到退休的那一天，那時候才算真正達成我的目標。」■

「人來人往的酒吧，每個人只是過客；那些晚上喝不完的酒，存下來，卻不只是酒，還有不同酒精濃度的故事。」 這句藏著煙火氣與情懷的台詞，正是ViuTV原創劇《存酒人》的靈魂所在。《存酒人》劇集改編自海笑同名小說，以一間即將結業的「市井酒吧」為舞台，用「歸還存酒」的溫情主線，串聯起一個個關於遺憾、牽掛、堅守與陪伴的故事，在三分醉意中，釀出七分直抵人心的暖意。 劇中，夏韶聲飾演看透世事的老酒保「標叔」，徐㴓喬（Asha）則化身熱衷鑽研調酒的年輕酒保「鬼妹」，一老一少的酒保組合，既構成動人傳承線，也從中傾訴吧台背後的秘密：每一瓶未喝完的酒裡，都浸著一段未涼透的人生片段，直到歸還那刻，方懂如何安置這份綿長的牽掛。 text • Leon Leephoto • Oiyan Chanwardrobe: ATSURO TAYAMA（Asha）makeup: Deep Choi（Asha）hair: Terrence Chan（Asha） 劇情簡介 《存酒人》講述，充滿歷史痕跡的「市井酒吧」快將結業，剩下多支無人領取的存酒。老闆雄哥（朱栢謙 飾）執意把存酒歸還給客人，還拉上年輕員工燁仔（邱傲然 飾）東奔西走。燁仔最初感到相當煩厭，過程中重遇不同存酒人，聽他們的故事，得知每支酒對客人都有特別意義。而「市井酒吧」還有看透世事的老酒保標叔（夏韶聲 飾）和熱衷鑽研調酒的年輕酒保鬼妹（徐㴓喬 飾）；與燁仔份屬好友，玩世不恭的阿當（楊樂文 飾）亦會在此駐唱。在酒吧進入最後倒數，五人為這裡帶來令人難以忘懷的燦爛時光。 不止存酒，更存回憶與牽掛 「存酒」 是《存酒人》的核心設定，指客人將未喝完的酒存放在酒吧，待下次再來飲用，或是留給特定的人。對於這種酒場的獨有文化，兩位主演有著自己的理解。 「我以前不知道酒吧可以存酒，以為酒買了就要喝完才能走。」Asha笑著說，「拍攝後才明白，存酒存的不是酒，是回憶和牽掛。就像有些人把酒吧當成第二故鄉，存在這裡的酒，是下次再來的念想。」 夏韶聲亦憑藉多年浪跡酒吧的經驗，補充了更真實的背景：「其實『存酒』在酒吧業很常見，有些人每次來喝一點，慢慢存著，還有人離開前把酒存在這裡，盼著回來再喝。這部劇厲害的地方，是把這件日常小事和人生故事結合起來，每一瓶酒背後都有一個人、一段經歷，就像人生的縮影。」他坦言，酒吧的存酒架就像一面斑駁的鏡子，照見相聚與別離，熱忱與遺憾。有人存酒是為了給下次見面留個藉口，有人是為了給回憶找個落腳處，還有人只是單純地，沒勇氣一次喝完藏在酒裡的時光。 他續指，「以前的酒吧都有音樂，樂團、獨奏、唱流行歌，我們音樂人與酒吧撇不開關係。喝酒的人會對著酒保訴苦，酒保就像心理醫生，聽著大家的故事，調一杯酒慰藉人心。雖然我現實中不常喝酒，但看過太多這樣的故事。 」對於這種 「情感寄託」 的詮釋，Asha亦分享了自己的習慣：「我從九歲開始寫日記，現在存了十幾本，雖然不常拿出來看，但搬屋時翻到，會發現小時候的想法很簡單，時間過得真快。這和存酒很相似，都是把回憶存起來，偶爾翻閱就像穿越時空。」 老臣子與叛逆少女 談到各自角色，夏韶聲直言標叔與自己算有著跨越半世紀的「緣分」。 「我從1967年就接觸酒吧業，對這個環境太熟悉了。」在他眼中，標叔是酒吧裡一位資歷深厚的老臣子，「他寡言少語，習慣觀察一切，看似置身事外，實則把每個人的故事都放在心裡。」Asha亦笑說對方明顯是愛說話的E人，但標叔卻是典型的I人，他的情緒都藏在眼神和動作裡，不用過多台詞，靠內心戲傳遞溫度。 反而鬼妹卻是在叛逆中尋找方向的成長型角色。「她一開始不上學、流連街頭，看不起酒吧這份工作，覺得只是混日子的。後來跟著標叔學調酒，沒想到越做越認真，從懵懂無知的少女變成了能獨當一面的調酒師。這種轉變需要仔細揣摩，尤其前期是對標叔的不服氣，後期卻滿是對『師傅』的敬佩。」不過，兩人在劇中關係並非傳統意義上的對手，更像是潛移默化的傳承。 「她要跟著我，不是對手，也沒有絕對的平等，是前輩帶後輩的感覺。」Asha補充：「其實標叔沒有正式收我為徒，但我一直叫他師傅，想得到他的認可。標叔雖然嘴上不說，但慢慢發現我是真心想做好，就默默放手讓我去闖，這種師徒情很打動到我。」 戲內調酒，戲外走心 為了還原最真實的酒吧氛圍，劇組在場景搭建和拍攝手法上亦格外用心。「拍攝初期我還問能不能加個反光板，覺得太暗了，但導演說這就是真實的酒吧狀態。」Asha回憶道，拍戲時沒有刻意的燈光設計，大家在昏暗的環境裡做自己的事、聊自己的天，那種鬆弛感就像真的走進了一間有故事的酒吧。夏韶聲亦對酒吧的細節設計贊不絕口：「吧台上方掛著很多飛鳥造型的裝飾，雖然是常見的小物件，但搭配起來特別有味道，殺科後我還拿了一隻回家留念，算是珍藏這段記憶。」 作為一老一少的酒保組合，兩位在拍攝前也接受了不少專業培訓。「劇組請了香港資深調酒師 Tony 教我們，他特別有耐心，從搖酒器的區別（美式和日式）到撕橙皮的力度，每個細節都不放過。 」Asha更特意苦練了搖酒（搖盪法），避免動作顯得生硬：「調酒看起來簡單，但有沒有功底一眼就能看出來。」夏韶聲則分享了自己的拍攝信條：「做演員就是要滿足導演的要求，學了就要做到位。就像我以前拍電影學煮粥，要對著四個火爐真煮真舀，這次學調酒也一樣，雖然現在有些細節記不清了，但拍攝時候一定要顯得專業。」 值得一提的是，《存酒人》採單元劇形式，更常有 「即興創作」 的空間。「這是我第一次遇到不是『飛紙仔』卻能自由發揮的劇集。偶爾來到現場，導演會讓我們根據角色感受自己說台詞。不過因為沒有固定劇本的關係，有時說完一次即興對白，再拍第二次時就很容易忘記。」對夏韶聲來說，這種拍攝方式亦讓他格外開心：「我拍了這麼多年戲，這是最輕鬆愉快的劇組之一。全組人都比我年輕，但大家都很尊敬我，每天見面就像家人，這種氛圍讓即興表演更自然。」 為未來存一份甜 談到劇組生活，兩位主演滿是懷念。 「我們前年九月拍完，拍了很長時間，每天見面，真的像家人一樣。」夏韶聲說，「劇組裡的年輕演員都很友善，Tiger、Lokman 他們，沒有因為我是前輩就疏遠，反而經常一起吃飯、聊天，還有工作人員對我說『以前幫你洗過頭』，這種緣分很有趣。」Asha補充：「因為是單元劇，每個故事都有新的挑戰，我們一起幫客人解決問題，就像完成特別任務，有很多奇奇怪怪又難忘的經歷，譬如拍火鍋戲時，大家即興發揮，不用劇本也能聊得很開心。」 對於觀眾，兩位主演有著簡單而真誠的期待。「我們不想預設觀眾會看到甚麼，只想把每瓶酒背後的故事、每個角色的情感傳遞出去。 」夏韶聲續說，「這部劇裡有老中青三代人的遭遇，有親情、友情、愛情，還有一間酒吧裡的人情冷暖，希望大家能感受到這份溫度。 」 Asha則希望觀眾能在劇中找到共鳴：「酒吧不只是喝酒的地方，也可以是回家前放鬆的角落，是心靈的棲息地。願每個人都能找到屬於自己的‘存酒地’，存放回憶，也收獲溫暖。

多得歲月沉澱，宣萱以《誰殺了她》中飽受命運捶打的邵若雲一角，拿下新加坡《紅星大獎 2025》「最佳女主角」，成為首位獲此殊榮的外地演員。宣萱說，拍戲從不為獎項，只為對角色無憾。這份榮譽，是多年來演藝生涯的厚積薄發，更是她堅守演員初心的最佳回饋。 從警匪片中的獨立女性，到烏家堡裡的千金小姐，再到悲情戲內的絕望母親，宣萱的演藝足跡遍佈各地，烙印在無數鮮活立體的角色之中：二千年初《尋秦記》，她是亂世中的女俠烏廷芳；後來跨洋演繹《誰殺了她》，又化身深陷喪女之痛的邵若雲；直到近期台慶劇《巨塔之后》，她成為了溫柔堅韌的董一妍，與劇中強敵爭奪家產，同時展現專職醫療的專業，演活真正女強人風範。更令人期待的是，宣萱將再度攜手經典IP，回歸《尋秦記》電影續集，譜寫觀眾心中期盼而久的時空之旅。 回望多年演藝征途，宣萱難得在採訪中坦露背後的堅持與熱愛——她享受與角色對話的每一刻，致使除了演戲，再無其他事能讓她如此傾心。好好演戲，只因她歷年來始終深愛這份工作，珍惜每一個角色；也在歲月長河中，沉澱出香港演員獨有的通透與光芒。 text • Leon Leephoto • Ken Leungstyling • Sum Chanstyling assistant • Samhair • Keith Womakeup • Wi11 Wong @Wi11wongofficialjewellery • ASHOKA Diamond、D.FL Perfect Natural Diamond、The Leo Diamond 獲獎只是意外風景 談起那座來自新加坡的獎盃，宣萱的指尖輕輕一頓，像是想起領獎當晚的燈光。「真的沒想過我會拿到它。」她邊回憶邊笑，嘴角彎成溫柔的弧度，「其實我從來不是為了獎項去拍戲的。你想啊，要是為了拿獎，那拍戲就成了沉重的任務，多累。」在她心裡，獎項更像是偶然遇見的繁花，「對我來說是一種bonus，是額外驚喜，但不是我從演的目的。」直到領獎後聽別人提及，她才知曉獎項是首次頒予給「外人」，沒有「衝出香港」的豪言，宣萱只悄悄將榮耀與「香港演員」身份緊緊連繫於一起：「這是我事業裡值得銘記的事，我很驕傲自己是香港人，也很慶幸能用作品，讓別人看到香港演員的樣子。」 回顧1999年，宣萱奪得TVB「最佳女主角獎」的瞬間，身上還帶著新人的生澀與忐忑。「這個獎是我演藝生涯的第一個肯定，《刑事偵緝檔案 IV》裡武俏君的個性通透獨立，我至今都很喜歡。」她憶起當時手不住發抖的模樣，「原來我傾注心力的演出，真的會被觀眾記在心上，是一份屬於演員的精神力量。」兩座獎盃，相隔二十年時光，在宣萱心裡各有重量，卻同樣彌足珍貴。「就算一輩子只擁有這兩個獎，我也覺得足夠了。因為每場戲的傾力投入、每一次與角色對話，都比獎盃更讓我難忘。我拍戲不是為了讓別人認可，而是為了讓自己無憾 —— 你對角色用了心，角色就會用它的方式回饋你。最重要的是在工作中找到樂趣，積累全新體驗。」 宣萱直言：「以前總是接到警匪片，不然就是演女朋友演老婆，這些角色我真的做到膩了。」當觀眾對演員的表演印象固定時，就必須主動求變，「如果我是觀眾，看到一個演員離開兩三年再回來，還是重複舊時戲路，只會覺得可看可不看，毫無新鮮感。」但談到「邵若雲」這個背負「母親的痛」的角色，她坦言最初滿是猶疑：「一聽到故事設定，就覺得『糟了，我真的能做到嗎？』她要面對家庭關係的崩壞，女兒慘遭殺害後，與丈夫的感情又出現裂痕，充斥著無數歇斯底里的崩潰場面。」 與角色共赴深淵 為了守住角色狀態，拍攝期間宣萱幾乎與外界隔絕：休息時從不外出，獨自留守酒店不讓自己抽離；長期浸潤在抑鬱情緒中，輾轉難眠到需要依賴安眠藥；三個月裡僅與劇組共進過一頓飯，只為最大限度減少外界的干擾。「以前拍內地劇也有類似體驗，一場戲拍一整天，結束後回到酒店，完全走不出那種情緒，睡不著也開心不起來。」而《誰殺了她》幾乎全程都是負面情緒戲，僅有三四場能稍作放鬆，「但我知道不能中途抽離，一旦走出來，角色的節奏就徹底斷了。」 所幸經理人Ronnie昔日的一句鼓勵，給了宣萱邁出第一步的勇氣。「早年他鼓勵我出演舞台劇《大辭職日》，我考慮了很久，他卻說一場戲和二十七場戲本質上沒有區別，覺得我一定能做到，而我知道他是認真分析過才放話。」這份肯定讓她決定推自己一把，「那時候我才仔細想，為甚麼要先否定呢？或許這次機會，就是來讓我走出舒適圈，接觸更多『未知』。所以當他推薦我接《誰殺了她》時，這次我很爽快答應了。」 從電視劇到電影，再到舞台劇，宣萱坦言不同戲種各有難度與挑戰。「電視劇拍攝節奏快，有時還會遇到『飛紙仔』的情況，需要自行銜接前後劇情，彌補劇情的不連貫，特別考驗即時反應；電影拍攝時間雖短，每一場戲都要精準命中情緒，不能有半點差錯，頗有舞台劇的嚴苛感；而舞台劇卻是另一種體驗，排練時可能花幾天時間打磨一場戲，不滿意就全部推翻重來，對演員的基本功要求極高。」 於戲裡過活日常 宣萱重提初次參與排練的震撼：「他們的台詞功底、現場掌控力都太出色了，可他們反倒佩服我記台詞的速度。原來每個領域，都有值得互相學習的地方。」她續指，「以前覺得在演藝圈待了二十年也算很有經驗，直到和舞台劇演員合作，才發現還有這麼多不足。」她也帶著更深的體會回到螢幕前：「我從拍戲開始就很留意戲劇中的『生活化』。不論演甚麼身份，都會先替角色過一遍生活。這些細節觀眾或許不會特別留意，但直覺會覺得『這個人是真的』。」 譬如拍《巨塔》時，她執意要在醫生袍裡放上手機、耳機，還有一張折疊的筆記紙，就像現實中的醫生，隨時要接聽電話、記錄病人囑咐。「你不能只演『醫生』的樣子，要演出『醫生的日常』。」她一邊說，一邊比劃拿筆記本的姿勢，「進入拍攝環境後，我會先確定手袋放哪裡、鑰匙擺在哪裡，甚至穿脫白袍的順序，這些習慣要保持一致，因為一個人的生活狀態是固定的。」她憶述自己曾在影院內，因女主角過於精緻的妝容而出戲 ，「那個角色明明很窮，但眼線、睫毛液一應俱全，視覺上的違和讓我完全代入不了，這點也一直提醒自己要避免的。演戲，終究是要讓觀眾相信這個故事、相信你演的角色。」 尤其「董醫生」的塑造，難度不僅在於情緒的壓抑，更在於要在狹窄的表達空間裡，讓觀眾感受到角色的內心波動。「這套劇不像《溏心風暴》，一班女人在明爭暗鬥分家產。她平日是一名醫生，面對病人不會有誇張的喜怒哀樂，所有情緒都收得很緊，但又要讓觀眾捕捉到她的開心、傷心和執念，更加不能在小細節上馬虎。」這份努力最終換來了回報，不少觀眾留言稱讚「真的覺得你就是個醫生」，就連宣萱去做身體檢查時，醫生都笑著打趣「董醫生來了」，讓她深感所有付出都值得。 順歲月之通透 聊起演藝圈三十多年來變遷，宣萱的眼神裡有對從前的懷念，更有對當下的坦然。她想起剛出道時拍攝《千歲情人》的日子，王菲、方中信、林保怡等前輩像哥哥姐姐一樣帶著她，「那時就算忘詞了，他們會悄悄遞個眼神，盡力幫我圓過去；也會提點我別緊張，演員都有忘詞的時候。」但如今行業早已不同，網絡世界成了演員的另一個「舞台」，年輕演員要應對的壓力，比從前多了太多。「有時我會和年輕演員聊天，聽他們說『怕自己拍不好，怕觀眾不喜歡』，心裡就會生出幾分心疼。」 宣萱想起自己年輕時，前輩們會毫無保留地分享經驗。「現在我也想做那樣的人 ，告訴他們『別怕問，不懂就說』，前輩走過的彎路，能讓他們少走一點，就夠了。」面對市場變化，她從不抗拒接觸「新東西」：以前不怎麼接觸社交媒體，現在學會拍攝短片；從前沒想過去演唱會做嘉賓，卻在朋友鼓勵下認真練起了歌。「年代變了，你不能總站在原地不動，不妨就與年輕人玩在一起。」她笑著說，「就像拍合資劇，以前覺得『要守住香港的戲』，後來才發現，合資劇能讓我們拍到更真實的醫院、更壯觀的場景，這些都是以前不敢想的。順應變化，不是丟掉初心，而是用新的方式，堅持自己喜歡的事。」 戲未落幕，熱愛不息 宣萱最令人動容的，莫過於她對人生的通透：這輩子從無「後悔」二字。有時深夜收工，坐在車裡，看著窗外路燈掠過，她會忽然問自己：「如果明天醒不來，這些年拍過的戲、遇見的人，有會讓我覺得遺憾嗎？」每次的答案都是「沒有」， 因為始終在做自己最喜歡的事。她帶著過來人的懇切叮囑：「二十出頭的年紀，別被『要儲錢』、『要穩定』這類想法綁住。你若痴迷演戲，就盡情去片場打磨；若鍾情唱歌，就放開嗓子去唱。到三、四十歲回頭看，才不會後悔『當年要是勇敢一點就好了』。」…

就在深水埗北河街市附近，一個賣傘的小店門前放著一塊發泡膠板，以秀麗的字體在正中寫著四個大字：「老舖結業」，再添上「道光二十二 新藝城傘皇鞠躬 多謝惠顧 1842-2025 廣州 香港183年」小小一塊牌，總結了183年的老店故事。 Text & Photo: 蘇花 「老細，唔做喇？我個女以前同你做過訪問㗎！」路過的街坊跟一臉花白鬍子的老闆打招呼。老闆正拿著一把縮骨傘，教新客人如何開傘和收傘：「要震震震，再打開！不要經常轉傘，會轉壞呀！」這邊廂客人打開手機鏡頭在錄影，那邊廂舊街坊繼續在回憶往事：「我個女做學校功課，同我講話同滿面長鬍鬚的賣遮伯伯做訪問。依家佢都廿幾歲了！」歲月流逝，眼前的仍是街坊女兒口中那個滿面鬍鬚的伯伯，不過花白鬍子現在修短了些，皺紋多了些。 新藝城開業於清朝道光廿二年（1842年）廣州越秀區，幾經戰亂變化，五十年代邱氏一家逃難來到香港落葉生根，來到現年73歲的邱耀威是第五代傳人，人稱「遮王」。現時落戶深水埗的店子經營了約45年，早前宣佈做到12月底便結業，消息一出，舊客紛紛回來補貨，也多了新知來探店，所以門前便又再熱鬧起來。 小小一個賣傘的店子，現時所賣的傘都是邱伯伯精選的好傘，包括縮骨遮、長遮及自動開合的雨傘，售價由$45至$195不等。問他有沒有不會反的傘呀，邱伯伯答得老實：「哪會有不反的傘？不過差別是，反完可以繼續用，還是一反便廢。」客人問他那把傘好不好？他會有碗話碗，讓人自己選。邱伯伯說，他堅持賣好傘，但的確有人會買「渣遮」。「有些人用完一次便不打算再用，所以不好的遮也有人買，但那種20元一把的『垃圾』，我堅決不賣。」邱伯伯鏗鏘有聲。 由於實際原因，新藝城現時賣的是現成傘子，但自1842年開業至現在的第五代的新藝城傳人，都是真正懂得做傘修傘的師傅。邱伯伯提到他高祖父那輩做的油紙傘，仍然記得非常細致入微：一把傘由刨出大小粗幼統一的竹枝做傘骨開始，到製作混入蠶繭制作的紗紙，並以生番茄煮防蟲蟻漿糊作黏合，最後塗上防水桐油，耗時三數天才告完成。到了邱伯伯父親那輩開始做鋼傘，但也是高級品，要普通人兩三日人工才買得起。邱伯伯說，他也懂製傘，但成本和心機也太消耗，一把要做三個鐘，大廠五分鐘便完成一把。 邱伯伯每賣一把傘，也會教人開傘收傘，就是想讓傘的壽命延長更耐用。「有行家叫我，不要教人啊，傘不壞便沒生意啊！」但他沒理會，還會替客人修傘，為的是環保，也是惜物，更重要的是惜情。邱伯伯甚麼傘也會修，修不好還不收錢，他說那些傘有感情也有回憶，可能是家人留下的，或伴侶的遺物，拿來修的都是有故事。其他人見我修傘，便又學，但有些根本不會修，還是會收人錢。 至於最難忘的修傘往事，邱伯伯竟然說是被人「兇」。「那個客人拿了把傘來修，修好打給他回來拿卻不認數，很兇狠的說『不要！』，然後過了一陣子，再打去問他，那個人又說不要。那把傘他結果沒有回來拿，但我也沒丟掉。」問到結業原因，生意漸艱難，但還算可以，倒是邱伯伯現年78歲，年事已高，加上之前曾輕微中風，日常生活可以應付，但再要打理店舖便感吃力，只好結束生意，把這百多年的老字號結束。 舖前長傘擋住了一幅字，置中是「新藝城傘皇」，左右兩側題著「新姿滿城顯氣派　藝彩盈市露風華」。那幅字的原版是邱伯伯祖輩題的，他覺得好看，便自己又寫了。那是當初開業時，對這字號的期許吧。邱伯伯對於結業不後悔，但自責不能把招牌繼續傳承。「現時這個舖位是我自己開的，已經45年，我父親當年的舖也在九龍，但不是這個位。我見阿爺歷史咁悠久便照住做，但最衰就係我啦，將阿爺的名譽，地位掃晒出去垃圾桶，執笠吖嘛，衰格，敗家仔，因為無將祖先基工業傳下去，我係衰仔。」街坊看到老人家這樣自責有點於心不忍，紛紛安慰是退休，不是執笠嘛！ 現時舖頭存貨，邱伯伯也不太肯定，他也開了買三送一優惠，但求把存貨出清，減輕負擔。以後如果有人想從環保角度學修傘和護傘，他仍樂於分享，不過如果用來作維生技藝他便不建議了，因為現在平傘劣貨當道，生意愈來愈難做。邱伯伯還提到，店中仍有一百來把修好的傘，他已經一一通知客人來取回，如果月底結束前不來便不會再保存。現在就代邱伯伯提提各位傘主人，你們的珍貴回憶有人替你用心修補，再不來收好便浪費邱伯伯的心機了。拎遮呀喂！ 新藝城地址：深水埗荔枝角道314號地下電話：92485748營運日期至 2025年12月底（暫定）

幾年前的洪嘉豪，談吐間總隱隱透露出一種矛盾感與自卑感。雖然在樂壇的成績不俗，但在不同訪問中他都提到對歌藝與樣貌的不自信。事隔幾年，那種悲觀仍根植在他體內；幸好上天賜給他幽默的能力，足以在生活中撫慰自己、撫慰他人。近年除了音樂，駕駛與足球或許最能夠撫慰他，不過前者的快樂來自自己，後者的快樂來自群體。 有趣的是，來回道路與球場也恰似他目前的生活形態。有時他希望保留更多的自己，有時又希望與大家打成一片。今年嘉豪把這些生活感受凝聚在《Canvas》這張專輯，在畫布上繪出玩笑背後最真摯的圖畫。「專輯的封面照片，驟眼見以為是很多花瓣灑在頭上，但其實那是鉛筆屑。鉛筆屑的堆砌，象徵著你要用筆，要削筆。一邊用、一邊畫、一邊創作，它就有機會成為花瓣。」 text • yuidirection and styling  •Nacchi Maphotography • Max Chan Wangphotographer assistant  •Sammy Lomakeup  •Circle Chonghair  •Haysses Ip @ Private i Salonwatch • Blancpainwardrobe • Emporio Armani, Fendi and Paul Smithspecial thanks  •Volvo Cars Hong Kong 一套波牛哲學 洪嘉豪自小就是波牛，童年曾夢想成為足球員，最後選擇成為歌手。他笑言當年自己是速度型球員，負責衝鋒陷陣把球帶入龍門，曾擁有「屯門快槍手」的外號。去年年尾開始，他以明星身份穿上球靴，加入由一眾新生代藝人組成的球隊 FC3。足球這件事對於嘉豪來說很重要，它不僅是一項興趣或運動。嘉豪說，自己一位音樂人朋友因為重回球場，竟然重新感受到年輕的感覺。他常以踢波比喻人生，給身邊朋友來一記當頭棒喝：「未到 90 分鐘都要咬緊牙關」、「暫時落後一球也不要緊」……這些乍聽有些老套的足球哲學，卻都是困頓生活中的金石良言。「有時隊友下班後過來練波，練到累了想放棄，我都會提醒他們：足球明明是你最喜歡的事情，如果你連最喜歡的事都因為累而放棄，不去捍衛那份熱情，那麼人生還有什麼是值得堅持的呢？在球場上練波、踢波的這兩三個小時，應該是你最投入、最珍惜的時間。」 成年後的嘉豪，如今不再選擇在球場上當速度型球員，而是轉型成為球隊的中場球員。「我覺得自己蠻適合踢中場。我本身不是一個很個人主義、表演慾很強的人，比較偏向用頭腦踢波。」中場就像是球場的中樞系統，需要不斷分析場上形勢。不過如今以明星身份踢波，比起以前在街場踢波，始終多了身份包袱。「雖然是『明星足球隊』，但其實我們的身份反而比一般人更『低』。坦白說，在球場上我們常遇到對手一些可能並非故意、卻容易導致受傷的動作，但我們往往更難出聲爭論，因為一旦開口，就容易被人看作是在吵架、耍特權。所以我們現在學會盡量避開衝突，懂得迴避危險。正因為我們是明星，有時反而會遭遇一些不友善的對待。記得哥哥（張國榮）以前上《今夜不設防》時，倪匡說過：藝人的身份比任何人都低，當你執意與人爭執，往往都是會『輸』的。不是輸掉那場爭執，而是輸掉器量與名譽。當然這些經歷，另一方面也磨練了 EQ。」 在香港做明星 球場以外，「明星」二字也是一個閃亮亮又沉甸甸的包袱，讓他對自己的身份有許多反思。早幾個月前他到日本公幹，在外地以「香港明星」的角色踏上舞台，他忽然覺得以往過於輕視自己的形象。「在日本舞台上的那一刻，我站出來，心裡很清楚：我是香港的明星，我代表著香港的演藝圈。在那個沒人認識我的地方，我要靚仔、我要『chok』，讓經過的路人都覺得——哇，這個人挺不錯的。那次去日本工作，我就是抱著這樣的心態。但回過頭來想，在香港工作的時候，我似乎很久沒有這種感受。」出名疼錫院友的嘉豪，常常在台下與粉絲打成一片。「我覺得現在任何一位所謂的香港明星，和觀眾之間的距離感基本上已經消失了。社交媒體把大家拉得很近，見面也容易，表達自我的渠道也變多。這種距離的拉近，有時候反而讓我有點害羞。」嘉豪形容，每當穿著一身漂亮衣服出席活動，面對粉絲總有些心虛，總覺得這不是粉絲眼中那個自己。「原來在香港，我做不到那種『明星感』。所以日本那次旅程，讓我反思了很多。其實我在香港也應該要有那種心態——我要記住自己是一個明星，哪怕環境不同。」 但嘉豪強調，自己不是要與粉絲製造距離感，事實上這件事在現今網路時代也並不實際。「以前黃家駒住在蘇屋邨，就算成名之後，他還是可以一個人住在那裡，沒有多少人知道。因為他的鄰居不會上網說『哇，我見到黃家駒』。」但時代不同了，無關嘉豪的個人意願，只要他走到街上，他的生活也會在網路上被分享。他尤其介意有些懷有惡意、非粉絲的人士，刻意公布自己住在哪裡、出沒在哪裡。嘉豪直言，自今年有一段頗長的時間，很討厭自己犧牲了這麼多的自由。他還因此寫了〈被害妄想〉，記錄那段長期不安、覺得沒有人會對自己友善的日子。「但近期不知為什麼，我好像放開了。我發現原來可以選擇犧牲，也可以選擇不犧牲。如果某一刻我想保持距離，我就連被人見到的機會都不給，只在工作時出門。比如所謂的宣傳期——你在宣傳什麼、唱片在表達什麼、歌曲是什麼風格、那段時間的形象如何——要配合那段時間的 mood，吻合那一刻的心情。」嘉豪指自己已漸漸能抓到平衡：「我明白，現在的生活很難奢求像以前那樣，也不會去怪責為什麼外出吃飯時會被人注視。其實這不算騷擾，你可以換個心態：我很開心見到你們，跟你們聊幾句也可以。現在我的內心能夠自我平衡。」 引而為傲的歌 出道七年，嘉豪今年推出迷你專輯《Canvas》。介紹文案是這樣寫的——這張收錄 6 首歌的迷你專輯，全曲皆由嘉豪親自作曲，其中 4 首更一手包辦詞曲，堪稱他參與度最高、最完整呈現自我風格的一次製作。短短幾句介紹說來簡單，但要一間國際唱片公司放手交托歌手本人製作專輯，卻不是容易的事情。嘉豪坦言，這是以往七年的努力漸漸贏取回來的事物，那些成績與經驗，都化為今天的相互信任。「這張專輯的壓力相對較小——當然壓力還是有——就是你要去面對、要承擔風險：當你做一些很自我、比較偏鋒的音樂，歌詞內容可能難懂一點、深奧一點，或者偏激一點的時候，受眾自然會相對沒那麼大眾。你要承受這一點。」 而他也乘著《Canvas》「自肥」，嘗試了自己一直以來想嘗試的風格，創作了〈閃光〉和〈畜生〉這兩首歌曲。「我覺得在我的音樂生涯裡，一定要有這兩首歌出現過，我才無憾。」為何無憾？居然是與嘉豪的偶像有關。「我最大的偶像是椎名林檎，最喜歡是她的樂隊東京事變，自大學時期開始他們便是我的音樂啟蒙。我的人生的遺憾是至今仍未看過他們的現場演出，而他們現在已經解散了。我以前常常幻想能夠組一隊東京事變般的樂隊，而現在有幸成為歌手，又有機會造歌，一定要創作這種音樂。我真的很 proud of 自己有這兩首歌，非常 proud。」 出身演藝學院的聲音設計科，寫歌作曲當然難不倒嘉豪；至於填詞，嘉豪也早於《Learning…

每個地方平民美食，往往是當地的文化縮影。如車仔麵，是香港人草根靈活的生存哲學——街頭木頭車起家，廉價食材自由配搭，濃醬快煮，從豬皮蘿蔔到龍蝦鮑魚皆可入碗，折射出港人務實、混搭、適應力強的一面。而日本的拉麵，則是匠人精神的極致追求——湯底熬製數十小時，麵條粗細、叉燒炙燒皆成體系，每間名店堅守獨門「配方」，反映日本對專業、深度與儀式感的執著。 由香港演員魏浚笙（Jeffrey）與日本新生代演員南沙良主演的《殺手#4》，便是一場車仔麵與拉麵的文化交融。這部電影在製作層面也體現了兩地截然不同的創作哲學：香港團隊的靈活即興，遇上日本團隊的精準規劃；即興爆發的表演節奏，碰撞事先精密計算的武打設計。當「自由配搭」的港式節奏，遇上「一生懸命」的日式美學，到底會有哪樣的火花？ text yuiphoto OiyanChanvenue The Black Hall 如何準備《殺手#4》的角色？有否參考或受到其他影視角色啟發？ 南沙良：最初收到劇本首稿的時候，其日文翻譯不太清晰，因此內容相當難以理解。在難以理解的情況下，我必須思考該說些甚麼、如何自行詮釋，這個過程遇上很大困難。 Jeffrey：首先很開心得到這次試鏡機會，其實我整個過程合共經歷了三次試鏡才得到角色。當知道得到「4號」這個角色後，我一開始給自己的功課就是調整身型，因為我覺得殺手予人的感覺應該是要身手敏捷，所以當時便開始鍛鍊和減重。好一段時間我保持每天運動，早上做Cardio，晚上則不停做Gym，也吃得特別清淡。所以當時體脂很低，體重也由大概74kg減到66kg。至於內在層面的準備，也有特意去看些殺手題材的電影，不過令我獲益良多反而是看《教父》。白蘭度演教父的時候常常會展現出一種很低沉的眼神，令我明白到原來不需要凶神惡煞也可以呈現出角色的威脅性。今次「4號」這個角色令我可以有機會展現認真沉穩的一面，與我以往的角色很不一樣，所以我自己很喜歡。 Jeffrey首度擔正，有感到壓力嗎？如何設想「4號」這個角色？ Jeffrey：感覺緊張是有的，但我也很高興可以呈現自己不同的一面。其實我沒有特別大壓力，演主角或者非主角都好，我覺得演員最重要的還是要做好自己的功課。至於關於「4號」，我覺得殺手不會是那種凶神惡煞的樣子。如果一個殺手能夠被一眼看穿身份，那就很失敗了——至少在我看來是這樣。所以我作為一個殺手，也不會刻意去處理這個角色，或許需要在角色裡放入一些東西，但不會特意做些什麼來顯得自己很神秘。因為我覺得，殺手也是一個人，只不過他把自己心底的那份善良抹去了。當他執行任務、必須殺人的時候，他就暫時把那份善良關閉，去完成這件事。否則，如果有太多情感牽連，就會影響他下手。所以對我來說，殺手就是這樣：他會隱藏自己的情感，去做任何必須做的事。 電影中的動作場面，事前進行過哪些訓練？ Jeffrey：這次電影的打鬥訓練大概歷時半年至八個月，而拍攝團隊也事前準備得很好，他們事先拍攝了四至五場主要場口的動作示範，我們依照著影片不斷練習，所以對於一開始需要做哪些動作是很清晰的。正式訓練的時候，我們也大概都知道怎樣打、怎樣去配合角度，拍攝時很快便進入狀態。 南沙良：我需要拍攝的動作場面並不多，實際上也如Jeffrey所說，按照戲中的動作來練習，進入拍攝現場就是做跟練習一樣的事。 南沙良在這部電影中最大的挑戰是甚麼？與以往拍電影最大的差異在哪裡？ 南沙良：首先是動作方面，這是我第一次嘗試拍動作戲；其二是角色方面，我所出演的角色星野雲是一個很天真、很可愛的女孩，與我以往出演的角色類型有很大分別，因此也是一個挑戰。出演星野雲之前，我跟導演有過一些角色上的討論，了解到雲是很有主見的，但同時卻很有童心。我在準備前是一邊讀劇本，一邊在紙上整理重點，大概是寫下每一幕感情該演到甚麼程度，或者戲劇張力該如何掌握吧。因為劇本本身比較難理解，所以會自己再整理一遍。 香港與日本兩部分別花了多少時間拍攝？有過哪些難忘事？ Jeffrey：在香港拍攝的場口其實不多，大概就是幾組戲便完成了；日本部分就大概拍了一個半至兩個月時間。要說兩地文化差異，就是香港工作團隊做事很快速、很靈活，在現場常常會有些變動。而日本人則比較會按部就班地做事，按著事先準備好的計劃去進行，如果要臨時加插一些新的安排，可能會顯得有些手忙腳亂。我覺得兩地文化各有好處，日本人處理所有事情都很精密，每一個場次的設定、道具全部都是事先準備好，一切都很準確。只是有時候他們會怕那些臨時加插的事物，會不夠盡善盡美罷了。 南沙良：確實如此，我完全同意你的看法。我也感受到香港團隊做事非常迅速，而日本的準備工作非常細緻、充分，但確實相對之下準備時間很長。因為今次也是我第一次隨外國劇組工作，所以第一次切身地意識到，原來日本人確實很喜歡按照制定好的規矩工作，不太喜歡有變化。 港日合拍的創作環境有什麼差異與火花？兩位在現場如何克服語言、文化交流障礙？ Jeffrey：如果談論細節和劇本，一定需要翻譯人員幫忙；但平時開玩笑就用一點英語去溝通。說來對戲我們倒是完全沒有語言上的問題，默契極佳，從來沒有一次因為語言不通而NG。我覺得這是很神奇的事情，因為日文有時很長，廣東話則很短，其實我們都不知道彼此甚麼時候說完。但彼此好像都有一種莫名的化學作用，就是知道大家何時講完對白。 Jeffrey更與幾位日本電影前輩有對手戲，對前輩有哪些觀察與學習？ Jeffrey：我覺得每一位演員準備都很充足，基本上大家都做足了功課，一進入角色就已經在狀態中。但說到印象最深刻的，一定是竹中直人前輩。他在其中一幕有一段很長的對白，一開始他只是正常地說，說著說著——他居然唱了出來。後來才知道，這是他自己創作的方法，劇本裡其實沒有要求他用唱的。我覺得前輩在構建角色以及他營造出的氛圍，真的讓人覺得很厲害，甚至該說，完全就是組織大哥的感覺。我會覺得，他這樣的呈現方式真的很厲害，讓我相當震撼。 最難忘的一場戲？ Jeffrey：我最深刻的，應該是「紙鎮」那場戲，那是我倒數第二場拍攝的戲。當中有個鏡頭是一鏡到底的，我要一個打八個，用一種U字形的走位去打。我覺得，那場戲無論是和各個單位的配合，所有細節、所有時機的掌握，都必須做到完美才行。因為我們是在拍慢動作，所以每一步都必須非常精準。不過那個鏡頭我們大約拍了三個小時，比導演預想的五六個小時快，所以這樣看來，還算蠻順利的。 南沙良：其實與Boss（編按：童星森優理斗飾演的角色）的每場對手戲，都令我印象深刻，因為在塑造雲這個角色時，與Boss的關係是非常重要的。當中與Boss最後的道別場面，更令我印象深刻。 Jeffrey戲中形象被觀眾指似陳冠希，有哪些想法？ Jeffrey：其實打從出道開始，就一直有些類似的議論。但我自己是不去理會的，因為我覺得每個人都有自己獨特的基因。我現在只想重新專注在演戲，或是其他技能上。只要能呈現出自己不同的一面給大家看，我就會很開心。至於說像誰呢——我不會去理會這些。

昭拍耶河，是曼谷的靈魂脈絡，流淌著這座城最本真的風情 —— 古典廊柱浸著王室餘韻，市井煙火纏繞著河岸晚風。當晨霧輕拂河面，它載著歷史的厚重緩緩甦醒，與當代文化碰撞出驚艷不斷的邂逅。本次曼谷時尚隨行，不妨讓我們循河而行，探尋三個地標裡的獨特格調：The Siam 暹羅酒店、Loy River Song 奢航之旅與 Song Wat 嵩越老街。 text．Leon Leedirection．Nacchi Maphoto．Oiyan Chan The Siam 昭拍耶河的暹羅美夢，一座可居住的世外博物館 無可否認，都市度假的終極浪漫，是身在曼谷煙火氣中，心卻墜入到隱世祕境。在這座充滿活力、魅力四射的城市裡，唯有湄南河東岸一隅，喧囂的都市風光與靜謐河畔在此處交織，構成一處寧靜綠洲——The Siam（暹羅酒店），一間隱匿於叢林之中的酒店，能以細節訴說故事，讓旅客步步皆是不期而遇的心動。 有別於曼谷市中心櫛比鱗次的現代hotel，The Siam初見簡約利落，細品方知其風情萬千：坐擁法式殖民的慵懶質感、Art Deco的裝飾鋒芒，卻夾帶中式古韻的沈靜底蘊，與熱帶庭園的愜意鬆弛；房間黑白主調碰撞摩登復古，反差間又透著渾然天成的雅緻。經了解後才知道，這家酒店打從2012年開張至今就深受討論，不管是設計師兼建築師Bill Bensley的奢華設計，還是悠然的度假體驗都是備受矚目的重點。 與The Siam初遇，最嘆為觀止的莫過於處處皆是精緻雕塑、藤蔓環繞的泳池、充滿禪意的庭院。它們無一例外，相當適配Bensley一貫的設計巧思：採用當地常見物料，如茅草屋頂、高架屋、露天大堂及躺椅，並透過玻璃天花板讓大廳和走廊充滿陽光，營造出清新涼爽的空間。除了入內即見綠意蔓延的中庭，迴廊中擺放各式古董亦暗藏主人家品味；若從接待處旁一路走來，更會發現一間復古精品店，這裡沒有常見的商品，取而代之是琳瑯滿目的稀有收藏：真人大小的「E.T.」與星球大戰「尤達」雕像、漢代馬車、中國藥櫃以及復古貓王海報等，讓遊客沉浸於探索珍寶之中，流連忘返。 當然，許多人前往泰國是為了尋找自我，但身處暹羅酒店，這早已是理所當然的事：The Siam不只是休憩之所，亦設有賽車收藏區、24小時圖書館、放映室及畫廊，讓每位住客在奢華中觸摸多元熱愛；在餐飲與休閒體驗上，The Siam內的Chon Thai Restaurant由泰國名廚掌勺，不僅以其正宗的泰式料理聞名，餐廳還巧妙融合各種風味和口感，為食客帶來純正的泰式味蕾盛宴；Bathers’ Bar則以殖民時期的海濱俱樂部為靈感，供應西式簡餐與特色雞尾酒，午後在這裡點一份英式下午茶，搭配湄南河風光，無比寫意。 The Siam的水療中心 (Opium Spa)更是不容錯過。從套房出發，只需片刻即可抵達在曼谷聞所未聞、前所未見的真正養生世界。理療師均經過嚴格培訓，從草藥熱敷到精油按摩，每項都能讓人徹底放鬆身心。此外，酒店的健身設施配備齊全，擁有最先進的健身科技，並可根據需求提供私人教練服務；更率先開設了曼谷首個完善的豪華泰拳訓練館，將健身水平提升至全新高度，體驗真正的泰拳訓練。酒店也提供私人導覽服務，可安排訪客前往曼谷的隱密景點，如百年寺廟、本地市集等，讓旅程更具深度。 當你經歷過這場暹羅美夢，直到離開那天回頭望去，The Siam沒有那種浮華的張揚，卻像一位優雅的老友，在昭拍耶河靜靜訴說著曼谷慢時光。對於追求私密與質感的旅人而言，它不僅是一間酒店，更是一場揉合泰式人文、殖民歷史與自然風格的深度體驗，讓每位訪客在享受奢華同時，讀懂曼谷這座城市的多元與厚重。 Song Wat 漫步老城區嵩越路，走一趟百年老街文化巡禮 提及曼谷，多數人腦海浮現的是金碧輝煌的大皇宮、人潮湧動的暹羅廣場，或是霓虹閃爍的考山路。但真正懂曼谷的人，會繞過喧囂，鑽進老城區的街巷裡——譬如嵩越路（Song Wat）。這條與昭披耶河相鄰平行的老街，藏著當地最本真的模樣：百年騎樓斑駁如舊，老店木門吱呀作響，泰式香料與咖啡香味在空氣中纏繞，時間彷彿在這裡慢了半拍。若想用一天觸碰曼谷「老靈魂」，Song Wat便是絕佳的起始之地。 造訪嵩越路的最佳方式，是從湄南河的渡輪開始。由Saphan Taksin站換乘橙色渡輪至Tha Chang碼頭，步行五分鐘便見嵩越路入口。河濱步道靜謐，望著騎樓上的藤蔓輕搖，是老城獨有的鬆弛感覺。隨街道走下去，顯眼的橙色招牌「I WANNA BANGKOK」映入眼簾，據聞是兩位泰國設計師發起的創作計劃，旨在以嶄新方式推廣曼谷；一同撞入視野的，還有比利時塗鴉藝術家Roa在牆面上留下的巨幅畫作：充滿活力的兩頭巨象，像極了這條老街的性格——在脫俗中體現歲月靜好，又藏著不經意的現代生趣。 在抵達Song Wat中央路口前，腳步總會不自覺放慢，門楣上的中文招牌是華人移民留下的印記；沿途也能觀察到一個開放場地「MAHAPHO RIVERVIEW」，入口處滿佈各式各樣的舊海報與貼紙，悄悄訴說異鄉人落地生根的堅持。直至遇見泰國知名服裝品牌「DOUBLE GOOSE」，他們在松瓦倉庫巷兩側開設了一間概念店，鏡子、長梯、街頭塗鴉遍佈整個角落，形成一處兼具美感與趣味性的打卡空間；現場還同步提供T-Shirt印製服務，路過的話不妨留下專屬紀念，別讓這份回憶溜走。 從街頭創意氛圍中走出，不遠處一間低調店舖意外牽住人的目光，便是以咖啡與輕食聞名的「Terroir.BKK SONGWAT」。與老街常見的鮮艷色彩不同，這裡門面僅以白底黑字標註店名，店內則採用挑高設計，保留了騎樓原有的木樑結構，搭配淺色水泥牆與原木桌椅，營造出兼具質感與溫度的工業風格。坐在臨窗位置，隨著玻璃細看行色匆匆的路人走過，手裡提著店員推介的咖啡品項，恍若與老街氛圍有了同頻共振，連心跳都與它的節奏對齊。…

在香港，中英夾雜的語境是刻在一代人身上的文化習慣，Pixel Arts出身的「當代大文字創作者」Franki，自去年開始「大文字」毛筆字藝術創作，選擇以螢光橙色刺破黑白的沉穩，用粗獷鋒利的筆觸為語，將港人的生活體悟與市井溫暖澆鑄進一幅幅「爆邊」字畫之中。 從去年新春偶然分享作品引發關注，到如今將「大文字創作」視為核心藝術表達，Franki不僅打破了傳統書法的邊界與表達桎梏，更讓筆墨間的文字，成為連結傳統與現代、中文與英文的獨特文化橋梁。近日，我們在他參與的「藝術不散場：JCCAC 冬季展覽 2025」上與他深談，試著從東西方結合的視覺對話中，讀懂「只屬於香港的文字美學」，一同走進這片充滿張力與溫度的大文字世界。 text • Leon Leephoto • Oiyan Chan 筆尖藏著最真的表達 談及與文字創作的淵源，Franki的表述格外率真：「我小學跟老師學過基礎寫法後，就沒再正經鑽研過。但從小就愛隨手寫寫，每逢新年必練幾筆，這個習慣一直維持到現在。 」於他而言，寫字就是很自然的情感表達 —— 用筆勾勒字的輪廓，寫得多了，便慢慢摸透了好看的結構；沒毛筆畫的時候，哪怕握著毛巾，也會模仿勾勒動作，久而久之便形成了獨屬於自己的手感。 而真正讓這份熱愛昇華為藝術創作的，是去年新年的特殊心境。 「那陣子身邊發生了不少事，心情格外低落，就想多寫一點發洩情緒。譬如展出的其中一幅作品，我寫了王菲〈曖昧〉中的一句，徘徊在似苦又甜之間，便很契合我的心境。」 一開始，這些作品只是送給朋友的禮物，直到在網上分享後，意外收穫了許多欣賞。「原本沒指望純粹抒發心情的東西，能被注意到，正是大家的喜愛，讓我有了一直做下去的動力。」 撞色、破界，寫透本土感覺 Franki的作品向來辨識度極高 —— 螢光橙、黑、白三種顏色搭在一起，撞出醒目和諧的視覺體驗；中英文混著寫，藏著濃濃的香港味道。這獨特風格的背後，是他對美學與本土文化的深刻思考。「我發現，街上貼的告示大多選用螢光橙色，但都是用硬筆寫的，不好看。我想善用這個天生吸睛的顏色，讓文字創作更有生命力。」 黑與白的搭配，則是為了實現視覺平衡，「這三種顏色是我目前覺得最強烈也最和諧的組合，哪怕寫奇特的字，也不會顯得雜亂無章。」 選字體的時候，Franki就愛粗獷、鋒利的風格，不願精雕細琢，更不願被規則束縛。 「我不喜歡被限制，『寫爆邊』就是一種感覺 —— 有時候明明轉彎的地方寫得挺流暢，我也會硬切下去，就是想讓畫紙『炸開』的那股力量傳達出去。」 這種不追求完美的率性，讓他的作品充滿了張力，每一道筆觸都承載著當下的情緒與衝勁，直抵人心。 中英夾雜的寫法，更是其作品靈魂所在。「香港向來都是英文教育與中文環境並存的，連說話都傾向中英夾雜，這是本土的文化習慣，我特別欣賞。」因此在確立作品風格時，用中文書法的技巧書寫英文，讓兩種文字互補，完整傳達含義。「有時候單靠中文表達不夠完整，必須結合英文才能說透。比如『七星拱照』，我會寫七個『星』字，配上『STARSSSSSS』的七個『S』；『五福臨門』就寫五個『福』，對應『BLESSSSSING』的巧思 —— 香港人一看就懂，很有共鳴。』 從日常擠出藝術空間 不過，Franki目前未有工作室，只能等家人熟睡後才能「開壇」創作，要不然四歲的孩子總想湊過來一起寫，讓他不得不爭分奪秒。這樣的創作節奏，反倒孕育出獨特的氛圍。「所以創作大多集中在晚上下班後，等小朋友熟睡了才敢動筆。其實開始寫不難，最麻煩的是收尾 —— 作品需要時間風乾。試過一次忘記關掉掃地機械人，它直接跑出來『打掃』，把畫上顏料拖得滿地都是，不僅毀了作品，場面還特別狼狽。偏偏那次寫的是『笑一個』，現在回想還是覺得很有趣。」他笑著說，自己創作從來沒甚麼固定規矩，幾乎全憑手感和心情，「要是當晚有精神、有感覺，就拿起筆寫；要是手感不對，寫了好幾張都不滿意，便會果斷停下來，改天再試。」 身為設計師，Franki在商業合作與藝術創作之間找到了舒適的平衡。「設計師的職責是替客戶解決問題，藝術家的核心則是表達自己的感受，這兩個身份我分得很清楚，反而能相互促進。」面對商業合作，他有自己的堅持：不願被過多限制，始終保留作品的核心特色。「有時候客戶會希望字體再清晰些，覺得英文遮蓋太多，但這其實是我的刻意設計 —— 就是想讓看作品的人多花點時間，琢磨中英搭配的深意。」 商藝共生的毛筆字藝 從與運動品牌 HOKA 的合作，到走進酒吧為外國客人現場在扇子上書寫，Franki 的商業創作嘗試越來越多，卻從未丟失藝術的溫度。「現場書寫一開始挺有壓力，有時候要一次性寫五六十張，但只要進入狀態，就完全顧不上周圍的聲音了。看到外國客人潑乾墨水時開心的樣子，我也覺得特別有意義。」對他而言，大文字創作不僅是賞心悅目的視覺作品，更是香港本土文化的鮮活詮釋。 「接下來我想嘗試更多語言，不只是中文和英文，看看其他語言與這種寫法能不能碰撞出新火花。還想創作更大幅、更有空間感的作品。」Franki 說，創作的核心永遠是真實表達情緒：「我寫的都是積極向上、鼓勵城市人的內容，希望每一個看見作品的人，都能接收到這份直抵人心的衝勁與溫暖 —— 這就足夠了。」

Stephy再出道！鄧麗欣從千禧年代Cookies入行，唱過很多少女歌曲，拍過不少愛情電影，從《空手道》、《金都》蛻變至近年《飯戲攻心》、《紅豆》等，來到入行20周年，月前終於首次登上紅館開騷，今個月亦迎來另一個第一次，就是以畫家身分「出道」！ 自小就學習畫畫，長大後修讀藝術，Stephy入行後放下畫筆，疫情期間再次接觸畫畫，感覺比冥想更專注。機緣巧合下，今次於啟德舉辦首個個人畫展「Step into the Secret Garden」，透過藝術形式公開她的「秘密花園」，希望今次展覽讓大家觀照自己，明白放下才是人生的大道理。 text．Nic Wong makeup．Cyrus Lee hair．Ritz Lam @myös stylist．Queenie Yu wardrobe．NET-A-PORTER、POSSE、Paris Texas 第一次覺得「美」是甚麼時候？ 很小，幼稚園的時候。我記得有一位老師特別漂亮，那一刻我就懂了「漂亮」和「不漂亮」是有分別的。那應該是我第一次對「美」有意識。 你小時候是怎樣開始學畫畫？ 小學時有朋友帶我去暑期班，才第一次正式上堂，學填色、打陰影、素描。我媽媽說我很小時畫畫已不錯，至少填色不會出界，對顏色特別敏感，長大後中學開始修讀藝術，學油畫、平面設計等，自覺都有天賦。 小時候畫畫對你有多大影響？ 小時候我更加靜，靜到可以更靜。好多時躲在家裡，沒事就拿鏡子畫自畫像。那時候已經覺得自己好成熟，不想講太多話。畫畫就是我跟自己相處的方式。 現在的你，眼中對「美」的定義是甚麼？ 現在覺得「美」是很闊的，尤其這個世代很容易被洗腦，覺得某種東西才叫漂亮。但其實「美」跟藝術一樣，沒有對錯，沒有一定標準，是你自己怎樣去感受那一樣東西。我現在更相信，「美」是要從心去感受的震動。 入行後停了畫畫多久？疫情又是怎麼重新拿起畫筆？ 停了大概二十年。疫情突然多了時間，我就想，不要浪費自己的天賦，不如重新拿起畫筆。畫第一幅的時候，突然覺得「嘩，原來我真的好鍾意畫畫」，畫畫比我平時打坐冥想更專注，更能靜下來，能把煩惱、情緒全部釋放出來。那段時間畫了好多幅，也徹底愛上了這種感覺。當時純粹是自己的表達，完全沒想過會變成展覽。 這次畫展的起點是甚麼？ 純粹機緣巧合。很多朋友看到我在IG貼出自己作品，人人都問：「你會唔會開展覽？」我從來沒想過，也覺得好像沒這方面的能力。後來朋友舉辦姆明八十周年展覽，我很喜歡這部卡通片，而那位朋友問我：「我那裡有個位置，你要不要做個人展覽？」於是我便膽粗粗答應了。人生很多機會就是這樣，你不捉住就沒了，所以我就勇於答應，亦慶幸有個空檔期，能抽更多時間來畫畫展出來。 姆明那幅畫的靈感從哪裡來？ 小時候看姆明卡通，只覺得可愛；長大後才知道作者Tove Jansson是芬蘭人，故事背景在芬蘭森林。我沒去過芬蘭，但一直好憧憬那裡的雪景和極光，這幅畫就是幻想姆明在芬蘭的極光夜空下生活。我故意不用「正常」的綠色極光，用很奇幻的顏色，因為姆明的世界本身就是很奇幻、很神秘、我們永遠觸不到的感覺。 得知那是一幅流體畫，最難的是甚麼？畫了多久？ 這是我第一次畫這麼大幅，畫的時候覺得好大好大，要整個人趴在地上拿風筒吹，腰伸到中間又不能碰到畫，全部都是油，真的要凌空操作。底色還在流動的時候就要一次過完成，不能等到乾，乾了就沒救。整幅畫大概三、四天完成，但腰痛了兩個星期。如果再大一點，我就真是不敢挑戰這種流體畫了。 另一邊廂，你畫小朋友的眼神特別細緻，但畫花又很寫意，整體很矛盾，為甚麼？ 因為我本身就是一個矛盾體，像我又打排球又畫畫又要唱歌演出等等，既好動又好靜，既寫實又抽象。這次展覽我沒刻意分主題，就是想讓大家看到：人就是這樣，會經歷不同階段的自己，不同階段的情緒。不需要掩飾，想說的時候就擺出來。每幅畫背後都有意思，但表達方式不同，其實那個都是我。 你最喜歡呈現小朋友的甚麼？ 他們的表情很真實。大人會掩飾，小朋友不會。他開心就真的開心，想事情時，眼神就會木納。你一看就知道那份情感。我很多素材都是自己去探訪時影的相，再畫出來。 搞畫展跟搞演唱會，哪個更難？ 完全兩回事。演唱會有排舞師、導演、音樂總監一大班人幫我思考，我只需要溝通。但畫展好多東西要自己落手落腳，所有前言、介紹、後語都是我一個字一個字寫，因為沒有人知道我想講甚麼。腦袋要不停轉，加上我想的不只是畫畫，還要設計讓大家有感受的位置，比我想像中複雜好多。 今次展覽主題「Step Into The Secret Garden」，你希望觀眾帶走甚麼？ 我反而不想大家帶走任何東西，我想大家放下一些東西。「秘密花園」所指的是每個人的內心，我把自己的真實情感放進畫裡，但希望大家走進來時，不只是看我，而是安靜地觀照自己，疏理一下自己的情緒。現場離去前，每人都可以取得一塊葉子，大家可以把煩惱寫下來，然後放進箱子，象徵著放下。「萬般帶不走，唯有業隨身」，今次就希望大家放下那些「葉」！ 最後，想跟走進你「秘密花園」的觀眾說一句話？ 不要以為你很了解自己。其實有時靜下來，再觀照多一點，你會發現，原來自己還有好多陌生的地方。希望你走進我的花園的時候，也同時走進自己的花園。然後，記得把一些不必要的東西，放下。 鄧麗欣展覽 – Step Into The Secret Garden日期：2025年11月14日至2026年1月4日地點：啟德零售館2,…