Author: Leon Lee

MC張天賦 x CONSTANCE x Gareth.T專訪 ︳三重視角，一種溫熱：拉闊舞台的年輕人愛情說 唱響Gen Z愛情萬象

有些相遇，始於音樂，陷於默契，終於恰逢其時的舞台。由叱咤903主辦的《拉闊音樂會 <3 少於三 MC 張天賦 x CONSTANCE x Gareth.T》，將於5月16日在亞博啟幕，以「Gen Z情歌」為線，串聯起三個陌生又相似的音樂靈魂——Constance 康堤欣賞Gareth.T，卻坦言彼此不算熟悉，MC亦笑稱和其他藝人往來不多。但正是這份 「初見般」 的距離感，讓三人合作更添新鮮感：一個渴望藉舞台拉近距離，一個期待解鎖前輩的專業技巧，一個惦記著一場簡單的伙伴聚餐。 他們對愛情亦各有體悟 —— 或看淡形式的自由，或珍視未知的美好，或銘記成長中的遺憾⋯⋯如此風格迥異的三人，將一同詮釋暗戀、曖昧、相守與告別等情感瞬間，分享各自通透、浪漫又真實的愛情觀，唱響年輕人愛情裡的各式 situationship。這場「少於三」的新鮮合作，究竟藏著多少驚喜？不妨循著專訪，提前感受這場情歌盛宴的細膩與溫熱。 Interview．Nic WongText．Leon Lee Photo．hoyinHair：Keith Wo @Keithwo（CONSTANCE）、Cliff Chan @ myös  @myos_cliffchan  @myos.hair （MC）、 Ian Tsoi  @i.ian_hair（Gareth.T）Makeup：Heisan Hung @heisanhung（CONSTANCE）、Circle Chong @circlexoo （MC）、Kidd Sun @kiddsph（Gareth.T）Styling：Hilary Tsui（CONSTANCE）、Cheri Lee @cheriii.l（Gareth.T）Wardrobe：@loewe @sacai（MC） 三位對拉闊音樂會的整體感受是怎樣的？ MC：我覺得拉闊最特別的點在於，通常是幾個不同風格的單位合作演出，和自己獨立表演完全不一樣，多了「一起玩」的概念，還能有機會唱不是自己的歌，傳遞不一樣的訊息，是很難得的體驗。 Constance：我之前看過很多歌手在拉闊合作，覺得這是個很特別的騷 —— 不同風格的歌手湊在一起，總能碰撞出意想不到的火花，很有看點。 Gareth.T：我上次看拉闊還是林家謙、姜濤、Tyson和Jer那一場，印象裡它就是不同風格歌手聯手的舞台，能看到多元音樂的融合，很新鮮。 最深刻的一個拉闊音樂會畫面是甚麼？ MC：我記得有次拉闊要和女團Lolly Talk一起跳舞，那個體驗還蠻特別的，和平時自己的表演節奏完全不同。 Constance：我腦海裡的畫面更偏向前輩歌手的合作 —— 大概是90年代或2000年左右，家裡的前輩歌手和他們同輩的歌手一起表演，那種老派的音樂氛圍讓我印象很深。 Gareth.T：暫時沒有特別具象的拉闊畫面，反而更期待這次和兩位合作的現場體驗。 […]

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存酒人 ︳夏韶聲、Asha徐㴓喬專訪：存酒藏心事，市井有暖意；酒吧裡的存酒，是給回憶留個家

「人來人往的酒吧，每個人只是過客；那些晚上喝不完的酒，存下來，卻不只是酒，還有不同酒精濃度的故事。」 這句藏著煙火氣與情懷的台詞，正是ViuTV原創劇《存酒人》的靈魂所在。《存酒人》劇集改編自海笑同名小說，以一間即將結業的「市井酒吧」為舞台，用「歸還存酒」的溫情主線，串聯起一個個關於遺憾、牽掛、堅守與陪伴的故事，在三分醉意中，釀出七分直抵人心的暖意。 劇中，夏韶聲飾演看透世事的老酒保「標叔」，徐㴓喬（Asha）則化身熱衷鑽研調酒的年輕酒保「鬼妹」，一老一少的酒保組合，既構成動人傳承線，也從中傾訴吧台背後的秘密：每一瓶未喝完的酒裡，都浸著一段未涼透的人生片段，直到歸還那刻，方懂如何安置這份綿長的牽掛。 text • Leon Leephoto • Oiyan Chanwardrobe: ATSURO TAYAMA（Asha）makeup: Deep Choi（Asha）hair: Terrence Chan（Asha） 劇情簡介 《存酒人》講述，充滿歷史痕跡的「市井酒吧」快將結業，剩下多支無人領取的存酒。老闆雄哥（朱栢謙 飾）執意把存酒歸還給客人，還拉上年輕員工燁仔（邱傲然 飾）東奔西走。燁仔最初感到相當煩厭，過程中重遇不同存酒人，聽他們的故事，得知每支酒對客人都有特別意義。而「市井酒吧」還有看透世事的老酒保標叔（夏韶聲 飾）和熱衷鑽研調酒的年輕酒保鬼妹（徐㴓喬 飾）；與燁仔份屬好友，玩世不恭的阿當（楊樂文 飾）亦會在此駐唱。在酒吧進入最後倒數，五人為這裡帶來令人難以忘懷的燦爛時光。 不止存酒，更存回憶與牽掛 「存酒」 是《存酒人》的核心設定，指客人將未喝完的酒存放在酒吧，待下次再來飲用，或是留給特定的人。對於這種酒場的獨有文化，兩位主演有著自己的理解。 「我以前不知道酒吧可以存酒，以為酒買了就要喝完才能走。」Asha笑著說，「拍攝後才明白，存酒存的不是酒，是回憶和牽掛。就像有些人把酒吧當成第二故鄉，存在這裡的酒，是下次再來的念想。」 夏韶聲亦憑藉多年浪跡酒吧的經驗，補充了更真實的背景：「其實『存酒』在酒吧業很常見，有些人每次來喝一點，慢慢存著，還有人離開前把酒存在這裡，盼著回來再喝。這部劇厲害的地方，是把這件日常小事和人生故事結合起來，每一瓶酒背後都有一個人、一段經歷，就像人生的縮影。」他坦言，酒吧的存酒架就像一面斑駁的鏡子，照見相聚與別離，熱忱與遺憾。有人存酒是為了給下次見面留個藉口，有人是為了給回憶找個落腳處，還有人只是單純地，沒勇氣一次喝完藏在酒裡的時光。 他續指，「以前的酒吧都有音樂，樂團、獨奏、唱流行歌，我們音樂人與酒吧撇不開關係。喝酒的人會對著酒保訴苦，酒保就像心理醫生，聽著大家的故事，調一杯酒慰藉人心。雖然我現實中不常喝酒，但看過太多這樣的故事。 」對於這種 「情感寄託」 的詮釋，Asha亦分享了自己的習慣：「我從九歲開始寫日記，現在存了十幾本，雖然不常拿出來看，但搬屋時翻到，會發現小時候的想法很簡單，時間過得真快。這和存酒很相似，都是把回憶存起來，偶爾翻閱就像穿越時空。」 老臣子與叛逆少女 談到各自角色，夏韶聲直言標叔與自己算有著跨越半世紀的「緣分」。 「我從1967年就接觸酒吧業，對這個環境太熟悉了。」在他眼中，標叔是酒吧裡一位資歷深厚的老臣子，「他寡言少語，習慣觀察一切，看似置身事外，實則把每個人的故事都放在心裡。」Asha亦笑說對方明顯是愛說話的E人，但標叔卻是典型的I人，他的情緒都藏在眼神和動作裡，不用過多台詞，靠內心戲傳遞溫度。 反而鬼妹卻是在叛逆中尋找方向的成長型角色。「她一開始不上學、流連街頭，看不起酒吧這份工作，覺得只是混日子的。後來跟著標叔學調酒，沒想到越做越認真，從懵懂無知的少女變成了能獨當一面的調酒師。這種轉變需要仔細揣摩，尤其前期是對標叔的不服氣，後期卻滿是對『師傅』的敬佩。」不過，兩人在劇中關係並非傳統意義上的對手，更像是潛移默化的傳承。 「她要跟著我，不是對手，也沒有絕對的平等，是前輩帶後輩的感覺。」Asha補充：「其實標叔沒有正式收我為徒，但我一直叫他師傅，想得到他的認可。標叔雖然嘴上不說，但慢慢發現我是真心想做好，就默默放手讓我去闖，這種師徒情很打動到我。」 戲內調酒，戲外走心 為了還原最真實的酒吧氛圍，劇組在場景搭建和拍攝手法上亦格外用心。「拍攝初期我還問能不能加個反光板，覺得太暗了，但導演說這就是真實的酒吧狀態。」Asha回憶道，拍戲時沒有刻意的燈光設計，大家在昏暗的環境裡做自己的事、聊自己的天，那種鬆弛感就像真的走進了一間有故事的酒吧。夏韶聲亦對酒吧的細節設計贊不絕口：「吧台上方掛著很多飛鳥造型的裝飾，雖然是常見的小物件，但搭配起來特別有味道，殺科後我還拿了一隻回家留念，算是珍藏這段記憶。」 作為一老一少的酒保組合，兩位在拍攝前也接受了不少專業培訓。「劇組請了香港資深調酒師 Tony 教我們，他特別有耐心，從搖酒器的區別（美式和日式）到撕橙皮的力度，每個細節都不放過。 」Asha更特意苦練了搖酒（搖盪法），避免動作顯得生硬：「調酒看起來簡單，但有沒有功底一眼就能看出來。」夏韶聲則分享了自己的拍攝信條：「做演員就是要滿足導演的要求，學了就要做到位。就像我以前拍電影學煮粥，要對著四個火爐真煮真舀，這次學調酒也一樣，雖然現在有些細節記不清了，但拍攝時候一定要顯得專業。」 值得一提的是，《存酒人》採單元劇形式，更常有 「即興創作」 的空間。「這是我第一次遇到不是『飛紙仔』卻能自由發揮的劇集。偶爾來到現場，導演會讓我們根據角色感受自己說台詞。不過因為沒有固定劇本的關係，有時說完一次即興對白，再拍第二次時就很容易忘記。」對夏韶聲來說，這種拍攝方式亦讓他格外開心：「我拍了這麼多年戲，這是最輕鬆愉快的劇組之一。全組人都比我年輕，但大家都很尊敬我，每天見面就像家人，這種氛圍讓即興表演更自然。」 為未來存一份甜 談到劇組生活，兩位主演滿是懷念。 「我們前年九月拍完，拍了很長時間，每天見面，真的像家人一樣。」夏韶聲說，「劇組裡的年輕演員都很友善，Tiger、Lokman 他們，沒有因為我是前輩就疏遠，反而經常一起吃飯、聊天，還有工作人員對我說『以前幫你洗過頭』，這種緣分很有趣。」Asha補充：「因為是單元劇，每個故事都有新的挑戰，我們一起幫客人解決問題，就像完成特別任務，有很多奇奇怪怪又難忘的經歷，譬如拍火鍋戲時，大家即興發揮，不用劇本也能聊得很開心。」 對於觀眾，兩位主演有著簡單而真誠的期待。「我們不想預設觀眾會看到甚麼，只想把每瓶酒背後的故事、每個角色的情感傳遞出去。 」夏韶聲續說，「這部劇裡有老中青三代人的遭遇，有親情、友情、愛情，還有一間酒吧裡的人情冷暖，希望大家能感受到這份溫度。 」 Asha則希望觀眾能在劇中找到共鳴：「酒吧不只是喝酒的地方，也可以是回家前放鬆的角落，是心靈的棲息地。願每個人都能找到屬於自己的‘存酒地’，存放回憶，也收獲溫暖。

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宣萱   ︳封面專訪   ︳ Drama from Within 心中有戲︳

多得歲月沉澱，宣萱以《誰殺了她》中飽受命運捶打的邵若雲一角，拿下新加坡《紅星大獎 2025》「最佳女主角」，成為首位獲此殊榮的外地演員。宣萱說，拍戲從不為獎項，只為對角色無憾。這份榮譽，是多年來演藝生涯的厚積薄發，更是她堅守演員初心的最佳回饋。 從警匪片中的獨立女性，到烏家堡裡的千金小姐，再到悲情戲內的絕望母親，宣萱的演藝足跡遍佈各地，烙印在無數鮮活立體的角色之中：二千年初《尋秦記》，她是亂世中的女俠烏廷芳；後來跨洋演繹《誰殺了她》，又化身深陷喪女之痛的邵若雲；直到近期台慶劇《巨塔之后》，她成為了溫柔堅韌的董一妍，與劇中強敵爭奪家產，同時展現專職醫療的專業，演活真正女強人風範。更令人期待的是，宣萱將再度攜手經典IP，回歸《尋秦記》電影續集，譜寫觀眾心中期盼而久的時空之旅。 回望多年演藝征途，宣萱難得在採訪中坦露背後的堅持與熱愛——她享受與角色對話的每一刻，致使除了演戲，再無其他事能讓她如此傾心。好好演戲，只因她歷年來始終深愛這份工作，珍惜每一個角色；也在歲月長河中，沉澱出香港演員獨有的通透與光芒。 text • Leon Leephoto • Ken Leungstyling • Sum Chanstyling assistant • Samhair • Keith Womakeup • Wi11 Wong @Wi11wongofficialjewellery • ASHOKA Diamond、D.FL Perfect Natural Diamond、The Leo Diamond 獲獎只是意外風景 談起那座來自新加坡的獎盃，宣萱的指尖輕輕一頓，像是想起領獎當晚的燈光。「真的沒想過我會拿到它。」她邊回憶邊笑，嘴角彎成溫柔的弧度，「其實我從來不是為了獎項去拍戲的。你想啊，要是為了拿獎，那拍戲就成了沉重的任務，多累。」在她心裡，獎項更像是偶然遇見的繁花，「對我來說是一種bonus，是額外驚喜，但不是我從演的目的。」直到領獎後聽別人提及，她才知曉獎項是首次頒予給「外人」，沒有「衝出香港」的豪言，宣萱只悄悄將榮耀與「香港演員」身份緊緊連繫於一起：「這是我事業裡值得銘記的事，我很驕傲自己是香港人，也很慶幸能用作品，讓別人看到香港演員的樣子。」 回顧1999年，宣萱奪得TVB「最佳女主角獎」的瞬間，身上還帶著新人的生澀與忐忑。「這個獎是我演藝生涯的第一個肯定，《刑事偵緝檔案 IV》裡武俏君的個性通透獨立，我至今都很喜歡。」她憶起當時手不住發抖的模樣，「原來我傾注心力的演出，真的會被觀眾記在心上，是一份屬於演員的精神力量。」兩座獎盃，相隔二十年時光，在宣萱心裡各有重量，卻同樣彌足珍貴。「就算一輩子只擁有這兩個獎，我也覺得足夠了。因為每場戲的傾力投入、每一次與角色對話，都比獎盃更讓我難忘。我拍戲不是為了讓別人認可，而是為了讓自己無憾 —— 你對角色用了心，角色就會用它的方式回饋你。最重要的是在工作中找到樂趣，積累全新體驗。」 宣萱直言：「以前總是接到警匪片，不然就是演女朋友演老婆，這些角色我真的做到膩了。」當觀眾對演員的表演印象固定時，就必須主動求變，「如果我是觀眾，看到一個演員離開兩三年再回來，還是重複舊時戲路，只會覺得可看可不看，毫無新鮮感。」但談到「邵若雲」這個背負「母親的痛」的角色，她坦言最初滿是猶疑：「一聽到故事設定，就覺得『糟了，我真的能做到嗎？』她要面對家庭關係的崩壞，女兒慘遭殺害後，與丈夫的感情又出現裂痕，充斥著無數歇斯底里的崩潰場面。」 與角色共赴深淵 為了守住角色狀態，拍攝期間宣萱幾乎與外界隔絕：休息時從不外出，獨自留守酒店不讓自己抽離；長期浸潤在抑鬱情緒中，輾轉難眠到需要依賴安眠藥；三個月裡僅與劇組共進過一頓飯，只為最大限度減少外界的干擾。「以前拍內地劇也有類似體驗，一場戲拍一整天，結束後回到酒店，完全走不出那種情緒，睡不著也開心不起來。」而《誰殺了她》幾乎全程都是負面情緒戲，僅有三四場能稍作放鬆，「但我知道不能中途抽離，一旦走出來，角色的節奏就徹底斷了。」 所幸經理人Ronnie昔日的一句鼓勵，給了宣萱邁出第一步的勇氣。「早年他鼓勵我出演舞台劇《大辭職日》，我考慮了很久，他卻說一場戲和二十七場戲本質上沒有區別，覺得我一定能做到，而我知道他是認真分析過才放話。」這份肯定讓她決定推自己一把，「那時候我才仔細想，為甚麼要先否定呢？或許這次機會，就是來讓我走出舒適圈，接觸更多『未知』。所以當他推薦我接《誰殺了她》時，這次我很爽快答應了。」 從電視劇到電影，再到舞台劇，宣萱坦言不同戲種各有難度與挑戰。「電視劇拍攝節奏快，有時還會遇到『飛紙仔』的情況，需要自行銜接前後劇情，彌補劇情的不連貫，特別考驗即時反應；電影拍攝時間雖短，每一場戲都要精準命中情緒，不能有半點差錯，頗有舞台劇的嚴苛感；而舞台劇卻是另一種體驗，排練時可能花幾天時間打磨一場戲，不滿意就全部推翻重來，對演員的基本功要求極高。」 於戲裡過活日常 宣萱重提初次參與排練的震撼：「他們的台詞功底、現場掌控力都太出色了，可他們反倒佩服我記台詞的速度。原來每個領域，都有值得互相學習的地方。」她續指，「以前覺得在演藝圈待了二十年也算很有經驗，直到和舞台劇演員合作，才發現還有這麼多不足。」她也帶著更深的體會回到螢幕前：「我從拍戲開始就很留意戲劇中的『生活化』。不論演甚麼身份，都會先替角色過一遍生活。這些細節觀眾或許不會特別留意，但直覺會覺得『這個人是真的』。」 譬如拍《巨塔》時，她執意要在醫生袍裡放上手機、耳機，還有一張折疊的筆記紙，就像現實中的醫生，隨時要接聽電話、記錄病人囑咐。「你不能只演『醫生』的樣子，要演出『醫生的日常』。」她一邊說，一邊比劃拿筆記本的姿勢，「進入拍攝環境後，我會先確定手袋放哪裡、鑰匙擺在哪裡，甚至穿脫白袍的順序，這些習慣要保持一致，因為一個人的生活狀態是固定的。」她憶述自己曾在影院內，因女主角過於精緻的妝容而出戲 ，「那個角色明明很窮，但眼線、睫毛液一應俱全，視覺上的違和讓我完全代入不了，這點也一直提醒自己要避免的。演戲，終究是要讓觀眾相信這個故事、相信你演的角色。」 尤其「董醫生」的塑造，難度不僅在於情緒的壓抑，更在於要在狹窄的表達空間裡，讓觀眾感受到角色的內心波動。「這套劇不像《溏心風暴》，一班女人在明爭暗鬥分家產。她平日是一名醫生，面對病人不會有誇張的喜怒哀樂，所有情緒都收得很緊，但又要讓觀眾捕捉到她的開心、傷心和執念，更加不能在小細節上馬虎。」這份努力最終換來了回報，不少觀眾留言稱讚「真的覺得你就是個醫生」，就連宣萱去做身體檢查時，醫生都笑著打趣「董醫生來了」，讓她深感所有付出都值得。 順歲月之通透 聊起演藝圈三十多年來變遷，宣萱的眼神裡有對從前的懷念，更有對當下的坦然。她想起剛出道時拍攝《千歲情人》的日子，王菲、方中信、林保怡等前輩像哥哥姐姐一樣帶著她，「那時就算忘詞了，他們會悄悄遞個眼神，盡力幫我圓過去；也會提點我別緊張，演員都有忘詞的時候。」但如今行業早已不同，網絡世界成了演員的另一個「舞台」，年輕演員要應對的壓力，比從前多了太多。「有時我會和年輕演員聊天，聽他們說『怕自己拍不好，怕觀眾不喜歡』，心裡就會生出幾分心疼。」 宣萱想起自己年輕時，前輩們會毫無保留地分享經驗。「現在我也想做那樣的人 ，告訴他們『別怕問，不懂就說』，前輩走過的彎路，能讓他們少走一點，就夠了。」面對市場變化，她從不抗拒接觸「新東西」：以前不怎麼接觸社交媒體，現在學會拍攝短片；從前沒想過去演唱會做嘉賓，卻在朋友鼓勵下認真練起了歌。「年代變了，你不能總站在原地不動，不妨就與年輕人玩在一起。」她笑著說，「就像拍合資劇，以前覺得『要守住香港的戲』，後來才發現，合資劇能讓我們拍到更真實的醫院、更壯觀的場景，這些都是以前不敢想的。順應變化，不是丟掉初心，而是用新的方式，堅持自己喜歡的事。」 戲未落幕，熱愛不息 宣萱最令人動容的，莫過於她對人生的通透：這輩子從無「後悔」二字。有時深夜收工，坐在車裡，看著窗外路燈掠過，她會忽然問自己：「如果明天醒不來，這些年拍過的戲、遇見的人，有會讓我覺得遺憾嗎？」每次的答案都是「沒有」， 因為始終在做自己最喜歡的事。她帶著過來人的懇切叮囑：「二十出頭的年紀，別被『要儲錢』、『要穩定』這類想法綁住。你若痴迷演戲，就盡情去片場打磨；若鍾情唱歌，就放開嗓子去唱。到三、四十歲回頭看，才不會後悔『當年要是勇敢一點就好了』。」 […]

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DIGITAL WEEKLY COVER ︳ 曼谷時尚隨行  ︳昭拍耶河的風情圖鑑

昭拍耶河，是曼谷的靈魂脈絡，流淌著這座城最本真的風情 —— 古典廊柱浸著王室餘韻，市井煙火纏繞著河岸晚風。當晨霧輕拂河面，它載著歷史的厚重緩緩甦醒，與當代文化碰撞出驚艷不斷的邂逅。本次曼谷時尚隨行，不妨讓我們循河而行，探尋三個地標裡的獨特格調：The Siam 暹羅酒店、Loy River Song 奢航之旅與 Song Wat 嵩越老街。 text．Leon Leedirection．Nacchi Maphoto．Oiyan Chan The Siam 昭拍耶河的暹羅美夢，一座可居住的世外博物館 無可否認，都市度假的終極浪漫，是身在曼谷煙火氣中，心卻墜入到隱世祕境。在這座充滿活力、魅力四射的城市裡，唯有湄南河東岸一隅，喧囂的都市風光與靜謐河畔在此處交織，構成一處寧靜綠洲——The Siam（暹羅酒店），一間隱匿於叢林之中的酒店，能以細節訴說故事，讓旅客步步皆是不期而遇的心動。 有別於曼谷市中心櫛比鱗次的現代hotel，The Siam初見簡約利落，細品方知其風情萬千：坐擁法式殖民的慵懶質感、Art Deco的裝飾鋒芒，卻夾帶中式古韻的沈靜底蘊，與熱帶庭園的愜意鬆弛；房間黑白主調碰撞摩登復古，反差間又透著渾然天成的雅緻。經了解後才知道，這家酒店打從2012年開張至今就深受討論，不管是設計師兼建築師Bill Bensley的奢華設計，還是悠然的度假體驗都是備受矚目的重點。 與The Siam初遇，最嘆為觀止的莫過於處處皆是精緻雕塑、藤蔓環繞的泳池、充滿禪意的庭院。它們無一例外，相當適配Bensley一貫的設計巧思：採用當地常見物料，如茅草屋頂、高架屋、露天大堂及躺椅，並透過玻璃天花板讓大廳和走廊充滿陽光，營造出清新涼爽的空間。除了入內即見綠意蔓延的中庭，迴廊中擺放各式古董亦暗藏主人家品味；若從接待處旁一路走來，更會發現一間復古精品店，這裡沒有常見的商品，取而代之是琳瑯滿目的稀有收藏：真人大小的「E.T.」與星球大戰「尤達」雕像、漢代馬車、中國藥櫃以及復古貓王海報等，讓遊客沉浸於探索珍寶之中，流連忘返。 當然，許多人前往泰國是為了尋找自我，但身處暹羅酒店，這早已是理所當然的事：The Siam不只是休憩之所，亦設有賽車收藏區、24小時圖書館、放映室及畫廊，讓每位住客在奢華中觸摸多元熱愛；在餐飲與休閒體驗上，The Siam內的Chon Thai Restaurant由泰國名廚掌勺，不僅以其正宗的泰式料理聞名，餐廳還巧妙融合各種風味和口感，為食客帶來純正的泰式味蕾盛宴；Bathers’ Bar則以殖民時期的海濱俱樂部為靈感，供應西式簡餐與特色雞尾酒，午後在這裡點一份英式下午茶，搭配湄南河風光，無比寫意。 The Siam的水療中心 (Opium Spa)更是不容錯過。從套房出發，只需片刻即可抵達在曼谷聞所未聞、前所未見的真正養生世界。理療師均經過嚴格培訓，從草藥熱敷到精油按摩，每項都能讓人徹底放鬆身心。此外，酒店的健身設施配備齊全，擁有最先進的健身科技，並可根據需求提供私人教練服務；更率先開設了曼谷首個完善的豪華泰拳訓練館，將健身水平提升至全新高度，體驗真正的泰拳訓練。酒店也提供私人導覽服務，可安排訪客前往曼谷的隱密景點，如百年寺廟、本地市集等，讓旅程更具深度。 當你經歷過這場暹羅美夢，直到離開那天回頭望去，The Siam沒有那種浮華的張揚，卻像一位優雅的老友，在昭拍耶河靜靜訴說著曼谷慢時光。對於追求私密與質感的旅人而言，它不僅是一間酒店，更是一場揉合泰式人文、殖民歷史與自然風格的深度體驗，讓每位訪客在享受奢華同時，讀懂曼谷這座城市的多元與厚重。 Song Wat 漫步老城區嵩越路，走一趟百年老街文化巡禮 提及曼谷，多數人腦海浮現的是金碧輝煌的大皇宮、人潮湧動的暹羅廣場，或是霓虹閃爍的考山路。但真正懂曼谷的人，會繞過喧囂，鑽進老城區的街巷裡——譬如嵩越路（Song Wat）。這條與昭披耶河相鄰平行的老街，藏著當地最本真的模樣：百年騎樓斑駁如舊，老店木門吱呀作響，泰式香料與咖啡香味在空氣中纏繞，時間彷彿在這裡慢了半拍。若想用一天觸碰曼谷「老靈魂」，Song Wat便是絕佳的起始之地。 造訪嵩越路的最佳方式，是從湄南河的渡輪開始。由Saphan Taksin站換乘橙色渡輪至Tha Chang碼頭，步行五分鐘便見嵩越路入口。河濱步道靜謐，望著騎樓上的藤蔓輕搖，是老城獨有的鬆弛感覺。隨街道走下去，顯眼的橙色招牌「I WANNA BANGKOK」映入眼簾，據聞是兩位泰國設計師發起的創作計劃，旨在以嶄新方式推廣曼谷；一同撞入視野的，還有比利時塗鴉藝術家Roa在牆面上留下的巨幅畫作：充滿活力的兩頭巨象，像極了這條老街的性格——在脫俗中體現歲月靜好，又藏著不經意的現代生趣。 在抵達Song Wat中央路口前，腳步總會不自覺放慢，門楣上的中文招牌是華人移民留下的印記；沿途也能觀察到一個開放場地「MAHAPHO RIVERVIEW」，入口處滿佈各式各樣的舊海報與貼紙，悄悄訴說異鄉人落地生根的堅持。直至遇見泰國知名服裝品牌「DOUBLE GOOSE」，他們在松瓦倉庫巷兩側開設了一間概念店，鏡子、長梯、街頭塗鴉遍佈整個角落，形成一處兼具美感與趣味性的打卡空間；現場還同步提供T-Shirt印製服務，路過的話不妨留下專屬紀念，別讓這份回憶溜走。 從街頭創意氛圍中走出，不遠處一間低調店舖意外牽住人的目光，便是以咖啡與輕食聞名的「Terroir.BKK SONGWAT」。與老街常見的鮮艷色彩不同，這裡門面僅以白底黑字標註店名，店內則採用挑高設計，保留了騎樓原有的木樑結構，搭配淺色水泥牆與原木桌椅，營造出兼具質感與溫度的工業風格。坐在臨窗位置，隨著玻璃細看行色匆匆的路人走過，手裡提著店員推介的咖啡品項，恍若與老街氛圍有了同頻共振，連心跳都與它的節奏對齊。 […]

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「The Big Words Creator」專訪 ︳香港大文字界的「撞色玩家」！螢光橙撞黑白 中英混搭暖透城市人的情緒出口

在香港，中英夾雜的語境是刻在一代人身上的文化習慣，Pixel Arts出身的「當代大文字創作者」Franki，自去年開始「大文字」毛筆字藝術創作，選擇以螢光橙色刺破黑白的沉穩，用粗獷鋒利的筆觸為語，將港人的生活體悟與市井溫暖澆鑄進一幅幅「爆邊」字畫之中。 從去年新春偶然分享作品引發關注，到如今將「大文字創作」視為核心藝術表達，Franki不僅打破了傳統書法的邊界與表達桎梏，更讓筆墨間的文字，成為連結傳統與現代、中文與英文的獨特文化橋梁。近日，我們在他參與的「藝術不散場：JCCAC 冬季展覽 2025」上與他深談，試著從東西方結合的視覺對話中，讀懂「只屬於香港的文字美學」，一同走進這片充滿張力與溫度的大文字世界。 text • Leon Leephoto • Oiyan Chan 筆尖藏著最真的表達 談及與文字創作的淵源，Franki的表述格外率真：「我小學跟老師學過基礎寫法後，就沒再正經鑽研過。但從小就愛隨手寫寫，每逢新年必練幾筆，這個習慣一直維持到現在。 」於他而言，寫字就是很自然的情感表達 —— 用筆勾勒字的輪廓，寫得多了，便慢慢摸透了好看的結構；沒毛筆畫的時候，哪怕握著毛巾，也會模仿勾勒動作，久而久之便形成了獨屬於自己的手感。 而真正讓這份熱愛昇華為藝術創作的，是去年新年的特殊心境。 「那陣子身邊發生了不少事，心情格外低落，就想多寫一點發洩情緒。譬如展出的其中一幅作品，我寫了王菲〈曖昧〉中的一句，徘徊在似苦又甜之間，便很契合我的心境。」 一開始，這些作品只是送給朋友的禮物，直到在網上分享後，意外收穫了許多欣賞。「原本沒指望純粹抒發心情的東西，能被注意到，正是大家的喜愛，讓我有了一直做下去的動力。」 撞色、破界，寫透本土感覺 Franki的作品向來辨識度極高 —— 螢光橙、黑、白三種顏色搭在一起，撞出醒目和諧的視覺體驗；中英文混著寫，藏著濃濃的香港味道。這獨特風格的背後，是他對美學與本土文化的深刻思考。「我發現，街上貼的告示大多選用螢光橙色，但都是用硬筆寫的，不好看。我想善用這個天生吸睛的顏色，讓文字創作更有生命力。」 黑與白的搭配，則是為了實現視覺平衡，「這三種顏色是我目前覺得最強烈也最和諧的組合，哪怕寫奇特的字，也不會顯得雜亂無章。」 選字體的時候，Franki就愛粗獷、鋒利的風格，不願精雕細琢，更不願被規則束縛。 「我不喜歡被限制，『寫爆邊』就是一種感覺 —— 有時候明明轉彎的地方寫得挺流暢，我也會硬切下去，就是想讓畫紙『炸開』的那股力量傳達出去。」 這種不追求完美的率性，讓他的作品充滿了張力，每一道筆觸都承載著當下的情緒與衝勁，直抵人心。 中英夾雜的寫法，更是其作品靈魂所在。「香港向來都是英文教育與中文環境並存的，連說話都傾向中英夾雜，這是本土的文化習慣，我特別欣賞。」因此在確立作品風格時，用中文書法的技巧書寫英文，讓兩種文字互補，完整傳達含義。「有時候單靠中文表達不夠完整，必須結合英文才能說透。比如『七星拱照』，我會寫七個『星』字，配上『STARSSSSSS』的七個『S』；『五福臨門』就寫五個『福』，對應『BLESSSSSING』的巧思 —— 香港人一看就懂，很有共鳴。』 從日常擠出藝術空間 不過，Franki目前未有工作室，只能等家人熟睡後才能「開壇」創作，要不然四歲的孩子總想湊過來一起寫，讓他不得不爭分奪秒。這樣的創作節奏，反倒孕育出獨特的氛圍。「所以創作大多集中在晚上下班後，等小朋友熟睡了才敢動筆。其實開始寫不難，最麻煩的是收尾 —— 作品需要時間風乾。試過一次忘記關掉掃地機械人，它直接跑出來『打掃』，把畫上顏料拖得滿地都是，不僅毀了作品，場面還特別狼狽。偏偏那次寫的是『笑一個』，現在回想還是覺得很有趣。」他笑著說，自己創作從來沒甚麼固定規矩，幾乎全憑手感和心情，「要是當晚有精神、有感覺，就拿起筆寫；要是手感不對，寫了好幾張都不滿意，便會果斷停下來，改天再試。」 身為設計師，Franki在商業合作與藝術創作之間找到了舒適的平衡。「設計師的職責是替客戶解決問題，藝術家的核心則是表達自己的感受，這兩個身份我分得很清楚，反而能相互促進。」面對商業合作，他有自己的堅持：不願被過多限制，始終保留作品的核心特色。「有時候客戶會希望字體再清晰些，覺得英文遮蓋太多，但這其實是我的刻意設計 —— 就是想讓看作品的人多花點時間，琢磨中英搭配的深意。」 商藝共生的毛筆字藝 從與運動品牌 HOKA 的合作，到走進酒吧為外國客人現場在扇子上書寫，Franki 的商業創作嘗試越來越多，卻從未丟失藝術的溫度。「現場書寫一開始挺有壓力，有時候要一次性寫五六十張，但只要進入狀態，就完全顧不上周圍的聲音了。看到外國客人潑乾墨水時開心的樣子，我也覺得特別有意義。」對他而言，大文字創作不僅是賞心悅目的視覺作品，更是香港本土文化的鮮活詮釋。 「接下來我想嘗試更多語言，不只是中文和英文，看看其他語言與這種寫法能不能碰撞出新火花。還想創作更大幅、更有空間感的作品。」Franki 說，創作的核心永遠是真實表達情緒：「我寫的都是積極向上、鼓勵城市人的內容，希望每一個看見作品的人，都能接收到這份直抵人心的衝勁與溫暖 —— 這就足夠了。」

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像我這樣的愛情 ︳陳家樂、廖子妤專訪：《像我這樣的愛情》撕開世俗偏見 不是所有愛都耀眼，卻有殘缺裡長出的溫柔

提起愛情戲，也許先想到霸總與灰姑娘的錯位糾纏，或是校園裡青澀懵懂的雙向奔赴，這些熟悉套路，早已成了觀眾心中的 「安全區」。但一部港產片，卻偏偏離開這份安逸，把鏡頭對準了甚少觸碰的角落：殘障者的情慾需求、照顧者的隱秘傷口，以及兩個極端反差的靈魂如何在世俗眼光中靠近——它就是《像我這樣的愛情》。 當陳家樂遇上 「內心殘缺的健全人」阿健，當廖子妤（Fish）化身 「身體受限卻心靈明亮」 的阿妹，他們不僅要進入一段打破禁忌的情愛，更要走進角色生命裡，去感受腦性麻痺患者的肢體桎梏，去體會照顧者無人分擔的壓力，去碰觸那些被忽略的「普通人的渴望」。從兩人回憶拿到劇本時的驚喜與忐忑，到聊起拍攝親密鏡頭時的趣事與考量，閒談間也漸漸發現，這部戲正悄悄重塑他們對「愛」的認知。 text • Leon Leephoto • hoyin_photographyhair • Zap Tang（fish）、kenrick Siu（Carlos）make up •Sakura（fish）、Khaki yan（Carlos） 劇情簡介 《像我這樣的愛情》聚焦少數群體，以獨特愛情故事為載體，深刻探討社會議題。腦性麻痺患者阿妹（廖子妤 飾）性格跳脫樂觀，儘管身體受限，仍執著追求獨立生活，與朋友往來、埋首繪畫、嘗試踩板，不向命運妥協。過度保護她的母親，卻計劃安排她接受子宮切除手術，這一決定讓阿妹的身體自主與生活節奏備受衝擊。 在朋友推薦下，阿妹接觸到一個為殘疾人士提供性服務的組織，並結識了熱心義工阿健（陳家樂 飾）。相處中，兩人逐漸萌生微妙情愫，在相互陪伴中彼此療癒，共同面對道德質疑、身體限制與社會接納的多重掙扎。影片以真摯愛情為核心，大膽探索身障者的性權益，譜寫出一段跨越身體邊界與倫理爭議的動人關係。 我們這樣，是愛嗎？ 最初拿到劇本，家樂與Fish的第一反應，是被故事的「獨特」擊中。 「我覺得導演很刻意寫了兩個極端的人，去看他們怎樣發展。」 家樂回憶道，他飾演四肢健全的阿健，內心卻佈滿缺陷，像一具失去靈魂的空殼；而Fish飾演的阿妹，雖因腦性麻痺身體行動不便，內心卻盛滿希望與純粹。這種反差讓他無比好奇：「在愛情片裡，這樣的兩個人要如何相遇、如何發展？這本身就足夠有吸引力。」 對Fish而言，這種吸引力更為本土電影添了一份 「難得」。「香港很少愛情片會碰到殘障者情慾這個題材，據我所知從來沒有過，但其實我一直都很感興趣，甚至想過自己寫。」她坦言，自己早年就關注台灣 「手天使」 義工團的報道，那些關於殘障者情慾需求的故事，曾被她默默存進文件夾，卻未想過有一天能透過角色具象化。雖然只有半個多月準備時間，但為了貼近阿妹的狀態，她特意約見了不同程度的腦性麻痺朋友，從生活細節聊到私密的情慾需求：「他們會告訴我，坐輪椅去餐廳有多難，自己解決需求時會遇到什麼困境，這些真實的細節，都成了我揣摩角色的基石。 」 為了讓角色更立體，兩人還與導演反覆打磨真實性。譬如Fish是右撇子，卻主動要求讓阿妹的右手「作廢」，所有動作都用非慣用手完成：「畫畫、控制輪椅、跟別人親熱，甚至吃飯，都得用左手。」她笑說，就連說話的模糊度都要精準把控，不能清晰得像正常人，卻又不能讓觀眾聽不清台詞，箇中平衡調整了很久。而家樂則沉浸在角色的「內心廢墟」中，他觀察過許多照顧者的狀態：「他們要裝作堅強，怕讓被照顧者難受，久而久之亦會憋出精神問題。尤其阿健在戲內不是徹頭徹尾的『廢人』，而是一般人遇著打擊，變成行屍走肉的軌跡，這點比單純演肢體動作要難得多。」 愛無關身體，只關真心 拍攝過程裡，有驚險也有溫暖的細碎瞬間。家樂對一場大尺度親密戲印象尤其深刻，是他入行以來的最大突破。「露股了。沒有試過在鏡頭前裸露這麼多，只用很小的布遮擋，靠雙面膠固定，貼在身上很不舒服，但相比肉體的赤裸，要披露心靈其實更加困難。」據他憶述，導演希望其徹徹底底「撕開」自己，把最真實的情緒掏出來，再注入到角色。「就像把我的靈魂拆成一塊一塊，這個過程很痛，但也很過癮。我本來認為自己跟阿健是截然不同的人，但試鏡前眼睛出了問題，眼珠佈滿血絲，也因藥物副作用變得浮腫，令我對『低潮期的人』有了更深層體會。」 而Fish最難忘的，則是一場輪椅「暴衝」戲碼 —— 攝影機在車上來回跟拍，工作人員不能靠近入鏡，因此她必須獨自操控輪椅往前衝，卻沒料到路面突然凸起，「輪椅差點翻了，前面還有路人，我已經忍到最後一刻，但真的快要倒下，只好『出戲』伸出雙腳穩住輪椅；還有一場飛鵝山滾下山的戲，需要我們躺在山上談情，那種現實裡不會有的浪漫，反而成了難忘又過癮的回憶，可惜那段被剪掉了。」 演愛情是信任遊戲 這份 「過癮」 背後，是兩人之間無條件的信任。Fish分享，演戲就像一場「信任遊戲」，如果對手不願意接住你，就會像懸空了一樣慌張。「之前遇過會『借視線』的對手，會忍不住懷疑自己是不是哪裡做得不好，但家樂不會。無論是戲裡的情感爆發，還是戲外的細節溝通，總能精準捕捉我的情緒，哪怕是很細微的變化，他都能接得住。」 家樂笑著回應：「無論如何，我都會接住她。」在他看來，阿健與阿妹的愛情本就附帶著一種脆弱感，如果私下兩人不願溝通，戲裡情感又怎麼可能真？廖子妤也補充：「戲內戲外都培養出信任的話，不用怕演得不好，不用怕情緒出界，因為知道有人會兜底。我認為對於『阿妹』放開自己，體驗一般人的甜酸苦辣也有幫助。」 我們不止是愛情 演完這部戲，兩人的愛情觀也走向了兩種不同的思考方向：家樂更加篤定 「愛情無關世俗眼光」。「阿健和阿妹的愛情被很多人視為禁忌，甚至被曲解成『強姦』。我認為世俗習慣批判不對等的關係，可真正的愛，從來都是兩個人的事，只要彼此契合，就不該被外界的聲音幹擾。我很慶幸自己結婚了，並在電影中展現了我所理解的勇敢。」 Fish卻從阿妹身上發現了一份「謹慎的責任」。「阿健作為照顧者，肩上的擔子太重了。如果沒有十足把握一直承擔責任，沒有信心應對未來變數……貿然開始，反而會給阿妹帶來更大的傷害。」她輕聲說著，也許愛情裡的「不開始」，有時也是一種溫柔的負責：「愛不只是心動，還要考慮能不能給對方長久的安穩。 」 電影最珍貴的地方，或許不在於講述了一段禁忌之戀，而在於它用最克制的筆觸，剝離了「殘障者」、「照顧者」的標籤，讓觀眾看見兩個鮮活、真實的人 —— 他們會痛苦、會渴望、會心動，也會在愛裡掙扎與成長。家樂希望，觀眾走出戲院後，能多一份對 「不同」 的包容：「戲內沒有深入探討這個議題，我覺得是好事，電影能夠引起大家討論，社會正正需要這些關注的聲音。」Fish則期待，這部戲能成為一個「窗口」：「他們不需要被過度同情，只需要被平等對待，像對待每個普通人一樣，看見他們的光芒，也接納他們的脆弱。」

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Digital Cover ︳Jer 柳應廷 BREATHE THE PRESENT 呼吸釋負

當耳機淌出〈不要說出來〉的第一道旋律，伴著刻意留存、帶著情緒溫度的呼吸聲，熟悉柳應廷（Jer）的聽眾該會瞬間捕捉到一種微妙轉變——那個曾用爆發張力撕開情緒邊界、用跨時空敘事勾勒深邃意境的他，正把音樂「鏡頭」拉近，對準每個人藏不住的細碎心事：是愛情裡欲言又止的糾結，是成長中難以言喻的內耗，是藏在 「不說」 裡的千言萬語。 也許「不要說出來」並非怯懦的閉口，亦非無謂隱瞞，而是一種審時度勢的智慧，一種守住分寸的修養。世間許多事，唯有藏於心、斂於口，方能護人護己，成就圓滿。來到2025年末，Jer正準備以一張全新專輯，一場名為《The Shape of Breathing》的演唱會，完成對自我情緒的馴服、從「宏大敘事」到「情感共鳴」的音樂轉身。 text．Leon Leedirection and styling．Nacchi Maphotography．Max Chan Wangphotography assistant．Sammy Lomakeup．Cheng Li Lihair．Man Chan @ CHIC Private I Salonlocation scouting．Kelly Maddie Luk Yuen Yingwatch．Franck Mullerwardrobe．Burberry, Dunhill and Emporio Armanivenue．Galaxy Macau 這次以呼吸為韻 在香港生活的人都愛說，這城市的節奏總讓人忘了停下 —— 或許藏著工作內耗的疲憊，揣著愛情裡未癒的傷口，然後積累積累，時間久到忘了怎麼輕盈呼吸。而Jer即將舉行的演唱會《The Shape of Breathing》，正是替累了的你準備的 「情緒出口」。「人生在不同階段，往往有不同的情緒體驗。我認為每一種情緒都有其獨特的形態，所以在面對傷痛的時刻務必記得保持呼吸的節奏。希望這次個唱可以帶走大家所有不愉快心情。」 他毫不諱言說，這次《The Shape of Breathing》是其音樂理念的「集大成者」，主題源於他對成長傷痛的觀察：「三十多歲的我們，會遇到工作轉變帶來的壓力，會有植根於愛情長跑裡的隱患，這些東西留在心裡久了，就會變成負擔。」而他想做的，是讓演唱會成為一場 「療癒的展覽」，沒有炫技的喧囂，只有貼近心跳的旋律。「希望大家進來後能跟著我一起深呼吸，有時候最簡單地『唞啖氣』，就能釋放負面情緒。」 在Jer的設想中，今次個唱早已有全盤想法，從Rundown、video wall、燈光到擺位，他都參與了好多。「今年我有很多任務，因為發現去年沒有一些很貼地的作品，加上過三十關口後，人愈大愈想起以前的事，身邊的家庭、朋友、愛情，會思考自己想成為怎樣的人。」他還透露，新專輯會在演唱會前推出，「專輯裡的歌都會在演唱會上唱，希望大家能聽熟悉一起唱；也希望能把這場騷帶到其他國家巡演，讓更多開不了口的人，聽到呼吸的力量。」 再狂也有空白處 從2020年首支單曲〈水刑物語〉開始，Jer的音樂始終帶著一種鮮明的印記，既包含豐富的情感張力，更重視演繹難度的突破。他坦言自己作品就像「時間廊」一樣，每首歌都映照某個階段的自己。「譬如回頭看〈砂之器〉，會想起當時對『前世今生』的好奇；聽〈狂人日記〉，又會記得那陣時想表達的『內斂憤怒』。」對Jer來說，創作更像是「寫日記」，把當下的情緒、遇到的問題記錄下來 ——「這是我的私心，也是一種自我對話的方式。」 這種「對話」，也讓他總是能敏銳地發現內心缺口。「我算是很了解自己的人，常常會和自己聊天，知道哪裡有『空著的地方』。 」但Jer並不認為這些缺口都是壓力，反而滿腦子想著的都是「有缺口就代表可以修補」。做音樂，就是他勤力修補的方式。「每當錄完歌，我都會先發給作曲人聽聽看，然後吳林峰反應又給滿了情緒價值，總是說很放心交給我。哈哈，這種默契，讓我更敢於面對自己的缺口。 […]

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邱鋒澤 ︳封面專訪 ︳從《Ten Storeys》到《Lines》，十年追音抓牢音樂本真

從新加坡進發台灣，從主持人、「五堅情」隊長到獨立音樂創作者的多重身份 —— 出道不下10年的邱鋒澤（Feng Ze），身上始終帶著「不被定義」的韌性，卻也在無數標籤定義下，經歷過一場漫長的音樂探索。由首張個人專輯《Ten Storeys》開始，至今累積的個人專輯多達六張，直到全新大碟《Lines》落成，他終於能夠篤定說出，自己包含音樂風格、聲音特色都做了全新出發，在新鮮與初心間尋找平衡線。「在人生馬拉松的跑道上繞過許多舒適圈，兜兜轉轉，最想抓住的還是音樂的初心，以歌曲鼓勵各位走出一條屬於自己的『Lines』。」 text • Leon Leephoto • Ken Leungstyling • Sum Chanstyling assistant – Samhair • HparkCubexciao Lingo @lingooo_0makeup • Wei @vangelalocation • Soho House Hong Kongwatch • Vacheron Constantinwardrobe • Dolce & Gabbana (printed shirt and trousers)Auralee (beige jacket and trousers)Piacenza 1733 (beige sweater) both from Mr.PorterLoro Piana (striped shirt and green sweater)Montblanc […]

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伊藤潤二恐怖體驗展2  ︳ 專訪日本恐怖大師伊藤潤二：所有恐怖都有美麗一面，因為它完全無法知曉與看清

讀伊藤潤二的漫畫，從來都是一場在日常裂縫中遭遇恐怖的驚心旅程 ——《富江》的詭譎增殖、《人頭氣球》的窒息追獵，每一頁都藏著讓人脊背發涼的驚悚，難怪會讓人不禁揣測：這位能從生活中榨取絕望的創作者，該有著何等乖戾孤僻的靈魂。  然而現實卻與想象判若雲泥，伊藤老師出席見面會時說話輕聲細語，甚至會彎下腰來拉近與傳媒間的距離，像位溫和的鄰家兄長細說著見聞，全心不見所傳目光。這位從齒模技師轉型的漫畫大師，早已用畫筆將陰鬱化作故事，反而養成了溫潤性情。 近日，伊藤潤二再度抵港宣傳《伊藤潤二恐怖美學體驗大展 2》—— 這場展覽不僅沉浸式還原老師筆下經典場面，更陳列各式立體裝置與動畫原稿，讓觀眾直面「恐怖」。藉著這場黑暗美學盛宴的契機，伊藤老師敞開心扉談起了那些詭譎靈感的源頭，以及他對「恐怖本質是人自身」的深層思索。 Text：Leon Lee Photo：Oiyan Chan 你在成為全職漫畫家之前，有一段時間當了齒模技師，那份工作對你日後畫漫畫有甚麼影響嗎？ 齒模技師的工作對我日後的漫畫家工作事實上沒有太大關連，我想到它唯一帶給我的好處，是我當時花了很長時間用手製作立體的東西，培養出一些技巧，到後來轉行畫漫畫，我可以利用過往的技術在林林種種的畫筆上，做一些細節的改裝。例如把它們打磨到一個最適合我的抓度，令它們更好用更省力，而且是獨有的。我在台北展覽時有一段訪問，就是展示家中各式各樣由我親自改裝的筆，回想齒模技師的工作的確在這方面對我有重要的影響。 你的漫畫題材如此獨特，創作靈感來自哪裡？ 其實也是一般的在生活之中對周遭的觀察，無論見到的東西，聽到的東西、四處步行時各式各樣出現在眼前的東西，都會成為我的創作靈感，甚至在家做家務時，也會引發一些思考。以《富江》為例，靈感是來自在生活中經常看得見的蜥蝪，大家都知道如果你切掉牠的尾巴它會再次長出來吧，我就是這樣想像富江這個角色出來。 你對恐怖的定義？能分享一下恐怖美學的創作方法嗎？ 我認為，恐怖來自那些完全無法知曉、無法看清本質的事物 —— 它們會讓人感受到死亡的氣息，而當這些連本質都無法理解的事物逐漸靠近自己時，內心的不安就會轉化為恐怖，我覺得大概是這樣一個過程。例如在畫面構圖，或是繪畫時的角度選擇上，我會嘗試在大家對普通畫作的認知基礎上，融入恐怖元素，我採用的是這樣的創作方式。 你認為恐怖漫畫作者有甚麼獨特的性格特質和思維模式？ 最起碼要喜歡恐怖漫畫，這是一定的。而且他對生活環境的觀察不可以太直接，所有事物要從切面看、從裡面看、從各個角度看。不會一看到瓶子就會想這是個瓶子，而是想到裡面裝甚麼之類，擁有與別不同的觀眾方式與角度。我也覺得自己在很多事情的思考模式是有點扭曲，想法是比較奇怪一點。 你從小時候便已有這樣與眾不同的觀察和思考模式吧？一般小孩子畫的都是太陽、家庭這些光明的東西，你那時候喜歡畫甚麼呢？ 我在幼稚園的時候就已經很喜歡楳圖一雄老師的恐怖漫畫，自小深受影響，到我小學的時候已經不斷畫可怕的東西，鬼、幽靈之類，即使在美術課也如此，的確是從小就跟的小孩不一樣啊。 有沒有試過被自己的作品嚇到？ 其實我自己很少會覺得我畫的漫畫恐怖，不過在過去，有過一次稍微感到脊背發涼的經歷，那是我早期的一篇短篇作品，標題叫做《惡魔的理論》。那個故事是我創作的漫畫裡，比較早期的作品。裡面有一個內心如同惡魔般的人物，這個人物就處在身邊，而且這個人物是一位老師 —— 這位老師會勸說學生去自殺。其中有一個場景是，被老師說服的學生四處尋找自殺的地方，看到那個尋找自殺地點的場景時，我當時就稍微感到了一絲寒意。 在你眼中，有沒有一些適合新世代漫畫家「有效驚嚇觀眾」的思路可以分享？ 我覺得自己已經屬於老一輩了，所以其實也很想知道該用怎樣的方式去貼近新世代的觀眾。不過目前來說，我首先會秉持著想要創作的初心去做。有時候在動筆前會先有一個大致的構想，但真正開始畫漫畫、思考接下來的劇情發展時，偶爾會突然冒出一些靈感，覺得 「這個想法或許很新穎」—— 尤其是那些偶然出現的靈感，說不定能孕育出全新的東西。 你的創作生涯已近四十年。如今再看《富江》這個角色持續三十多年的影響力，你對「死亡與存在」的理解是否改變了？ 沒什麼特別的變化呢。小時候我是相信像 「白色世界」（指天國）這類事物的。我以前說過相信天國以及天地間的神明，但長大成人後，就開始不怎麼相信了，這種狀態一直持續到現在，所以我沒有什麼特別的變化。從那時候起，我的想法就沒怎麼改變。其實我也不知道天國到底存不存在，不過總覺得它可能不存在吧。畢竟我從來沒見過像是幽靈之類的東西，所以沒辦法憑空去相信這些，不過我也不會去斷定它們不存在 —— 我不會下定論。 你的作品常將日常事物轉化為恐怖符號，例如《漩渦》中從蝸牛殼到星空軌跡的螺旋意象。這種對日常生活的「恐怖轉化力」是否需要特殊的觀察習慣？ 是啊，我身為漫畫家，為了獲取靈感、找到創作思路，也會時時刻刻留意各種事物，就像豎起 「天線」 一樣去觀察周圍。不過，要說這種觀察…… 我也不知道它能不能直接幫我創作恐怖元素。所以我通常會先畫出一些有趣的漫畫內容，之後再加入一些 「恐怖調味料」。 你筆下角色常呈現「美麗與詭異」的矛盾體，如富江的清麗面容與扭曲人性。為何選擇以俊男美女作為恐怖敘事的載體？ 我之前連載漫畫的雜誌是少女向雜誌。既然是針對年輕少女讀者的漫畫，一般來說，少女漫畫裡出現俊朗男性角色是常規操作，我也是遵循這個慣例來創作的 —— 這樣更容易抓住讀者的心思，是有考量的。 「雙一」 系列帶有強烈的黑色幽默，與《富江》、《漩渦》的嚴肅恐怖風格差異明顯。塑造這個愛惡作劇的角色，是釋放創作壓力的一種方式嗎？ 確實有「減壓」這方面的原因。我平常畫的漫畫，主題大多比較沉重，像是有人死亡、被鬼怪吞噬之類的嚴肅內容，這類作品還挺多的。所以偶爾會想創作一個 「能撐到最後」、帶有較強搞笑元素的系列，我覺得這確實是一種釋放壓力的方式。 你有沒有想嘗試的新題材或新方式呢？在創作上目前有什麼計劃或構思嗎？ 雖然還不確定具體時間，但計劃從明年開始連載一部新作品，是一個基於《白鯨記》的鯨魚怪物復仇故事。將會在明年開始連載。不過，原本計劃是明年6月推出，但現在創作進度有點趕不上，所以時間正在往後延期，目前還沒有確定具體的日期，所以有點擔心。至於我想嘗試的新挑戰並不是漫畫，而是想創作單幅畫作。雖然現在說可能還太早，但還是希望能畫出這樣的作品。 你最喜歡跟最討厭的角色分別是甚麼？ 嗯，其實我對筆下的每個角色都有感情，但果然還是最喜歡出道作《富江》裡的川上富江呢。畢竟那是我的第一部作品，有許多難忘的回憶。至於最可怕的角色則是《時裝模特兒》淵小姐。 你最想與之見面和對話的角色是甚麼？ 我筆下的角色，大多都融入了不少我自己的性格元素，所以我不太想見到「另一個自己」，因此大部分角色都沒有想見面的想法。不過，我大致上比較喜歡那些個性有點扭曲的角色，他們身上有種和我年輕時有點像的、如夢似幻的感覺。如果要說一個比較 […]

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Digital Cover | Jeffrey Ngai魏浚笙專訪：赴自愛之約 守著清醒不催長大

今年再見Jeffrey，只覺其身上帶著幾分從片場卸下的俐落，卻又在談論工作時滿眼底發光。 對他來說，2025是被電影與音樂填滿的 「充實年」—— 不僅在銀幕上挑戰多元角色，發掘自我未知的情緒邊界，還在音樂領域持續輸出作品，甚至嘗試作曲解鎖新技能。「從去年忙到現在，我都沒怎麼停下來過，但卻總能在忙碌中找到支撐自己的支點。」 當「充實」延伸至生活的每個切面，有些事，現在的魏浚笙才察覺，即使對工作充滿熱愛，也要懂得保留自我；只有把自己活好，才能在生活裡走穩。既然日常大多數重要事情都與愛有關，不妨用整整一年張弛有度的自律，來重新定義承載情感、踏實做事的方式，在電影裡琢磨每一個鏡頭的細節，在音樂裡鑽研每句歌詞的情緒，把對行業、對家人、對粉絲的在意，都落進具體的小事中。 Text ．Leon LeePhotography． Matt HuiPhotography assistant ．Tommy Ng and Tai YeungStyling ．Sum ChanStyling assistant ．SamHair．HolamMake up．Blair ChanWardrobe ．FERRAGAMO (shirt, sweater, leather jacket and trousers) / VERSACE (long coat, trousers and tie)Jewelry ．Cartier 與身體和解 和Jeffrey聊天，沒什麼弄虛作假的話。他不會把 「堅守夢想」 掛在嘴邊，聊起今年的忙碌，只會說 「做喜歡的事就還行」；說起遇到的難，也不繞彎，「拍動作戲受傷、錄歌錄到麻木都有過，但總不能停」。不單只沒有停，Jeffrey可謂完全沒有閒著，電影和音樂事業兩頭跑。尤其電影，更是近年繞不開的重心，「有的角色要逼自己到情緒臨界點，累是累，但演完發現原來我還能做到這種程度，很驚喜。」 正如籌備將近兩年、涉及大量武士刀動作戲的新作《殺手#4》。為了詮釋好角色，Jeffrey經歷了橫跨香港與日本的系統化訓練，也在鏡頭語言的打磨中，沉澱出對 「演員」 二字的更深理解。「一開始拍戲總覺得急，現場因素多，動作、台詞都想趕緊過關。」他坦言，早期演藝生涯裡也曾陷入「表面完成」的誤區，後來拍多了才明白：「鏡頭是給你的，但能不能抓住，靠的是自己的功力。」這種領悟體現在細節裡 ——他會琢磨廣角鏡頭與近鏡的差異：廣角時若動作太淡會顯無聊，近鏡時若情緒過滿又會誇張，「唯有想清楚角色的邏輯，做出的反應才夠清晰」。 在他看來，「興趣主導」是需要用現實代價去支撐的選擇，就如這段拍攝日子中，Jeffrey在日本每天只睡兩三個小時，醒來就投入拍攝，沒有活動邀約的干擾，整個人完全 「浸在電影裡」。即便身體疲憊，他卻甘之如飴：「那種專注的感覺很珍貴，你不用想別的，只需要把角色的每一面挖出來，這是我最享受的時刻。」那時候的他，把「不怕痛」 當成「敬業」 的證明：「以前拍動作戲，我總說『不用護具，我可以的』，到後來真的受傷了，才懂確認保護措施的重要，是對自己和作品負責。」他解釋，「如果我受傷了，劇組要停拍，搭檔要重拍，最後影響的是整部戲的質量—— 現在的慢，是為了以後能走得更遠。」 論華衣背後 音樂也是今年的重要關鍵字。截至訪談時，Jeffrey已推出二首作品，接下來還有兩首新歌在籌備中，更悄悄開啟了作曲計劃：「想試試明年能不能做出一兩首自己的作品，現在還在學習階段，不算完整，但慢慢接觸新東西，人生會更充實，目標也會更明確。」他坦言，唱歌最可怕的，是唱到第一百次時，突然覺得「這首歌好陌生」。「明明每個音都唱對了，但就是沒有感情，感覺很敷衍。所以我每次都把歌詞當成新的故事，給自己創造畫面，觀眾才能感受到裡面的情感；我認為要傳達故事，要讓自己先被打動。」 他指今年有一首歌格外特別，〈白色踢死兔〉歌詞罕見地沒有傳遞正能量，反而坦誠了每個人都有心情不好的時候，積極探索人們在華衣背後的黑暗面。「很多人覺得藝人要一直光鮮亮麗，要傳遞開心情緒，但承認負面情緒也很重要。」Jeffrey認真說：「大家生活都有壓力，我認為藝人不一定要強制輸出『必須快樂』的觀點。這首歌最後也沒有給出標準答案，只是想說你不是一個人低落，希望能幫大家找到一份平靜。」 如今做音樂，Jeffrey […]

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