Author: yui

《左揭右揭》專訪黎達達榮：三十周年是一個比較人性化、比較好玩的時機

黎達達榮笑言自己是水瓶座，天生就是古靈精怪的外星人，行事並沒有套路，左右右右右左移動。也不知是不是受益於星座，他的創作也帶著這種實驗特質，往往不按常理出牌，甚至試過因為稿件過於非主流而被雜誌退稿。「我覺得三十周年是一個比較人性化、比較好玩的時機。」適逢迎來創作三十大壽，他決意將各種古靈精怪的稿件，結集成短篇集《左揭右揭》，內容向左走向右走，各有一半分別往左往右移動觀看，非常好玩。「這一類的作品會多一點，因為很難再有機會請出版社幫我去出一本這麼非主流的畫集。」 text yuiphoto OiyanChan 左來右去 按照原定計劃，黎達達榮本來會出版《十八樓燒肉》系列、一部描述地獄的續作。但畫到漫畫最後章節，卻發生了宏福苑的悲劇。由於他實在不願在現實世界的煉獄中，推出一本關於煉獄作品，因此一番左思右想下，他決定暫緩計劃。想起今年是自己入行第三十年，因此希望效法流行歌手推出「精選專輯」，挑選一些自己喜歡的作品結合成短篇集。「我之前在社交平台上不時把一些沒出版、沒發表的舊稿掃描，並發在『聽聽屍體怎麼說』系列裡。這名字是借用一本我童年時愛看的同名日本推理小說，故事講一個探員去兇案現場，看著屍體推斷出這個人的一生。」整理海量「屍體」的過程中，黎達達榮發現自己有許多從未出版的稿件，一些是只畫了一半的，一些是當時被雜誌退稿的，也有一些是在香港以外的刊物出版的短篇。 「我整理時按年份排序，發現足足有六百多頁，後來篩選到三百多頁，就變成這本合集。」他笑言，原先打算沿用「聽聽屍體怎麼說」作為合集的書名，思前想後又覺得不好；他又想過取名「左想右想」或者「左度右度」，因為自己做事常常三心兩意，但最後覺得不夠直觀。左右為難下，他決定用《左揭右揭》命名：「因為很多舊作最初是幫雜誌畫的，有些要向左翻，有些要向右翻，很難放進同一本印刷品裡。我就想到，不如就用『左揭右揭』，直接講清楚這本書是從不同方向、不同雜誌掙扎出來的稿。我不是貶低自己的作品，只是說這些是當時在不同際遇底下，沒有機會在香港讀者面前見過的東西，而我自己也沒想到，這些『最後』的稿，其實是600多頁裡的選段。」 左鄰右里 600多頁裡的選段，沒有一套嚴格的選稿標準，但也不是完全隨心所欲。除了一些是為外國出版社創作的漫畫，大部份都與其他創作人有關。「我會先選完成度比較高的作品，然後再看裡面有沒有我覺得比較有感覺的作品。有一部是為劇場進念二十面體的榮念曾畫的延伸漫畫《錄鬼簿》，但當時畫完之後沒有用上，他後來辦展覽，甚至用白色顏料印在白色紙上，甚麼都看不到，是非常實驗性的做法，在香港沒有出版，讀者也沒見過，我就特別想把這些選進來。」又有一組作品名為《同門少女》，延續了另一位漫畫家利志達的作品。「我並不是幫他畫，而是借了他原本的版面與角色，保留他原本的構圖，但我把那些原本是裸女的角色，全部幫她們穿上衣服，頭髮造型也換了，更把利志達歷年作品裡的角色都放進去。漫畫中的場景是一個荒蕪的星球，我就把背景變成屋邨，把我們兩人都在屋邨長大的背景連結起來。」 而要數短篇集的主菜，一定是黎達達榮1997年的舊作《巴別巴別塔》，當年他只畫一半就沒有再畫下去。「當年我已經出了幾本書，但仍覺需要做些突破。那時我有一種奇怪的堅持：整本書必須是160頁，整本走一個統一的形式。但畫到九十多頁時我實在畫不下去，因此停工把那幾十頁稿收入床下底。」但三十年前的故事線，記憶早已失去，對話框該出現的對話全都留在過去。幸而一向有買電影DVD的他，想到一條「屎橋」：「以前的電影DVD放完正片都會有段bonus，是導演講述電影或者演員訪問。因此，我想到可以以這種「導演講述」的方式，去完成這部漫畫。我會一邊看著畫，一邊用旁白寫下『為甚麼我當年會這樣畫？』、『這一幕的影響是甚麼？』，這些對白其實不是角色的台詞，而是我自己對二十多年前作品的評論——因此讀者要同時追兩條線，一面聽我講一面看畫。」 黎達達榮說，畫漫畫三十年來，真正重要的收穫未必是版稅或銷量，而是這個身份為他打開了更多可能性。他可以參與展覽、結識其他創作者、接受訪問，這些都是無法以金錢衡量的回報。他又笑指，自己還畫下去最主要是時間很多用不完，實在令人出乎意料。「我現在上班賺的錢，其實是為了支撐我畫畫；工作與生活以外，我甚至還有很多時間用，那就畫吧。」他又古靈精怪地指：「而且，現在印刷成本便宜許多，技術又更加好，我覺得好抵，真的要印多幾本。」■

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JACE 陳凱詠｜封面專訪｜釋放本性不必心邪

今時今日，絕對是網絡時代。網絡上的JACE陳凱詠，不時被討論她是否偏鋒。她笑笑地回答，自己只是主流中少許偏鋒的人。「我這個人的言行都幾本地、貼地、主流吖！只不過，我喜歡的音樂、衣著等，剛好所有東西都偏了一點。」 偏鋒，意指做事冒險、不按常規行事，用奇特的方法達成目的。要冒險，也要有一定的膽量，從而展露自我的本性。 JACE說：「真正的大膽，應該有一份承擔和穩重，那才是一個成熟的大膽。」 偏鋒到新年期間上紅館開了兩場個唱，破天荒為紅館歷史上加設了企位區，同時承擔著很多不了解自己的人，甚或是haters的強烈反對，以及未知誰人所做的另類宣傳，JACE依然大膽地努力地做好自己，就像林夕為她所寫《百妖夜行的修行》歌詞一樣：釋放本性不必心邪。 text．Nic Wongdirection and styling．Nacchi Ma photography．Karlson Tsang makeup．Echo Wonghair．Kenki Lauphotographer assistant．Chris Lam stylist assistant．Sammy wardrobe．Emporio Armani 飄忽的我 自由得不羈 台上的JACE自信滿滿，台下也不時看她手舞足蹈，她說這是一個保護網。「我本身很敏感，情緒起伏很大，別說從事這個行業，我相信每個人成長，慢慢都學會有個保護網，我建立了一個保護機制，如果在表演舞台上、影視作品上，我感覺安全的話，我就會釋放讓它出來。」她有必要展示自己，明白自己是個敏感而情緒化的人，因此花了很長時間建立保護機制去保護自己。「在我做表演者的過程中，學會了一個治癒自己的方法，何時有保護機制，何時一夜間關掉，當我要表演、要創作時，我就關掉；我要日常生活處理時，我就開啟。」 面對網民不定期攻擊，再冷靜都難保有日會崩潰。JACE的處理方法是，先盡量客觀，亦會退後幾步去觀望。「我有開心的時候，也有不開心的時候，但我盡量都企後幾步，給自己一個保護網，當看到有人喜歡或不喜歡，我都想知道發生甚麼事。」保護網的出現，在於她不會完全不知道世界發生甚麼事。「完全閉起來，不回應也不太明智，但太習慣處於自己世界裡也不好，所以我學會了保持到一個距離，不會令情緒大起大落。就算這一刻有人讚，我會感謝和開心，但不會太過分。」 無止境的疲勞 無方針的藍圖 這次專訪來得及時，剛好是JACE開完紅館個唱後的一個多月，是時候回望一下這件大事。JACE直言，本身不知道紅館是一件甚麼事情。「這個世代很急促，很多事情還未消化得及。不是我目中無人，而是我的視野短淺，我看不明白很多事情，又沒有人跟我說明，不知道紅館是一個里程碑，我無暇去分析這件事。直到做完後才理解到，原來紅館是一件很大件事，牽涉台前幕後這麼多人，很神奇地很多人願意這麼努力花時間，我這個騷還要在農曆新年那段時間舉行，大家的新年都放進了這個節目，就是為了製造兩晚很濃縮的能量，彈來彈去的一個紅館騷，在一個一萬幾人的正方形場地中，聚集了所有觀眾、所有台前幕後的能量，就在一個這麼擠迫的空間裡彈來彈去，有很激烈的碰撞，真是一件很激烈和有趣的事。」 不少人關注JACE紅館個唱的入座率，她開騷前也承認門票滯銷，但拒絕只用數字定義成功與否。面對今次紅館的風波，JACE明言自己不是一個很精明的老闆，不擅長看數字，也不介意單一項目贏或輸，最重要是有否對未來發展有利。「我是一個很任性的老闆，只會想到這個品牌在這一刻做得好不好，如何能夠做得更好。至於之後做得是否夠長和夠遠，暫時不是我能夠管理的範圍。紅館的數字如何，我到現在還未確定，很多事情還在來回改動，所以我答不了你，但你問我覺得是賺還是蝕，總之我是賺了，因為我賺了經驗，賺了開心。」她苦笑道，今次至少學會了心臟強大及樂觀的重要。 JACE既是幕前歌手，也是幕後老闆，無論製作還是宣傳，她都是主導之一。「我承認自組公司後的宣傳，其實是很不足和混亂的。我一年出很多首歌，然後又出唱片，以創作者心態，我很貪心，我想做好這件事，但以老闆心態來說，就不應做那麼多，既浪費力氣，又浪費子彈，也累透了同事，現在回想起來是非常不明智。」花了很多錢，但重點太多，反而得不償失。「其實可能沒有人聽，不是大家喜不喜歡聽，而是根本接觸不到聽眾。記得我出唱片的時候，亦是宣傳演唱會的時候，團隊問我究竟現在想宣傳演唱會、唱片，還是新歌？我自己也不知道，覺得做了正常的宣傳就算，其他事情留給上天決定。」 活著就是玩嘢 聊起宣傳，對JACE可說是兩面刃，有人好喜歡，有人好反感。月前在街上出現不少關於JACE開騷的海報，上面寫著「JACE憑咩開紅館」、「JACE無後台注定滯銷」等字眼，有人深信是JACE團隊為自己的另類宣傳，她強烈否認，甚至不知道是粉絲還是haters所做的，慨嘆自己好早開了一個令人誤會的玩笑，形成雪球效應，經已控制不了。 JACE重提前年〈百妖夜行的修行〉的宣傳。「當初我覺得蛇這個主題，很難完全令人理解，於是想出了這個『被蛇咬』的宣傳，但原來我想得過分純粹和簡單，心想擺明是搞笑啦，還以為是一個很顯然易見的笑話，於是就拍了一個story，說自己好頭暈，然後躺下來。試問怎會有人在頭暈時會拍下來？當我以為大家都知道我在搞笑，卻原來真的有人誤會，直至那刻才發現自己真的有責任，於是我們反省了及變得謹慎，之後的所有宣傳，就算有少許冒險的話，我都不敢做，全部都改成保守及正路的，只是做訪問拍片，我一日做足十個訪問，希望做到有人聽到我說的那首歌為止。」 不久後，香港街頭出現了「陳凱詠我養你」的橫額宣傳，JACE坦言這不是她們公司所做，而是fans club的主意。「他們覺得我獨立後的處事手法是有創意的，於是就照着用創意的方法去支持，直到今次紅館演唱會官方以外的海報出現，才發現雪球已經越滾越大，不知滾到哪裏去，是誰的主意、是為了抨擊我還是支持我，也已經無從得知了。原來當初我開了第一個雪球後，就不知道它會滾到哪裡，但現在一切已解釋不了。」 未曾犯錯 隔離了我 很想你搞清楚 JACE不諱言，得知這個「另類宣傳」後很不開心。「當時我躲在家裡哭了幾天，心想死了，其實我真的『憑咩開紅館』？果然被人說中了，怎麼辦？幸好最後我收拾心情回復狀態，否則紅館騷可能又不會今日這樣。」她坦言，這絕對是她入行的其中一個低潮。「它來自於事件的無力或委屈，有些事不能說，有些事不能處理，只能自己和自己打架。幸好我心中的那艘小船知道要駕駛去哪裡，所以一個潮浪淹過來，我依然很清楚地要到達那個境地，小船才沒有被潮浪淹沒反覆，但它絕對是小船經過的一個大浪。」 說到底，JACE依然對未來有期望，她卻學懂盡量放慢一點，不會一次過出太多歌，期待下一個機會的來臨，並慶幸依然有不少人支持自己。「我希望自己作品所呈現的精神是清晰明確的，原來大家認為我有些倔強、反叛和很重個人特色，就自然吸引了一些不論年齡、性別、地域都喜歡以這種狀態處事的聽眾，他們相信有些東西可以不同，他們喜歡有個性的人。對我來說是成功的、開心的，成功是在於我做自己喜歡的事，我相信的事，縱使不是最合理和最有效率，但慢慢累積到跟我差不多想法的人。」正如JACE前述所言，真正的膽量和大膽應該有一份承擔和穩重，相信她的那份大膽，現在增添了多一份成熟感。■

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楊文蔚｜封面專訪｜再跳一次

四年前與楊文蔚（Cecilia）見過一面，好記得她當日從醫院做完磁力共振檢查過來，傷患情況未明，但現場的她卻笑臉迎人，言語間帶著一種打不死的陽光。事隔四年再見面，她的樂觀依然充滿感染力，依然像初生麻雀一樣吱吱喳喳。但事實上，這四年以來她的轉變很大，踏入而立之年前後，經歷三次十字韌帶斷裂、訂婚、離開港隊、獨自遠赴澳洲訓練。耳聽她雲淡風輕把四年娓娓道來，坦言自己「無法再跳得更高」，除了百般滋味在心頭，更為她的堅強而折服。要放下一件熱愛18年的事，談何容易？由Aiming high的運動員，到成為她所說的「A high jumper can’t jump yet」，Cecilia說她，現在她仍想再跳一次。 text．yui direction．Karl Lam and Nacchi Ma photography．Karl Lam styling．Nacchi Ma stylist assistant．Sammy makeup．Winki  hair．Matt Chiu@Xenter HK wardrobe．MAX MARA Pure Linen Drill Double-Breasted Duster Coat Stretch Viscose Cropped Turtleneck Jumper Wide-Leg Trousers in Linen Drill Elasticated Webbing Leather Belt Flat Sandals in Leather and Elasticated Webbing All from MAX MARA 在歸途上痛哭2022年完成比賽後從葡萄牙回香港，Cecilia不久便斷了十字韌帶。當時，她並不知道葡萄牙那次會是她最後一次正式比賽，一邊養傷一邊訓練，希望有天能夠回田徑場上。接受了第一次手術之後，她本來決定不再採用手術方式復康，而是以保守治療慢慢恢復身體，靠訓練旁邊的肌肉去代償。「之後又再斷第二次，去了澳洲又再斷第三次。最後我回到香港，在這邊做了第二次手術——加起來我一共做了三次手術，其中一次在外國，兩次在香港。」如果說運動員最大的天敵是傷患，這些年來Cecilia的天敵常來冒犯，不但侵蝕著她的身體，更侵蝕著她的心靈。為從危機中突破，2023年到2024年約有一年的時間，Cecilia孤身遠赴澳洲，跟隨著世界第一、世錦賽冠軍跳高得主的訓練團隊訓練。她知道，這是一個破釜沈舟的旅程，她絕不要帶著一個「失敗歷程」回港。「表面上好像去集訓，但心裡其實充滿矛盾：一方面身邊很多人都會擔心我去澳洲到底能不能有成績，因為始終有資助支持我過去；另一方面我又很怕別人覺得我只是去旅行，不是認真訓練。」 Pure Linen […]

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《多麼好》｜粉紅A專訪 為城市獻上粉紅色

必須承認，2019年單曲循環著〈若世界在明日結束〉的時候，未料到粉紅A會重新活躍起來。作為九十年代末至二千年代香港土生土長的獨立樂隊，粉紅A自1998年發表首支樂曲〈陳愛男〉，就好像為樂隊的風格奠下了粉紅色的基調。樂曲大量曖昧、情色、身體感的題材，居中寫小人物也寫大社會，寫法玩味又有點知性，又鹹濕又文青。繼上一張《為藝術犧牲》，粉紅A四位成員分隔三多地依然默默做音樂，今年突然帶來了新專輯《多麼好》，持續為這城市帶來久久欠缺的粉紅色。 text．yuiphoto courtesy of 粉紅A 粉紅A近年來時有活躍表現，既有現場演出，又推出新歌。此次更發表新專輯，是哪些契機促成的呢？ Yvette： 主要是2017年Clockenflap邀請我們演出，重新點燃了樂隊的熱情。2019年推出第四張專輯《為藝術犧牲》後，我們開始籌備專場演出，可惜因為疫情而暫時中止，只能改為在錄音室進行一次直播。最終在2024年，即上一次專場二十年後，舉行了《今天一切正常 – 粉紅A 2024音樂會》。歌曲與專輯的創作一直持續進行。在外界看來我們只是偶爾出現，但其實我們一直都沒有停止創作。 Tim： 2017年Clockenflap的戶外演出讓我印象十分深刻，那次經驗令我希望未來能多創造機會，讓我們四個人再次一起在戶外演出。 Hayden： 自從2019年推出專輯以來，我們一直為這張新專輯作準備。雖然籌備現場演出佔去了一部分時間，但也讓我們有機會聚在一起，互相督促，加快推出這第五張專輯。 Rodney： 其實在2024年專場演出之前，我們已寫好十多首歌曲，原本希望能與演出同步推出專輯，但因製作上有些地方仍不夠理想，所以一再延期。沒想到距離上一張專輯已過了六、七年。 成員分隔兩地，一起創作的過程是怎樣的？ Hayden： 準確來說，是分隔兩洲三地：香港、多倫多與波士頓。如今的科技讓我們能各自在不同地方創作、組合、討論、爭論、重製，再重複以上流程，直到全隊都滿意為止。歌詞的創作方式亦然。 Rodney： 以往我們在分隔兩地的情況下合作，已培養出一定默契；而這次分隔三地，算是一個新的挑戰。通常我會先用結他或鍵盤寫出和弦配上旋律，再寄給大家。Hayden會編上MIDI鼓及其他鍵盤，Tim和Yvette則分別加入結他及貝斯。歌詞主要由Hayden和我負責，將旋律以數字標示後填上歌詞。大家反覆修改彼此的版本，多次交流，直到全員滿意為止。 Tim： 我的結他錄音過程很順利，因為Hayden早前趁放假來美國探我時，幫我設置好所有的軟件與設備。在編曲方面，我認為這次比以往更有效率，基本上第一次錄製的音軌都不需要大幅修改。值得一提的是，Hayden的填詞速度愈來愈快，中英文都掌握得非常精準，有時甚至能同時完成幾個版本。至於Rodney，他的旋律感一向出色，他寫的結他段落常帶給我驚喜，例如〈多麼好〉這首歌的結他前奏就是很好的例子。Yvette一向擅長和音，聲音自然又動聽，但我更想特別指出她的貝斯演奏其實被低估了。例如〈容我送上最後的〉這首歌的貝斯線，對我而言便是這首歌的靈魂所在。 新專輯為何命名為《多麼好》？靈感從何而來？ 《多麼好》這個名字來自專輯中同名歌曲〈多麼好〉裡的一句歌詞。當時Hayden寫下這句歌詞時，回想起自己在2021年的一次交通意外，心中懷著感恩的情緒——覺得能撿回一條命是多麼不可思議、甚至正面得讓人難以想像。我們都非常喜歡這份情感。 這張專輯中，各成員最喜愛或最想提及的一首歌曲是？ Rodney： 我最喜歡〈今天一切正常〉，它記錄了我這幾年在外地生活的感覺。 Yvette： 我最喜歡〈容我送上最後的〉。這首歌先有Rodney的旋律，Hayden很快便填上第一版歌詞，也是少數從初稿起就已非常接近最終版本的作品。第一次聽時我已經流下眼淚，之後有相當長的一段時間，每次聽都會如此。腦海中總會浮現當天送別他的情景，以及那個下午坐船的畫面。 Tim： 我特別想提〈請將音量收細〉。對我而言，這首歌是粉紅A歷來最具重量感的一首。我們曾有幾首偏向post-punk風格的作品，但這首更接近metal風，正合我意。 Hayden： 我其中一首最喜歡的粉紅A作品是〈心形寶鑑〉。 以〈容我送上最後的〉送別關勁松，在你們眼中，他是個怎樣的人？ Hayden： 阿松是一位百分百的英雄。可能需要多加解釋一下——每個人一生中，無論大小，都或多或少會有一些英雄的表現或時刻。這些時刻對個人及身邊的人都極為重要，甚至定義了一個人一生的價值。而阿松與我們的不同之處在於，他人生的每一刻都活得像一位英雄。 Yvette： 他是一個令人敬佩、也讓人想要保護的人。 Rodney： 在我們眼中，他是一位極具才華與個性的前輩。 在串流時代，推出CD或黑膠唱片對粉紅A來說有什麼特別意義？ Rodney： 推出實體唱片確實有特別意義。親自到唱片店購買、拆開包裝、欣賞封面與內頁設計，再放進唱機依序播放，那份儀式感與體驗是無可取代的。我們也視實體唱片為正式的創作記錄。 Yvette： CD有「集齊一套」的意義；黑膠則代表著保持analog音質的精神，聆聽黑膠本身也是一種儀式。 Hayden： 串流是現實，而唱片與黑膠則代表著實在。 1998年的〈陳愛男〉如今年長了28歲，你們認為他現在會是一個怎樣的香港人？ Hayden：陳愛男在我心中一直都「只從事了這工作三個半月，每日努力生產，完事了上街去買一客晚飯」。 Yvette：他可能已「放棄上班，與我去玩」，yeah！ Tim：「已成年嘅佢需要多咗」。 這座城市的人，都該擁有一顆「粉紅」的心嗎？ Hayden： […]

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雞蛋蒸肉餅 在灰色世界成為彩色的羊

1927年科幻經典電影《Metropolis》上映，故事預言2026年的世界有個「大都會」城，被分為兩個階層的人類、空中交通系統、巨型摩天大樓、機械人——這是100年前的人，去想像我們今天的模樣。當中有些已經實現，有些仍在未來等待。 那麼200年後的世界會如何？好幾年前開始，本地獨立樂隊雞蛋蒸肉餅（下簡稱雞餅） 成員Soft一直在寫一部長篇科幻小說，去想像與推測2222年未來世界的模樣；同時作為一名科幻迷，她一直希望有機會為科幻電影做配樂。因此某日她突然靈機一觸：既然如此，何不寫一個故事出來再為它配樂？在此機緣下，雞餅四位成員在港台兩地分隔下，完成全新專輯《=P:r0J3CT 2222/》。 text． yuiphoto ． OiyanChanvenue ．Portal  《=P:r0J3CT 2222/》封面設計有哪些意味？ Hei：我和Soft以前從事廣告行業，因此不是我就是她去負責做設計，這次輪到我。今次專輯設計是我看完Soft的長篇小說之後，就有一 些感想。因為他2222年的世界對我來說是一個灰色的世界，所有人好像沒有甚麼自我意識，但是其實又不真是這樣。所以那個灰色的世界如果要有的顏色的話，就是人類自身的歷練，有不同的過程歷練，很多可能是一些開心的事，但更多可能是一些很痛苦的事。一些難關，關關難過，關關過完之後，就會成為我們自身的一些色彩，每個人都會燒出不同的顏色。 Soft的長篇小說與反烏托邦有關？ Soft：確實是有一點反烏托邦的成分，因為很多科幻題材都是用這方面的，它是一個比較容易的切入點。但為何會想寫這樣的一部長篇小說，真的喜歡，因為我經常都說，做創作其實本身是一件很自私的事，反映了創作者那一刻想表達的東西，而那一刻我們永遠站在上帝的視角，很冷靜地，我覺得這裡的橋段，發生了甚麼事件，就會有故事的高潮、結局，我想它是開心的結局，還是不開心的結局，其實是一個很自私的創作。我未必會去想觀眾要怎樣看，要怎樣發展，我就去安排的，未必的，有時很純粹的，我喜歡這樣，所以便這樣寫。而我那一刻很想寫一個科幻故事題材，所以便這樣做了出來。 為何突然萌生為小說配樂的念頭？ Soft：這篇長篇小說其實我很多年前已經開始寫，寫了幾萬字，至今仍未寫完。我們一直很喜歡看科幻故事，如《黑鏡》、《Dark》、《The OA》等系列的劇集。因為經常看到這些劇集的時候，就覺得那些配樂真的很好聽，如果有一天我們可以做到那些配樂，或者那些主題曲就好了，一直都很想做，但又沒有機會做。那時候就萌生了一個念頭，既然沒有人找我們做，我們就寫一個故事出來自己做，於是就有了這個實際行動的想法。 專輯主題為延續你們的「Before Tomorrow」的命題？ Soft：我們沒有刻意去延續那個命題，只不過是因為創作這件事，尤其是音樂，我們放了很多自己的世界觀、價值觀進去，只能說我們其實人都沒怎麼變過。 Hei：我覺得連MV也是，方才講起才知道，原來連MV都是有延續的。很多年前我們那首〈Backspace〉原來與現在的〈草西〉很相似，都是對著三個白色的假人，有一些互動，講述自己和真人的關係。 Wing：因為我從來都是文字很弱的人，反而比較擅長影像上的聯想。聽到〈草西〉的第一刻，我腦中就浮現影像——有公仔、有大草地和航拍畫面。當時我和Hei Hei負責〈Backspace〉的創意，兩支MV其實都在探討「認知」：認識自己與世界、以及彼此的映照。因此我在MV中加入照片的stop motion，希望營造內心掙扎的感覺。多年來我仍在學習了解自己，尤其在雞餅停頓的期間，更希望透過創作探索成長與自我。 Soft：當年專輯《23:59》的命題圍繞「Deadline」，源自我們對離別與失去的體會，提醒自己要珍惜當下——因為每一天都可能是最後一天。而《=P:r0J3CT 2222/》則反映我們的成長：不再只看重結果，而是學懂欣賞過程。很多時候，人們習慣以結果來衡量價值，覺得若看不到成功的可能就不值得去做；但若不嘗試，又怎會知道結果？我們曾對樂團的前景感到迷惘，覺得或許繼續下去也不會成功，但若只以結果為目標，人生便失去意義。畢竟生命的終點本就是死亡，真正重要的，是在有限時間中經歷、感受與成長因此新專輯想傳達的正是這種態度——把目標放遠一點，讓過程本身成為生命的厚度與價值。無論結局喜或悲，只要曾真誠投入、享受其中，那一切便有了意義。 Soni：也就是你擁有多少或者失去多少，其實到最後都是灰飛煙滅。我常常想像我們在玩一個遊戲，而我住在叫我Soni這個角色裏面，就像真的是在玩一個遊戲一樣。而這個遊戲，最重要的是在過程裏面，你的目標就是玩得開心，就是快樂。 專輯討論著哪些問題？ Soft：始終整個故事架構確實是在未來的世界發展，主角生活的地方每個人都有一個分數，那個分數就是權力架構每個月分配給你的，那些分數就是用來換取資源的分數，所以在那個制度下，你們每一個人最好是差不多一模一樣。 在構思這個故事時，我以上帝視角描寫未來社會的制度。本質上，任何時代的權力核心都希望人民愈相似愈好，因為一致性代表更易控制。就像牧場裡的羊，性格愈乖順，牧羊人愈省心；若每隻羊都有不同的顏色與個性，管理就變得困難。同樣地，掌權者總希望社會「灰成一片」，不要無緣無故是隻彩虹色的羊——人們放棄個性與自由思考，這樣體制才能長久穩定，而反叛與多樣性則被視為威脅。 在這樣一種形式的概念，才衍生其中一首樂曲〈草西〉，就是我們一出生最好便是模仿別人，跟著那條路徑去走便是最好。因此我們就特意以〈草西〉這首歌講述模仿這件事，音樂風格上刻意模仿台灣最紅樂隊草東沒有派對的曲風，反映大部份創作者剛開始做音樂的時候，為了得到那個比較容易成功的結果，所以我們就跟著那條「成功的」道路去走。但是我們終究都是要成為自己的，所以〈草西〉的結尾會由草東沒有派對的曲風漸漸轉變，也愈來愈不像他們的風格。 新專輯蘊釀了多久？過程中隊員相隔兩地如何配合？ Hei：Soft和Soni也會有回來香港的時候，例如我們選幾首歌來做例子，例如〈Last Train〉，剛好是他們來到香港之後，我們在band房練習，然後臨走的那半個小時，突然間構思了這首歌整個結構出來，然後就各自離開。他們回去就打一個chord progression，在軟件Logic拼湊整首歌的結構，然後就傳給我和他；我編寫鼓的部分，Wing就編寫bass下去，然後又傳回去，看看多加一些甚麼layer，但是同步又傳給他，繼續去創作那個曲和詞，所以很多時候事情是同步進行的，但是就是透過檔案傳來傳去， Soni：就是可能兩首兩首這樣同步做，不同的階段。 Soft：我們每一首歌的創作方式都有點不一樣，譬如〈一生〉這首歌，Soni尋回2018年時，我們在band房jam的一個demo叫〈懸疑片〉，因為我們想做一個〈懸疑片〉的配樂，所以就拿了個開頭，然後他再自己延伸了其他的東西，拼湊完之後就扔出來給我們，你再on top去創作其餘的東西，他就這樣交給我們。 Hei：所以這首歌很好笑，我構思的時候以為是instrumental，錄的時候我都以為是instrumental，到出來我才知道原來Soft有份唱，整件事就錯了，你會聽到樂曲一開始就在「炸鈸」，這完全是個意外。 Soft和Soni台港兩邊跑，對兩地文化有哪些觀察？ Soft：雖然這兩個地方很近，但其實文化差異都頗大。很多人都說台灣就是慢一點，你用一個負面的標籤，它就叫做所謂慢一點，但我覺得叫做chill一點。而我的性格本身就是一個像台灣人那樣步速的人，香港反而對於我來說是太急速和太過結果論，太過效益主義。正如你所說，例如很多香港人反而可能覺得，你這樣好像不顧一切，又不理會你的生活，這樣去投入做音樂事業，好像真的很任性、很艱難。但是在台灣其實很多人都在做這件事，夾band夾到沒錢吃飯不是那麼罕見的事。那當然，我始終都有身為香港人的掙扎與迷思，經常在做音樂與維生之間有些思想角力。不過我現在始終做這件事都是開心的，所以我繼續做，做到我真的不行的時候。但那個掙扎始終每天都會有，每天都會有。 Soni：我覺得真的和Soft剛才說的那個差不多，就是台灣人真的很chill，那種chill的狀態令我覺得，其實我正在做音樂的這件事，即使到最後沒能夠得到甚麼，其實並不是真的那麼重要，最重要的似乎是我依然繼續做我自己，最有能力和最相信自己的事。 Soft：我經常看到Threads上很多香港和台灣人在爭吵，有些香港人會說台灣工資那麼低。但雖然台灣工資不高，但就我個人而言，我生活得很開心，其實不是人人需要去追求金錢的意義。香港人常覺得錢多就有快樂，但台灣人的快樂是不同的，他們的快樂來源有時間去行山、下班後跟朋友去玩，那種生活上的快樂。 分隔兩地，也各自組絕命青年與Wing it dawn，雞餅第十四年，會如何走下去？ Soni：我們剛剛訂立了一個目標，其實在市面上，如果是要說樂隊，即是說出名的樂隊，大部份都是男性居多，我們會想做一隊很多人認識的亞洲女子樂隊。 Wing：也就是，我們不想讓人覺得，夾Band一定要很Rock、很有Power，或者那些Band一定都是男性為主。其實是女性都一樣可以做到，我不想讓別人覺得每次提起有什麼樂隊，全部都是男生，可能中間有個女生在裏面，但是我們就是要做到女生其實都可以很棒很厲害。 與Whizz的合作是否也源於這樣的目標？ Soni：不是這樣的，我跟Whizz的Bowie之前都有做過一些演出而結緣。其實Whizz這隊Band都很熱血，希望更多人認識她們。最初合作的起源是，她們覺得兩隊女子Band這樣的Crossover，在香港其實真的沒有人做過，所以我們就做了第一次這樣的Crossover，同步亦誕生了一個比較Hit的Project，兩首歌一起同步播放那個Idea，MV都很有趣，所以這也是爆紅的其中一個點。 Soft：其實我們也想將這個Idea繼續延伸出去，與不同國家的樂隊嘗試進行這樣的合作，不同單位合作各自寫一首A歌與B歌，在合起來變成C的第三首歌。們都有問過一些單位，只是未真正實行。這個Idea原本是我們想放在專輯裡自己玩的，後來因為剛好有一個Crossover機會，八個女生八個人八個樂器，在歌曲中打架。而這件事出來後，效果真的很有趣。 2026年，最希望淘汰的一套觀念？ Soft：我最想淘汰的觀念是「我覺得你應該怎樣」。每個人都可以為自己訂下標準，但不該用同一把尺去衡量他人。說來我們昨晚才談到女性平權，我更感受到，社會之所以需要平權，是因為太多人把自以為正確的標準套在別人身上。長久以來，我們被灌輸固定的性別角色——男性與女性「應該」如何——而不自覺接受這些框架。我希望人們能意識到：那把尺本來就不存在「對不對」，既然覺得正確，就用在自己身上，而不是強加於他人。 Hei：我會想淘汰性別的枷鎖，沒有了這件事，世界會比較純粹，專注於大家想做的事，而不是還在討論這麼清朝（迂腐）的話題，導致世界無法進步，因為其實北歐為何會進步得這麼好，因為他們已經平權了，其實我跟他同出一轍，都是在討論平權的事，但想的事情純粹是兩個方向，他那個是對的，但我想的事情其實又是另一回事，所以如果沒有了性別枷鎖，這個世界可以向前走得順利一點，也沒有那麼多那些噁心思想，或者那些噁心事情發生。 […]

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鍾雪瑩 呂爵安｜封面專訪｜拍好香港這部電影

如果可以，有時會希望回到九十年代的香港看一眼——想像1993年人頭湧湧的戲院，一家大小排隊在票務處前，在《花田囍事》、《逃學威龍3之龍過雞年》、《東方不敗之風雲再起》、《東方三俠》等賀歲新片間來回苦思，試圖選出最想看的那部電影——那是人人都愛賀歲片的年代。 不論市道好壞，香港每年至少都會有兩部賀歲片上映，而今年亦無例外，兩部賀歲電影如期赴約。其中《金多寶》交由翁子光導演操刀，看似是個典型的家庭喜鬧劇；當中卻處處暗藏對電影深厚的情意。當中兩位新生代演員鍾雪瑩（鍾雪）與呂爵安（Edan），在戲內出演助導與場記的角色；而在戲外，他們作為演員，正為行業獻出一分力，拍下屬於這個時代的故事。穿梭於戲劇與現實之間，形成一種微妙的互文：這不僅是一部家庭喜劇，更在訴說一群人，如何在寒冬中嘗試拍好香港這部電影。 text．yuiphoto．Leungmostyling．Sum Chanhair．Man Chan@CHIC PRIVATE i salon (Edan)、Vanessa Wong (Chung) makeup．San@powderclub_hk (Edan)、Hillnex Lee (Chung) photography assisted．Kui Hospecial thanks．Clarence Lauwardrobe．Tommy Hilfigerlocation．Kimpton Tsim Sha Tsui Hong Kong 入戲院看賀歲片 每個人都有一套儀式去開展自己的新一年，有人看叱咤樂壇也會看煙花；有人食快餐祈願「勿當奴」，也會有人走入馬會花10元買一個夢。踏入新一年，人們總是習慣於期盼有好事發生，最好就是橫財就手，一注獨中，衣食無憂。而這正是賀歲片為何總是美好的，因為它總教我們去期盼未來的日子。 翁子光的《金多寶》，也帶著這樣的期盼，故事講述一個家庭中了高達8888萬的頭獎，但卻因天晴（鍾雪瑩飾）忘記下注而落空。為免讓家人失望，她在片場同事黎祖謙（Edan飾）幫助下，以借來拍攝用的豪華別墅作當新居，讓一家人興高采烈入住。 「我小時候家人禁止我看電視，因此幾乎沒怎麼接觸過賀歲片。其實是直到要拍《闔家辣》，我才開始去回顧一些經典賀歲片。不但沒有看賀歲片，更沒有新年進戲院的傳統。我覺得我們這一代開始，這種家庭一起看賀歲片的傳統已經不那麼流行了，到了Gen Z就更少。」Edan表示，以往認為全家人一起去戲院看電影是一件很奢侈的事，但如今卻希望大家能夠延續傳統，過年多多與家人去戲院看電影。「不只是看電影，也是一次難得的相聚。尤其當人長大了，愈來愈覺得要珍惜身邊的家人，這樣的團聚其實很有意義。」 至於出名是重度影迷的鍾雪，小時候也很少入場看賀歲片。「其實相比看賀歲片，我對每年的《叱咤》印象更深。或者因為我家人比較習慣看早場，而新年期間早場票太難買了，所以我們家根本不會新年進戲院。到現在想來，我好像從來沒在新年檔期看過賀歲片。」雖然吐槽再也買不到學生優惠門票，但鍾雪目前仍不時流連於戲院看電影節。「我始終覺得，坐在戲院裡那個沉浸的感覺，是家裡看電影感受不到的。」 對鍾雪來說，去戲院看電影是一種很個人的體驗。「上次我去看西片，左邊坐著一位印度人，右邊坐著一位疑似法國人，後面是一對香港情侶。一開始我專心看電影，但後來我忍不住觀察起他們的反應，變成一邊看片、一邊看人。那三個小時我幾乎用全部感官在感受他們。這是家裡看電影不會有的體驗——一種與陌生人共享空間的聯繫，但同時又保留個人解讀的自由。」 戲內戲外一家人 「我覺得，這是一個關於『人與人之間應該怎樣繼續走下去』的故事。」鍾雪自覺屬於慢熱型那種人，偶然會不太理會他人感受。「拍這部戲的時候，看到天晴和家人不同的相處方式，才發現原來每個家庭都有各自的一套方法，而且這些方法都未必錯，原來不同方式都能行得通。」 由於戲中許多場景都是群戲，一眾演員在片場如家人般聚首。 Edan說：「在大屋拍攝的那幾天真的特別歡樂，整個氛圍很輕鬆、很開心。這次的作品裡面，除了阿正（李尚正）之外，其他包括小火龍（兒童演員李鎧霖）、鍾雪、金姐姐（金燕玲）、蝦頭、還有小狗Caski，都是第一次合作，但一見面就覺得好像一家人，每個人都很nice，加上是喜劇題材，拍起來特別放鬆，每一場戲都像在玩。」 在群戲以外，還有少量的動作場面，對從未拍過動作戲的鍾雪來說，可算是一次新奇體驗。「那次讓我見識到香港專業飛車團隊有多厲害，司機真的非常專業，是專門拍這類場面的師傅。那天我和Edan都親身坐在車裡，真的感受到那種『貼得很近』的震撼。」 此外與一眾演員前輩合作，Edan亦感收穫良多。「雖然不是第一次與阿正演對手戲，但上次拍合作時太緊張，感覺錯失了難得機會。今次狀態輕鬆得多，因此合作起來特別開心。阿正經常在停機時跟我們講人生大道理，有時很無厘頭，也分不清他到底是認真抑或開玩笑。蝦頭也是第一次正式合作，是一位well-prepared的演員，常鼓勵我去問導演關於劇本的問題。其實整個團隊包括金姐姐、鍾雪都很認真、很專注，大家雖然會有開玩笑的時候，但從不敷衍，這就是我最喜歡的工作氛圍。」 鍾雪表示當中特別慶幸能與金燕玲合作：「我真的覺得好幸運。據說她很久沒有擔任主角，以往更從未拍過賀歲片，這次能在這個時間點一起拍戲，特別有意義。在我心中，她一直是個非常厲害的演員——無論是她的魅力、準確度，還是她的表達方式，都令人佩服。能近距離看她演戲，真的是一個很難得的機會。」 《金多寶》中還有部分場景，是在片場中拍攝片場。鍾雪笑指，這些場景都是如實呈現一個片場的面貌。「場記直接把真的場記板交給我，有時候甚至真的忘記取回。我們在鏡頭內裡假裝拍片，但鏡外真的有工作人員在做一樣的事，收音師真的是這部電影的收音師。最後一場戲我們從晚上拍到天亮，大家都真的很累，那種真實的疲憊感反而幫我們演出那場戲的狀態。」 每一刻都在思考電影 鍾雪與Edan分別因為拍攝《正義迴廊》與《爸爸》，而與導演翁子光結緣。翁導受訪時曾經提過，當時會選擇兩位出演新作全因童真二字，認為他們皆富有真誠的特質。不過被問到演員需要哪些特質，兩人的答案截然不同。鍾雪更追求演戲時那種自在的狀態，愈是自在便愈能夠呈現真實的表演；Edan則認為「認真」是最基本的要求，能夠隨時隨地專注在角色上。 其實比起「童真」，他會更同意Edan所說，他和鍾雪都是比較貪玩的人。他們能夠把工作當遊戲，在演戲中得到純粹的快樂。如《金多寶》中有場戲，需要拍阿正和蝦頭在豪宅中勁歌熱舞，兩位在開鏡前積極排練，甚至還唱了改版歌詞，令鍾雪和Edan在旁邊笑到不行。但後來阿正怕太胡鬧會有些褪呔，鍾雪與Edan卻覺得場景效果很好，特意向翁導爭取保留搞笑的場景。 訪談當日，兩位還發現，雖然一開始便得知與對方有感情線，但原來開拍前翁導給他們各自的brief並不相同。導演最初給鍾雪的指示是「有人會追求你，但你未必要回應」；而Edan那邊收到的版本卻只是「你們有條愛情線」。Edan笑指，在拍攝期間已覺得有些奇怪，明明是兩情相悅，但不知為何自己有種一直被鍾雪拒絕的感覺。然而這樣的安排，反而讓兩人錯調的感情線顯得有些微妙又真實。 「作為演員，我覺得自己很幸運，因為他願意信任我們，給我們很大的空間去討論、去構思。像《法迷藏》，我是配角，自己幫角色加了很多細節，他都完全支持我這樣做。這次《金多寶》也是，那個扮演內地地產經紀的場景，其實是我臨時提議改的，但導演都願意試。那種大家一起碰撞出火花的過程真的很好玩，也讓我感受到，一群人為同一件事努力，那種凝聚力特別強。」 而鍾雪則感受到翁導對電影的熱愛。「他幾乎每一刻都在思考該怎樣拍電影，或者任何與電影相關的事。他腦裡裝著很多以前看過的作品，變成他判斷每個場景的依據。現場時你會感受到，他腦海中閃過不同的畫面、各種可能性。而且他特別喜歡聚集不同的人一起拍電影，從各種小細節都看得出，他是個對電影充滿熱情的人。」 失而復得 自2020年疫情以來，全港戲院數目銳減。有資深電影人評價，如今香港電影市場已由寒冬進入「冰河時期」。香港電影正在經歷著這樣的一個時期，令人感到前路茫茫，曾經作為香港驕傲的港產電影，在未來何去何從？我們到底如何才能夠拍好香港這部電影？ Edan首先為香港電影下一個定義。「我覺得香港電影是由一班香港人構思、製作、拍攝出來的作品。很多人覺得香港片一定是警匪片或者談及社會議題，但我覺得電影應該多元。喜劇也很重要，特別現在香港很少拍賀歲喜劇了。我自己很喜歡看這種類型，因為我覺得香港人需要笑，需要輕鬆一下。只要是香港人一起用心去拍出來的作品，本身就代表著香港精神。」他續說：「當然我明白，有人會質疑『是不是因為是港產片，香港人就一定要支持？』我覺得這件事不是無條件的，但當一部作品真的拍得用心、有質素時，就值得支持。觀眾的支持會形成良性循環，讓更多好的作品誕生。」鍾雪的定義更加廣闊：「我會覺得，一部香港電影只要帶著『希望香港觀眾會喜歡』的心去拍，就是香港電影。它以哪個觀眾為先、想令誰開心，這就是定義。而要拍好它，除了付出，也希望觀眾願意回以行動——例如，買票入場看港產片。」 根據學者余慕雲1996年著作《香港電影史話》所記載，香港首部賀歲片為1937年由大觀聲片出品的《花開富貴》，故事講述一個家庭歲晚遺失一張彩票，最終成功把彩票尋回；這亦是50年後1987年賀歲片《富貴逼人》的橋段；而翁子光在《金多寶》又將之繼承下來。自香港開始有賀歲片以來，「失而復得」似乎成為了跨時代的核心電影旋律。這段跨越八十多年的脈絡，將如同一則隱喻，映照著香港電影自身的命運軌跡。■

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若問世界誰無傷｜專訪南韓導演尹佳恩：「相信觀眾仍然渴望那些經過長時間思考、慢慢打磨出來的電影。」

疫情過後，這是創傷成為集體記憶的時代。韓國導演尹佳恩說：「那段時間對我們而言幾乎像一種『死刑宣判』，彷彿一切都結束了，我們這一代也跟着終結。」但世界仍未到盡頭，全人類帶著新舊傷痕，迎來時代全新提問：「接下來，該如何前行？」 承繼兩部前作《我們的世界》與《我們的家》的成長命題，尹佳恩以新作《若問世界誰無傷》著眼探討創傷的問題上。她不追逐轉瞬即逝的感官刺激，而是潛入記憶與情感的深水區，打撈那些需要時間沉澱的、關於傷痛與勇氣的敘事，以這部電影提醒我們兩件重要的事情：其一，承認傷痕的存在，正是走向療癒的第一步；其二，在這時代慢慢講好一個故事，仍然有其深厚的意義。 text．yuiphoto courtesy of Edko Films 為何選擇探討「創傷」這個主題？ 其實這一直是我經常思考的問題。我常常想，這個世界上是否真的有人沒有受過傷害、沒有陰影、沒有痛苦？有些人身上的創傷也許我們難以理解，但他們都真實存在。我很想知道這些人如何面對傷口，又是怎樣戰勝那種深刻的痛楚，繼續活下去。這樣的疑問讓我想拍一部關於創傷與人如何繼續生存的電影。中文片名我也非常喜歡——它真的道出了我的心意：「若問世界誰無傷？」 疫情過後，我對這個主題的感受更加深刻。那段時間對我們而言幾乎像一種「死刑宣判」，彷彿一切都結束了，我們這一代也跟着終結。很多人真的在那段時間離開了，因此這個時期給了我很深的感觸。當所有人都共同經歷這場磨難後，我開始更深入地思考，當我們再次面對痛苦與創傷時，該如何活下去、如何面對。 為甚麼作品總以女孩成長為核心？ 首先因為我是女性，我最能以女性的視角去講故事，也最能投入這樣的題材。而且我拍這些電影並不是在回顧童年的傷痛，而是想把那些小時候無法說出口、仍留在我生命裡的情感再重新表達出來。這是一種延續——從過去延伸到現在。透過電影，我能讓那些當年沒能說出的話，重新被看見、被聽見。這也是我選擇這類題材的原因。 你的成長經歷或教育背景，是否影響你對社會議題的關注？ 我覺得這樣的關注是自然發生的。我的家庭環境本來跟其他人有些不一樣，在學校也遇過不少困難。那時我心裡常有很多疑問：為甚麼我們家是這樣？為甚麼我在人際關係上這麼吃力？是不是只有我是這樣的人？但當時並沒有可以傾訴或討論的對象，也沒有合適的空間去談這些事。於是我慢慢地把這些感受、疑問都轉向電影。透過創作，我找到了說話的方式，也讓我對這些議題變得更關心。 如何看待「女性導演」這個標籤？這個身份在業界中對你有何影響？ 明確地說，因為我既是女性又是導演，雖然被稱為「女性導演」；但對於男性導演，大家不會稱呼他們為「男性導演」。我一直期待有一天，不需要加上「女性」這兩個字的時代會真正到來。不過同時，我也清楚目前業界裡持續創作的女性導演仍然不多，這背後有許多社會與結構性的因素。如果「女性導演」這稱呼能讓年輕的女性創作者看到希望、產生勇氣，覺得「我也可以」。因此這個問題是很兩體的，它可以是一件不好的事，亦都可以成為一件好事。 你是李滄東導演的學生，從他那裡學到最重要的是甚麼？ 學到的東西實在太多了。其中，老師常說：「故事不是被創造出來的，而是被遇見的。」——創作者並不是去「編造」故事，而是去「發現」它。故事早已存在於某處，我們的任務是找到它。我每次創作時都會想起這句話。這一句話我一直銘記在心。 片中小演員的群戲讓人聯想到日本導演是枝裕和的處理方式。你如何引導他們表演？ 我在拍攝時不會給小演員劇本，而是先在現場說明情境，若有必要說出台詞，就讓他們自己用最自然的語氣表達。這樣的表演方式更真實、更生動。我們會進行反覆排練，直到小演員覺得滿意為止。在這個過程裡，大家可以自由提問、共同討論。許多場景都是這樣合作誕生的。 「사과」一詞兼具「蘋果」與「道歉」的意思，不懂韓語的觀眾恐怕難以捕捉這層意味。當初有考慮過這種翻譯上的落差嗎？ 其實我在創作時完全沒有想到這個雙關。因為在韓語中，「사과」同時有「蘋果」與「道歉」的意思，後來觀眾自然產生了聯想，但那並非我的刻意設計。我直到電影上映後被人指出才發現這個巧合，但我本身並沒有這重考慮。 你怎樣看待韓國電影現況與未來？ 不僅是韓國電影，其實全球電影產業所面對的挑戰都相似。戲院接連結業，而人們觀影方式也改變了，在任何地方都能輕易看到影像作品。現代社會充滿著尋求即時快感與刺激的氣氛，人們渴望快速的滿足與多巴胺，而不是需要時間沉澱的故事。這導致許多作品變得短促而急躁，整個產業都在動搖。但我相信觀眾仍然渴望那些經過長時間思考、慢慢打磨出來的電影。過去的前輩們很勇敢，創作出各種獨特的作品；作為後輩，我希望能延續那份勇氣，挑戰更危險、更有深度的題材，而不是只追求安全與即時的娛樂。

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張天賦｜封面專訪｜醒來發夢 ROTATE AND ROLL

自從香港樂壇出現了張天賦，每次走過香港街頭看見busker，都不禁留神半刻旄站在這裡唱歌的，會不會是下一位張天賦？從街頭到紅館，幾年間張天賦由默默無聞到無人不曉，在旁人眼中，這可能是一個人努力追夢，最後夢想成真的簡單故事。但我們從不記得，夢想是富有重量的事物，要求有同等重量的事物作交換；光鮮亮麗的舞台背後，埋藏著多少殘酷無情的覺悟，都是當事人才能設身處地明白。 至少，對於張天賦來說是的。他是一個非常實際、目標為本的人。當你談論夢想，他會跟你談論生活；當你談論自由，他會跟你談論接受。沒有那些振奮人心的激勵語錄，對張天賦來說夢想重要，但現實更加重要，一切都是關乎「平衡」二字。但這不代表我們不值得為夢想奮鬥，相反地，這提醒著我們追夢的代價。正如他所說：「我很現實的，我覺得發夢不要緊，但夢只屬於你睡著的時候；一旦要起身，你還是得腳踏實地。」 text．yuidirection and styling．Nacchi Maphotography．Olivia Tsangstyling assistant．Kelly Maddie Luk Yuen Yingmakeup．Circle Chonghair．Cliff Chan @ myöswatch & jewellery ．Cartierwardrobe．Emporio Armani, Loewe, Moncler x Rick Owens, Moschino 喂，有冇夢想 張天賦兩手有許多大大小小的紋身，其中一個是「Make it pop」，意指讓小眾或非主流音樂大眾化；還有一個是「28」，是他參加《全民造星》時的編號。「應該是由參加《造星》的時候開始，得到有一些迴響或者開始受到別人認同，就開始覺得唱歌這件事好像真的work。」捧著亞軍回家，張天賦得到餐廳邀約成為駐場歌手，由首個星期$500、到第三個星期$1,500，到第五、六個星期每45分鐘$5,000時薪。後來輾轉正式加盟唱片公司，但當時張天賦對前路仍然充滿未知。他坦言，自己一開始就沒有把目標定得太高，能夠以音樂維生已經滿足，並沒有想過能夠走太遠。「因為我一直覺得這一行有無限的可能——你可以一夜成名，也可以一夜間失去工作。直到第三年，開了紅館演唱會後，我才覺得自己真正站穩腳跟，這次我終於成功以唱歌作為我的事業。」 出道第六年，張天賦如今仍會想起以前在街上busking的日子。「坦白說，成為歌手之後，上台表演的機會多了，但有時那些表演的本質會改變。它不再只是單純唱歌、表達音樂，反而變得更像一份工作。當它成為工作，就多了規限，也會變得比較保守。在街頭唱歌時，我毋須太在意自己會不會走音，或者唱得不夠完美；但當那是一場正式演出，就會有一些『標準』要達到。我可能變得不敢冒險，不敢嘗試一些高音或即興的轉音。所以當我回想busking，其實是想找回那種初心——那份對音樂和表演最純粹的熱情、看法和態度。」張天賦在其他訪問曾經提過，他與音樂人好友Goo Chan之間有一個暗號——「有冇夢想」，正正是用來提醒，自己純粹作為歌手的身份。「我們太多時候會迷失方向——不論在生活還是音樂上，當你面對太多取捨，可能就會慢慢忘記自己最初是為了音樂而出發。每當這些時候，我們便說一句『有冇夢想』，其實是在提醒自己是甚麼身份、在做甚麼。然後我們就會重新回到創作，繼續寫歌。」 你不能買下所有玩具 「我覺得夢想和成就不是同一回事。在我看來，夢想是由許多元素組成的，它有方向、有願景；而成就，很多時候是別人給你的認可，未必真的是你自己內心最想要的東西。」張天賦近幾年樂壇成績彪炳，出道僅兩年已屢獲大獎，並以多首四台冠軍歌及紅館演唱會奠定地位。「我以自己為先，覺得快樂已經足夠。唱歌對我來說，不只是抒發自己的情緒，也能感染別人、帶動別人的情感。這件事讓我覺得開心。令自己開心是第一，令別人開心是第二，能做到這樣，其實已經是雙贏。」但人紅是非多似乎是定律，其名氣人氣愈大，惹來的是非與醜聞也愈多。近年他明顯變得沉默，在訪問中變得小心被動，亦很少在社交媒體表達自己。幾年間張天賦變得更成熟，與《造星》時反叛的形象大相逕庭。「畢竟那時還入世未深，沒有經歷過太多社會的洗禮。當時的我想事情比較簡單，也比較以自己為中心。無論是感受還是情緒，我都覺得自己要先抒發出來才行。那種反叛，其實是一種很真誠但也很直接的狀態。」 但他不認為自己失去了反叛，不過是對所有事考慮得更加周全。「因為有時候，即使你分享一件好事，別人也可以把它說成壞事；而有些根本沒有好壞之分的事情，別人都會替你定義成某一種立場。也有些情況是，我可能只是單純想分享一件我喜歡的東西，卻會怕粉絲會因此不斷送我同類的禮物。這些細微的顧慮都令分享變得有壓力。久而久之，我就會覺得——與其被過度解讀，不如少說一點。當然我不會把這看成負擔。因為我始終認為，自己只是個歌手，我的重點是把唱歌這件事做好。」他續說：「當你開始明白不能夠甚麼都要、知道取捨時，就是在成長。這就像小時候，媽媽只給你十元，你沒辦法同時買下所有玩具，只能權衡選擇。當你懂得這個道理，就是在長大。對我來說，只要我能在取捨之間找到平衡，不再抱著全部都要的心態。」 在創作中解放 張天賦坦言，自己以前只懂得排斥壓力，甚至不承認自己有壓力。「我常說，人會不停地在『認識、承認、改變』三個階段中循環。就像每一次表演，都是在這條循環裡的一步：透過表演，我認識自己；之後承認自己的狀態，再從中改變。改變之後，又會更深入地認識另一個階段的自己。這些不同階段裡的我，其實都是真實的，只是不斷經歷不同的情緒和思考。」曾患有驚恐症的經歷，令他擁有比其他人更強大的抗壓工具。「當時我的選擇是堅持不去看醫生，覺得既然這件事是在自己身上出現的，就應該要靠自己去結束。」因為病情，他經歷一連串生理與心理上的折磨，首先是胡思亂想，然後便影響睡眠；睡眠差又影響腸胃，腸胃差再牽連到其他問題。「後來我嘗試從日常生活開始，一步一步去改變。從最基本的飲食開始，吃得清淡一點；然後調整睡眠習慣——睡前散步、做運動、喝牛奶、泡腳、聽音樂、看書，甚麼方法我都試過。我希望能找到那個『缺口』，衝破它。結果真的慢慢發現，壞是會循環的，但好也可以循環。當你處理好一件事，其他事情就會一點一點變好；心情也隨之影響，最終進入一個正面的循環，問題自然就解決了。」 他唯獨在音樂中能夠解放自己，創作中他能夠選擇所有的玩具，無需要妥協或者取捨。「我覺得創作最享受的，就是那份『自由』。有時候它未必需要取捨。如果我想讓一首歌同時擁有流行曲的旋律感和Hip-Hop的節奏感，我可以把它們混合在一起，不需要非此即彼。這正是我喜歡創作的地方：它沒有框架、沒有規限。創作裡頭真的甚麼都可以發生——喜歡三個音就三個音，四個音也行；想要高音、低音、轉音，全都可以。這樣的自由度讓我覺得非常過癮。此外，我也很享受靈感突然出現的那一刻。那種暢快和成就感，是其他事物給不了的。當你完成一首歌，並對它感到滿意時，那份『這是我的作品』的感覺，沒有其他事情可比擬的。因為它是一個真正屬於自己的產物，是你親手創造出來的東西。最享受的，大概就是這樣的時刻。」談論創作，張天賦才有些打起精神來。「我也很喜歡從一個情境或一件小物件開始去發想。先用具體的東西去勾勒畫面，再慢慢延伸出情感。例如我寫〈時候不早〉這首歌，最初的靈感就是『朱古力太甜』這句，從那個畫面開始再去表達其他情緒和故事。又譬如我之前的〈小心碰頭〉，其實一開始是想寫聖誕節。因為那首是三拍歌，節奏上有點像舞會的律動，我想藉此表達一個人獨自過聖誕的孤獨感。所以我覺得，以節日作為題材去刻劃人與情緒之間的連結，應該會很有趣，也很有感染力。」 早幾年張天賦曾經說，如果自己沒有出道，他大概會在尖沙咀唱到六十歲。經過幾年社會磨練後，他只覺當初如果沒能夠以唱歌維生，大概還是不能堅持下去。「現實的壓力是真的存在，所以雖然我一直支持追夢，但同時也覺得，你一定要懂得平衡。」如今，出道第六年的他仍視自己處於成長途中，仍在努力實現夢想。「我還在過程中、在成長中，所以這段路還沒結束。我希望能夠一路走到退休的那一天，那時候才算真正達成我的目標。」■

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專訪 本地音樂場地MOM LIVEHOUSE：我們只盼能盡可能長久地堅持所信奉的事物

面對欠缺政策支持、場地租金壓力、營運成本上漲、觀眾習慣改變等問題，在香港經營Livehouse場地絕非易事，前車不只有Hidden Agenda；事實上比起在喧鬧中離場的Hidden Agenda，或者黯然熄燈的Music Zone，更多小型音樂場地更是在無聲無息淡出市場，Like tears in rain。在如此光景下，位於北角的MOM Livehouse逆水行舟，負責人Ruff如今已堅持近十年——從首隊登上MOM舞台的香港樂隊Lucid Express（舊名Thud）開始，MOM一直都是本地獨立音樂的重要基地之一。十年行舟，可不只單靠熱情二字。 text •yuiphoto •Oiyan Chan 介紹一下MOM的背景？最初為何會開一間Livehouse？  Ruff：MOM Livehouse始於2016年9月。在成為樂團演出場地之前，這裡曾是拉丁舞與社交舞的舞廳，這類舞蹈在八、九十年代曾風靡一時。進入2010年代後，這座商場如同香港許多老舊商場般，在商業層面逐漸過時。社交舞蹈亦早已退出時尚舞台，原有業務大幅萎縮。這為我們創造了契機，得以在2016年接手並改造空間，轉型為更適合樂團演出的場地。因此創立MOM的初衷，源於市場對小型平價場地的需求，以及這處空間的機緣巧合。儘管MOM livehouse即將迎來十周年，但我們多位技術人員參與音樂產業與樂團圈的資歷遠比這更為悠久。  近十年以來數算開過幾場騷？哪些是令你額外印象深刻的？  Ruff：我們由衷感謝多年來眾多主辦單位，將不同流派與國籍的樂團帶至我們這座樸實的場館。個人印象深刻的巡演樂團包括Yuck、Nothing、Japanese Breakfast、Motorama、Place to Bury Strangers、Japanese House、Cloud Nothings、Deerhoof…（這些演出皆屬MOM早期時期）。我們亦接待過眾多來自日本、中國、台灣，近期更有泰國樂團的演出。最後，我們同樣感謝所有曾在此演出的香港樂團，他們是本地音樂場景存續與發展的關鍵力量。我想強調的是，所有演出成就都歸功於歷屆及現任主辦方對本場地的信任與運用。要說哪場演出最難忘實屬不易，因為每場對我們而言都是獨特而重要的體驗。  當時中小型音樂場地的市場是怎麼樣的？  Ruff：場館與表演產業向來是各方艱難的領域，無論過去或現在皆然。如同許多其他行業，場館經營者、活動主辦方與樂團都必須面對財務困境及其他後勤問題。這使得推廣獨立音樂與非主流音樂，對許多相關方而言猶如逆水行舟。  中小型場地存在的必要？幾多場地才足夠？  Ruff：我們認為場館數量多寡——無論規模大小——僅是問題的一部分。因此難以斷言多少場館才算「足夠」。活動主辦方的數量、活躍在地樂團的數量、願意來港巡演的樂團數量，以及最重要的觀眾數量，同樣反映著音樂場景與產業的健康程度。  九展Music Zone結束後，當時中小型場地有過一段青黃不接的時期，當時擊退了許多搞手？  Ruff：我認為除了Music Zone的關閉外，香港樂壇多年來經歷了諸多動盪與困境。無論是場地經營者、活動策劃人或音樂人，在過去與現在都面臨著艱難挑戰，而 Music Zone的消失僅是眾多案例之一。尤其在近年經濟不穩與消費習慣轉變的環境下，生存空間日益艱難，導致場地與主辦方因財務風險而放棄經營。香港許多其他行業近年也面臨相同困境，但音樂產業的處境尤為嚴峻。  MOM比之其他場地，具備哪樣的特質？  Ruff：在我看來，無論規模大小，每個演出場地、每位主辦者、每支樂團，以及這個圈子裡每個參與者——無論重要與否——都擁有獨特的個性與掙扎，無論是機緣使然或主動選擇。我們只盼能盡可能長久地堅持所信奉的事物。  填充題，認為香港音樂場景欠缺____？   Ruff：與其說場景缺乏甚麼，場景最需要的其實是堅持。我們相信所有仍在參與場景與產業的人都在實踐這件事，唯有如此，我們才有機會在未來繼續做自己想做的事。 

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專訪本地獨立音樂團體 ZENEGIST識你佳：不只是音樂狂熱分子，更是「音樂恐怖分子」

「物相遇而後聚，故受之以萃，萃者聚也。」 成立於2013年的識你佳，由一群愛好音樂的高登網友組成，目前主要成員有11位。從本身志同道合的小團體，到開設專頁、自發籌辦演出，再到後來發展到開網頁與discord，識你佳經歷了好幾個階段的演變——如今他們已經不僅是一個團體，更是一個社群；某層意義上，他們正在以自己的方式，於香港堆疊音樂文化。非常同意有人形容，識你佳不只是音樂狂熱分子，更是「音樂恐怖分子」，因為他們對獨立音樂的熱情，不能單靠聆聽消化，而是需要透過各種形式，小至迷因大至演出，把他人感化至其信念世界當中。 text • yuiphoto courtesy of Zenegist 「其實我們的願望就是除了搞騷，更加想推多些人去聽音樂，讓整個音樂生態會更加好。就算一些音樂大家未聽過，但都會想有入場的機會，去嘗試聽一些新事物，這個是我們最想做的。」識你佳成員梅迪斯笑言，有時搞騷不過為了「自肥」，但也會盡量平衡收支。「識你佳這個團體比較特別，我們各有正職，也不靠搞騷賺錢，至少不是我們首要目標。因此我們搞騷的取態，更多是取決自己喜好。當然收支不均的情況一定有，但很難預計，我喜歡聽某些樂隊，但不代表香港有那麼多受眾。我覺得更加重要的是你要做一個市場調查，不能只根據自己的口味，而是也要聽很多身邊的朋友有沒有聽過這名字，所以我們都很努力去建立一個community。」 自2017年籌辦第一場演出，識你佳如今已經經驗老到，是業內資深搞手之一。而作為搞手，識你佳如何定義中小型？梅迪斯會認為，中小型場地的定義主要取決於規模：「例如紅館這類大型場地可容納約二千人，對我們而言已屬大型。由於我們過往舉辦的演出多為知名度較低的樂隊或樂手，觀眾規模通常僅三位數，約一百至六百人，因此我們將這類歸為小型。若要明確定義，我認為容納一千人以下的場地即可稱為小型。」 然而場地當中亦再細分，因為某些場地不僅作演出用途，還會提供餐飲服務；也有些場地本質為體育館，需自行搭建音響與舞台——這些場地在他的定義中，都不歸類為Livehouse。除此以外，也尚有一些非正式的演出場地，因為未能得到牌照，只能夠以閉門方式進行。「其實我覺得目前小型場地算是足夠，但它是能否很容易被人接觸到，我又有所保留。譬如爵士樂場地，大眾或者能夠說得出翻騰、Coda這些場地的名字，但一些較為另類的音樂就不然。而政府場地如西九大盒，大多數時間都是政府項目優先使用，雖然任何單位都可以去接觸洽談，但通常這些場地都是早三四個月甚至一整個季度預定場地；然當時間一旦拉長，對於主辦來說有更多不確定因素。」 而籌辦一場外隊的音樂演出，事前準備亦都不少，包括與外隊溝通、擬定演出細節，還要申請簽證、為外隊安排住宿交通、處理票務等。其中預定演出場地是一項頭痛事，梅迪斯表示：「像現在人氣很高台灣樂隊Deca Joins，我們第一次邀請他們時，是連同落日飛車和午夜乒乓一同演出的。當時尚有TTN（This Town Needs），那個場地大概能容納五六百人，賣不完票可能入場都有三四百人；時隔幾年之後他們成名了，再來香港就已經要來到麥花臣開連續兩天，那個人數有十倍的上升。我們通常事前都會跟樂隊有一定的溝通，詢問他們對場地的要求，也會從音樂串流平台收集聽眾數據，然後再用這些數據來決定場地。比較新晉的，可能會放在類似MOM Livehouse這樣的兩百人或以下的場地；第二次來了，有一定的觀眾，我們可能就會幫他們找再大一點的場地，可能開到五六百人這樣，然後一步步地升上去。」 梅迪斯指，疫情後開始有不少新的主辦單位自發舉辦Liveshow，「譬如以前TTN還在的時候，明顯是會辦一些自己的樂隊或者band sound的音樂；Hidden Agenda就會有些post-rock、比較多元化的東西。但我近幾年觀察，如今這些音樂面向更多是來自主辦方，演出場地反而沒有一個很確定的定性。幾年來一些唱片店如infree Records、Desperate Records都會自己搞騷，此外也多了很多人嘗試在不同的場地搞活動，挺好玩的。」被問到香港indie scene還全缺甚麼，梅迪斯思考半秒後回答：「我會說是聽眾吧。雖然每年都有增多，而且他們的深度也不斷增加，就是會越發覺得越多、也聽得越來越深，但始終都還沒到一個很普遍或者很盛行的地步。」 他續說：「我會觀察到大陸和台灣，其實都已經有一些很平民化的走向，但是香港還沒有，所以我都是會說聽眾其實最重要。而個人來講，我會認為票價都是一個內憂外患的問題。明明是同一場演出，票價可以有很大落差，香港賣六百多、大陸賣一百多，有這樣的差異，作為觀眾的觀感或多或少會質疑定價的合理性。有時這些事情也很依賴主辦怎看市場，但我會覺得這是一個不健康的現狀，變相是推高了觀眾聽音樂的門檻，更將高定價這件事日常化了，形成難以逆轉的常態。雖然我都會覺得，如果你認為在紅館看一場演出都是六百多，那麼對indie artists給出相同價錢，也應該是合理的，因為他們也有相等的付出——但我不知道這些經濟支持，實質上有多少能夠被artists收取。」

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