《那年盛夏我們綻放如花》改編自何肇康以筆名「何晞賢」創作的原著小說《已讀不回死全家》，2017年連登連載，2018年出版小說。要改編成為劇集，由於電視播放，始終難以用「死全家」作為劇名，加上ViuTV本身在2018年已有一套電視劇名為《已讀不回》，結果「已讀不回」不行，「死全家」又不行，變成了《那年盛夏我們綻放如花》。 《那年盛夏我們綻放如花》到底說了甚麼？那年盛夏是哪年盛夏？我們泛指誰人？綻放了甚麼？如花即是甚麼花？觀眾們有不同解讀，原作者變身編審，拍過《手捲煙》的陳健朗擔任導演，兩人主理這部驚慄青春校園科幻殺人劇，看似科幻，更似寫實，香港觀眾很有共鳴。 故事由一班中六學生暑假回校時說起，全班同學被加進即時通訊名為「已讀不回死全家」的群組，違反遊戲規則就會即時死亡，爆頭血花四濺，綻放如紅色彼岸花。要成功生還，就要遵守admin定下的遊戲規則，包括不能對外洩露群組存在，並達成勝利條件。學生們為求保命，既想找出admin誰屬，又嘗試找出規則的漏洞，但admin權力無限大，隨時可改變規則，並向不同學生派發個別任務，任務失敗就要爆頭。 被不幸選中的都是中學生，故事從而帶出校園欺凌自殺案，有人加害施襲，有人視若無睹，有人已讀不回，但他們只是個孩子，成年人沒正視事件或解決不來，中學生就利用尖端科技，玩奪命遊戲解決問題，讓一個個同學不得好死。 《那年盛夏我們綻放如花》的溝通工具，以至殺人武器，其實都是電話，正所謂全個世界都有電話，當權者結合AI最新科技、強力部門的滅聲網絡，以及所謂的公關技巧，讓那年盛夏發生過的每一件事，變成一件件聽起來合理但死無對證的偽真相。通過對人類的心理分析，深信世人為過正常生活，經過時日會逐漸放下對正義良心真相的追求，所謂的面對現實，但看過《東邪西毒》就知道——人最大的缺點，就是記性太好。 陳健朗畢竟是拍過電影長片的導演，無論選角、講故事技巧，以及拍攝、剪接、選景、美術等各方面都是完整及有要求，再配合原著小說的完整骨幹加以改編。劇集想講的訊息，並非用一兩句搶耳對白來說得好白，而是透過整個故事層層遞進。 從一開始學生被捲入死亡遊戲，到慢慢獵巫搵admin，中段帶出各人之間的恩怨情仇愛恨瓜葛，身邊同學死傷無數，為求自保各人取態不一，有人熱愛和平，有人積極反抗，有人想保住最多同學生還，有人只求自保，有人殺得性起，有人繼續無知⋯⋯ 讚美背後，要在香港有限地方、資源及條例下中拍成劇集，難免有很多前作的影子。除了原作者說過的《Another》，最明顯相似的是《大逃殺》、《國王遊戲》，到後段柯狗與臭輝根本就是《死亡筆記》夜神月及L的造型，始終同類型題材，容易令人聯想相近的日本出色作品。 說到尾，最容易是說那句「明就明」，不必說得太多，無謂不斷對號入座，只好如常生活下沒有選擇遺忘。現實如故事一樣，那年盛夏剩下來的人，分別像何晞賢、何晞媛、白卡勇、Crystal等選擇不同方式活下去，而每個年代亦有勇敢的楊悅盈。又或者，故事中最後最有可能改變大局的，其實是有本錢要脅及進行談判的Jessica，雖然好多人一直罵她。 從《已讀不回死全家》到《那年盛夏我們綻放如花》，由意念到寓意至執行絕不容易，能夠在今時今日呈現成為水準不低的作品。慶幸ViuTV拍出一部好像《天與地》的劇集，歷史不停重複，那年盛夏可以泛指不同年份不同年代。劇集雖然仍有漏洞，但比起拍出好看的劇集更難。能夠成功引起話題及共鳴，《那年盛夏我們綻放如花》之所以能夠被譽為神劇的原因莫過於此。

近年AI開始作為工具融入所有人的生活，在各種範疇開始衝擊著我們的生活，在大家正為尹光AI的歌聲捧腹大笑，荷里活電影人發起業界63年來最大工潮，其中一個苦思，正正是要討論如何減少AI對電影的干涉，除了因為它威脅著編劇及演員的生計。 著名驚慄小說家兼編劇Stephen King亦都開腔表示，「極難相信，在AI實現真正的意識之前，它能夠真正進行任何寫作。我讀過由AI寫的詩，風格類似威廉﹔布萊克（William Blake），它們有上帝元素和羔羊元素等，但卻不一樣、甚至不接近。其實就像百威啤酒和雜牌啤酒之間的分別，即使。兩者一樣會讓你酩酊大醉，但它們並不相同。」 除了文字工作者表達憂慮之外，隨著人工智能在影像創作達到驚人的進步，鬼才導演Tim Burton也表示對它有所保留。早一陣子社交媒體上流行一系列的AI生成影片，讓將一些迴異的IP、影像元素、風格組合起來，通過演算法和模板自動化設計成短片。 Tim Burton早前受訪時，指自己「如果Tim Burton拍迪士尼電影」的AI短片，他表示，「難以形容它給你的感覺。這讓我想起以前相機還未普及時，一種文化的說法——『不要拍我的照片，因為它會帶走我的靈魂。』AI所做的就是從你身上吸走一些東西。它從你的靈魂或精神中拿走一些東西，讓人太不安了，尤其是跟你有關的時候。就像一個機械人奪走了你的人性和靈魂。」 但在奪走人性和靈魂之前，或者在這種技術下，我們首先失去的是學習與創作能力。當我們全盤接受了AI帶來的方便快捷，當我們全盤接受AI能夠代勞一切生產工作，我們獲得了更多答案，卻不再向自己提問。隨之而來。人類的光芒亦都漸漸消失，在短暫生命中碌碌無為沒入死亡。 以往筆者在一次楊德昌的電影專題訪問中（專題原文載於250期《JET》），舞台劇導演林奕華引用《一一》來回應AI的問題，大概能夠為這AI的話題做出一個好的總結。 「《一一》的大田先生對我來講，就是NJ的某一種阿童木。他說沒有必要去害怕 未來，因為每一天醒過來都是新的一天，也告訴他說找到了一個方法去認知所有的未知。那個撲克牌其實就是一個比喻，每個人都沒有辦法猜中牌是甚麼。就 算你猜得中了，也不可能每一次都猜得中。」 「我們每一個人應該去通過問自己問題去找到答案。但是如果我們永遠都問別人問題，希望別人能提供答案給自己，那 就會是NJ不快樂的那一種人生。AI的出現本來是為了幫助人去找更多的問題，然後得到更多的答案去問更多問題。可是如果人只是希望得到一個答案的話， 那就糟糕了，因為這個AI真正的潛能跟用處就會被誤用，甚至被濫用。如果人能夠好好對待自己的話，那我們的AI就不會是一個可怕的AI，但是如果我們也在剝削自己，濫用自己的某些東西，又或者我們一直都濫用我們以外的世界填補不足，那AI就只會是我們的mirror image。」 「因為，我們都是通過輸出給這個世界的一些訊息，來形成一個大數據，所以如果人人都是負面的話，這個AI怎麼可能會好呢？AI最了解你的弱點在哪裡。他本來可以是中性的，可是卻變成了一個 被異化的科技，這才是最可怕的地方。」   View this post on Instagram A post shared by JET MAGAZINE HK (@jetmaghk)

《ONE PIECE》陪伴很多人的成長，但原著漫畫話數及動畫集數至少千集，起動門檻太高提不起精神，直到Netflix推出真人版劇集，第一季共有8集，既是撮要，亦是重燃興趣的開端。 《ONE PIECE》由Netflix製作拍攝真人版劇集，花費史上歷來最高的製作費，每集1,800萬美元（1.4億港元）成本，8集已是超過10億港元的超巨型製作，眼光放眼於全世界，就像主角路飛/魯夫一樣，展望踏上偉大航道，進軍國際的每一角落，目的當然是鞏固粉絲以外，還要吸納更多更新的觀眾群。 芸芸動漫之中，《ONE PIECE》本身改編成真人版並不容易，航海世界無遠弗屆，像主角路飛/魯夫有如橡膠一樣伸縮自如的能力，真人版必須配合特技相助。幸好，真人版早獲原作者尾田榮一郎全程監督，拍成劇集亦被粉絲喜愛，至少沒有其他真人版動漫如《聖鬥士聖矢》、《鋼之鍊金術師》等，被評為失敗及不倫不類。 《ONE PIECE》是非常成功的長篇漫畫，今次真人版取得成功，第一原因是，它不像其他日本熱血動漫，故事發生於日本國土。《ONE PIECE》的世界觀巨大，放眼航海世界，人物角色亦非日本人專利，因此今次Netflix選角不必限於挑選日本演員，集合各國的精英，總之就是找出最適合角色的演員，因此沒有不倫不類的感覺，尤其真人版路飛/魯夫由墨西哥新生代演員Inaki Godoy演出，選角應記一功。 航海故事在歐美並不陌生，荷里活早有《加勒比海盜》（魔盜王）系列的成功例子，Netflix製作上肯定有參考這部巨作，平衡豐富的航海奇幻元素，卻不至於過火誇張。至於人物關係的描述，的確有點像《少林足球》一眾師兄弟歸位的感覺。 《ONE PIECE》原作者尾田榮一郎曾經說過，一直不覺得作品可以改編成真人版，直至他看過《少林足球》後，才相信有可能成真版。於是，《ONE PIECE》真人版每集以招攬一個「師兄弟」加入草帽海賊團為核心，講述各人身世並引領出其他海賊、海軍、革命軍和世界政府等其他角色登場，以路飛/魯夫為核心出發，一步步向「偉大的航道」航行尋找ONE PIECE秘密寶藏。 《ONE PIECE》真人版眾多角色之中，網上熱度最強，並非主角路飛/魯夫，而是以卓洛/索隆。真人版索隆是劇集中5位主演中唯一的亞裔演員角色，由美籍日裔男演員新田真劍佑飾演，最為劇迷談論的是，新田真劍佑是「雄霸」千葉真一的兒子，難怪亞洲觀眾甚至香港觀眾，看來特別有感覺。 娜美/奈美是另一備受談論的角色，作為不少青少年的女神，娜美由美國女星Emily Rudd飾演，劇中她沒有動漫版本中的性感火辣，但劇外的Emily Rudd真人其實不差，不少觀眾批評劇組特別糟蹋了娜美一角。不過，Netflix始終希望劍指最多數的觀眾，性感度減少實屬正常，比漫畫保守得多，絕對是意料中事，尤其第一季講述她滿懷心事，背負喪母救村的重責，美貌與身材並非最佳狀態，唯有寄望第二季大膽一點。 《ONE PIECE》今次進軍Netflix，相信成功吸納了一些從未看過動漫的新觀眾入坑，與一眾海賊王主角踏上偉大航道，展開這段航海之旅。要知道《ONE PIECE》只是第一季，故事情節還有很多，正如追夢過程中漫長而不休止，Netflix啟航後相信長拍長有，絕對是一次長征的大成功。

2019年上映的台劇《想見你》以驚喜反轉的劇情，成為了當年口碑之作，劇集除了開拍電影版外，更被韓國買下版權翻拍成《走進你的時間》。劇集最近於Netflix正式上架，不但找來安孝燮、全汝彬主演，更完美重現台灣版的經典劇情，讓觀看時更有驚喜！ 《走進你的時間》由安孝燮飾演許光漢的角色，全汝彬則是柯佳嬿的黃雨萱、陳韻如角色，而姜勳則飾演韓版「莫俊傑」。《想見你》當年因為「燒腦」劇情被大讚，更被稱為近年數一數二的神劇，難怪大家對韓國版期待值爆表。 刻意加入電單車情節 原版《想見你》有不少電單車的情節，其中男主角李子維與陳韻如開始熟絡，全因一次陳韻如沒有趕上校車，李子維與莫俊傑騎着電單車經過，順道載她上學。韓國的電單車文化沒有如台灣般盛行，《走進你的時間》為了忠於原著，特別加入電單車情節，而安孝燮與姜勳也因此特別接受兩個月特訓，學習駕駛電單車。 New Jeans 演繹穿越神曲 《想見你》中的女主角，因為聽到錄音帶播放伍佰的《Last Dance》而開始穿越回到1998年的旅程，當年的一句「所以暫時將你眼睛閉了起來」幾乎每集必播，更讓歌曲相隔20年再度爆紅。而《走進你的時間》則換上1996年的歌曲《Beautiful Restriction》，不過相對原用舊版本，劇集特別找來人氣新女團New Jeans重新演繹。 百分百還原海邊告別 男女主角海邊告別的一幕，絕對是劇集一大高潮之一，《走進你的時間》當然也有加入此場景，同樣於海浪的相伴下，來一場最後的約會，並作最後的告別。兩個版本一樣將李子維與黃雨萱甜蜜又不捨的感覺呈現。 不過在重現經典的同時，《走進你的時間》也加入了不少韓劇浪漫的元素，包括櫻花樹下的生日派對，還有戴頭箍到遊樂園玩等，更有韓劇特色。 兩個版本的大結局也稍有不同，於1998年的男、女主角決定將錄音機銷毀，讓將來的穿越事件不再發生後， 《想見你》的李子維於28歲生日時，獲當時仍是高中生的黃雨萱為他慶祝，可見他們即使沒有穿越，但一樣能夠相遇，甚至已經相戀。至於《走進你的時間》，男主角南時憲則於巴士上巧遇現代的韓俊熙，更追下車與她對話，雖然當時的俊熙並不認識他，但也對應到他於穿越時向俊熙說過的話：「我保證，我一定會找到妳，無論妳在何時何地，我們一定會相遇，我會來到妳身邊，走進妳的時間！」 雖然劇集還原度甚至高，但《走進你的時間》也有被指相對失色的場景，就是男主角成年版的造型！台版許光漢飾演的中年李子維，以白頭髮和眼鏡登場，既有成熟感，但也不失帥氣，不過韓版的中年南時憲，卻被指外型大崩壞，留有一頭長髮的安孝燮不修邊幅又留鬍，被網友取笑為「中年流浪漢」、「乞丐子維」，更有人指：「男主角只是變老，不是變野啊！」相對之下，台灣版的中年造型順眼得多了。 《走進你的時間》在盡力忠於原著《想見你》的同時，也不忘作出更符合韓國背景的設定，如女主角由到上海出差改為到紐約；男主角最愛吃鍋燒意麵變成炸醬麵；童年版的女主角也由買白糖糕變成買辣炒年糕，與高中時的男主角第一次相遇。改動既不會對劇情有太大的影響，也更貼合主角的角色背景設定，你又喜歡《走進你的時間》嗎？

現任西九文化區管理局當代表演藝術主管龔志成（阿龔），自2015年起，已被西九文化區管理局委聘為藝術策劃人（音樂），策劃過：自由野、自由約及自由爵士音樂節等等。其中以自由爵士音樂節，在兩年疫情的影響哈，將規限演化成種種契機。不能邀請外國樂手？焦點放在本地樂手！突破框架，奏出新意！ 「這幾年來，我搞爵士音樂節，主要節目都希望能放在戶外舞台。西九有一個好好的條件，就係擁有香港最好的戶外環境。如今疫情已過，就要力推。」阿龔強調，西九漸漸成為香港一個獨特的爵士音樂表演地方。「今年十月舉行的自由爵士音樂節，共有三個戶外表演舞台。戶外舞台的優勢（也是西九的優勢），就是當天氣好的時候，售票節目的觀眾可以坐著、臥著享受音樂，甚至可以野餐一頓。其他路過的，小朋友可以在音樂中玩耍、有寵物的又可以帶牠們到來散步，體驗音樂，感受音樂。」 text ．大秀photo ．受訪者提供 香港爵士樂手演出的場地，早年數有Rick’s Café、Jazz Club一類正統駐場表演，後來有Fringe Club、Grappa’s一類場地……八十年代還有煙草商贊助的時期，有銳意促成港日交流的Mild Seven Select Live Under the Sky曾在伊館舉行，演出陣容強勁有Miles Davis、Wayne Shorter、Pat Metheny等巨匠來港。最後，正路又能迎合藝術節/音樂節格調的場地，有大會堂演奏廳（我睇過琴手McCoy Tyner、渡邊香津美/包以正/Jack Lee的『結他三國誌』）、文化中心音樂廳（我都睇過才女Esperanza Spalding、已故Free Jazz巨人Ornette Coleman）等等，但樂迷對這兩個場地的聲效有意見，可圈可點。 「原音」這個問題…… 「事實上，大會堂、文化中心，屬於傳統音樂廳（Concert Hall），是一種十九世紀早期的概念，為古典音樂、管弦樂團演奏會而出現。」阿龔說，「至於爵士樂進軍音樂廳呢，要回溯到三、四十年代，例如紐約的卡內基音樂廳（Carnegie Hall），它是古典樂最重要的音樂廳之一。情況好有趣，將爵士樂演奏帶進卡內基，令它本應好草根、屬流行文化的狀態，提升到神檯級的狀態……」 阿龔說，時而至今，每當他到音樂廳欣賞古典音樂表演時，仍會疑問：廿一世紀依然用音樂廳這「格式」嗎？「當然啦，古典樂演奏講究求原音（acoustic），因此衍生出專門設計音樂廳的聲學工程師（acoustician）。現時世上最著名、最頂級的聲學工程師應該是豐田泰久（Yasuhisa Toyota）博士。有這樣的神級人馬出現，全因音樂廳是一種控制環境（controlled environment），有好多規範。」 阿龔舉例，幾年前法國巴黎的巴黎愛樂廳（Philharmonie de Paris），它由一棟舊建築物改建，也是經豐田博士「調校」。阿龔說：「有趣的地方是，音樂廳內樓座（Balcony）部份，往下眺觀眾的視線差不多完全受阻，看不清楚演出樂手，但如此設計主要是聲學的考量。對觀眾而言，要犧牲『看』的質量？還是該犧牲『聽』質素呢？」 「但爵士樂原是流行文化內音樂文化的一種，本應在酒吧或更普通的LiveHouse演出，觀眾多數吃一口煙、一呷啖酒、跟朋友傾計聽音樂。西九也有留白Livehouse，以爵士樂表演為主，坊間我想到最接近的同類演出場地，應該是中環的Salon 10。爵士樂，就是有這種包容性，可以好貼地，在華麗音樂廳、罨耷茶餐廳或者更意想不到地接地氣的場所（例如：Innonation的Justin Siu蕭偉中的Jazz From the Ground Up曾在源興隆麵家搞演出），一樣可以表演！」 場地．意識 說到音樂跟環境的關係，我想到阿龔之前參與油街實現的「一景．二聲」–該表演著重體現site perceiving（場地意識）這想法。油街原本是個貨倉，它不只是一個古蹟，亦處於一個給高樓大廈包圍著的狀態，又像地產商出於憐憫留下來的歷史建築，凸顯了香港城市發展一種特殊現象。 「我原本的構思，讓觀眾先在油街的中庭，欣賞一班音樂家演奏我創作的樂曲，再走到附近的天橋上–一次視角（perspective）的轉換，由『裡面』走到『外面』回望觀察，欣賞另一個表演。」阿龔說，觀眾窺見城市景觀（Landscape），望向中環、灣仔，整個視野也改變起來。「將音樂與周遭環境聲音『融合』，拼奏出獨特的感覺。可惜疫情出現，表演改為用三段影片來代替，核心仍是由油街走到海邊回歸大自然的旅程，我會形容是一種冥想（meditation）的表現。」阿龔說。 這種音樂跟環境的關係，延伸到阿龔考量如何運用空間，「2009年，我在藝術中心正門前的公共空間做街頭音樂表演，主因是當年時代廣場帶出一個『公共空間』使用的討論。我向藝術中心提出，不如將中心門口的公共空間借給我來搞一些音樂表演，我想找出音樂表現（music expression）或音樂演奏（music performance）與環境的關係。」 2013年阿龔又在灣仔藍屋策辦過表演。「藍屋處於民居，有老街坊、也有年青人進駐，這狀態令我覺得：要尊重那個場所的文化以及人文的關係。同樣的思考，我套用在西九節目的策劃之上–怎樣善用藝術啟動西九每個角落？我辦爵士樂音樂節，目標要令爵士樂Fans之外，例如，那些在音樂節舉行時『咁啱』在西九出現的人，讓他們發現有精彩出色的音樂表演，懂與不懂爵士樂，體驗同樣的感動。就連在附近奔跑遊樂的小朋友，音樂悠揚像微風吹拂身旁，好舒服，然後，他們一直也會記得這種與音樂有關的愉快感覺。」 Better to burn out than fade away？…

爵士樂是一種音樂流派，關於「jazz」的詞源說法不一，但普遍指出「jazz」與十九世紀六十年代的俚語「jasm」有關，意思為「鼓起精神，能量（pep， energy）」。而追溯到最早的書面紀錄，jazz 一詞最早出現在 1912 年《洛杉磯時報》一篇文章裡，作者以「jazz ball」去描述美國職棒小聯盟投手的球路：「因為它一直在擺動，你基本上對他束手無策。」一句毫無關係的話，卻朦朦朧朧為這種音樂捏出了形狀。 至於關於對 jazz 一詞的音樂闡述，則被發現在 1916年《時代花絮報》一篇寫「jas bands」的文章，裡頭寫到百老匯對「J-A-Z-Z」一詞的誤用。原先這字應該拼寫為「J-A-S-S」，但後者因為語意不雅而被取替。所以《Blue Giant》故事裡頭主角的三人樂隊以「JASS」命名，也是耐人尋味的一個細節。而關於爵士樂的起源，音樂上的解釋是來自於爵士樂起源於藍調（Blues）和散拍（Ragtime），而人文的解釋是來自貧窮，黑人奴隸在美國內戰結束後得到自由，以音樂去解放自己，成為了爵士樂。 爵士樂是難以被定義的音樂流派，因為當中橫跨大段時間的音樂歷史及敘述，任憑大家去定義，這裡不作贅敘。爵士樂流派當中還有不同類型，包括搖擺大樂團（Big band swing）、波普樂（Bebop）、酷派爵士（Cool）、硬博普樂（Hardbop）、後咆勃（Post-bop）、自由爵士（Free Jazz）、融合爵士（Fusion）與當代爵士（Contemporary Jazz）等，而各種類型當中又會有不同分支，可以說是千絲萬縷的聯繫。可以說，人類歷史如何發展，爵士樂也一同與人類生長、演化、衰退、重生，直至永遠。 香港雖然不過豆大，卻又因為經歷過港英殖民時期，成為東亞地區最早接觸爵士樂的地區。爵士樂在香港的發展就好像一次內循環，一時興旺，一時衰弱。自1930 年代，以爵士樂為主題的餐飲事業始崛起，為居港英人及英國水兵提供娛樂；1950 年代至1960 年代，在潛移默化底下，華裔的爵士樂愛好者漸漸增加；再到1980 年代，香港電影工業進入黃金時代，爵士樂被大量採用於電影配樂。似乎每二十餘年，爵士樂便在香港渡一次Solo Section。 本地爵士樂主要演出場地 香港的爵士樂表演場地不多，但就好像不同性格的人有不同的臉孔。這些場地有部分「身兼多職」的，晚上是演出場所，白天是別的用途，有著許多的面向；部分是孤芳自賞的，不作宣傳不公開地點，作風極為低調，好的音樂只願為知音人而奏；也有部分是以人為本的，聽者好像比起演出更為重要……但無論哪樣的面貌，這城市都需要這些場地，讓一眾爵士樂手能夠一展所長。 翻騰三周半Fountain de Chopin｜新蒲崗啟德工廠大廈1期B座6樓 本地爵士樂普及團體除了在社交媒體上傳播有關爵士音樂的知識，翻騰三周半以「聽爵士，彈爵士，翻騰三周入未知」的主旨運營，舉辦不同類型爵士樂活動，除了音樂單位演出，也包括Jam Session、自由即興等，同時也設有排練室租借，全方位支持本地爵士音樂家的原創作品和表演。 細蓉xs@Wontonmeen ｜深水埗荔枝角道135號 座落於深水埗舊樓的Wontonmeen，取名自香港地道美食雲吞麵的英文譯音，細蓉除了是一所青年旅舍，也是一個音樂演出場地。這裡平均每個月有2-3場演出，當中絕大部分都是以爵士樂為主，當中邀請的樂手更不只本地樂手，而是來自五湖四海。 Lost Stars Livehouse Bar & Eatery｜大角咀利得街11號利奥坊一期地下506號舖 處於舊區重建的大角咀，Lost Stars有美食有音樂更有態度。雖說是Bar & Eatery，不過Livehouse的身分似乎更重要，在場地看演出要遵守house rules，表演時段不點餐不入新客，需要保持安靜；表演完畢才如常下單聊天 。場地音樂表演類型廣泛，而且頗為頻密，當中不乏本地爵士樂手的演出。 Ned Kelly’s Last Stand｜尖沙咀亞士厘道11A號 Ned Kelly’s Last Stand 是香港最古老的爵士樂酒吧之一，由1972年開始營運，為客人提供澳洲美食以及最好的爵士樂。駐唱樂隊China Coast Jazzmen…

現代的爵士樂就好像披上的city boy服裝，皮下卻藏著古老靈魂，叫人意想不到。這種反差恰好也是本地爵士樂普及團體「翻騰三周半」（下簡稱翻騰）予人的印象：明明上一刻還在打趣食字「色即士風風即士色」﹐下一刻就一本正經談李小龍truth and beauty的美學。與翻騰交談的氣氛，就如左手一串咖哩魚蛋，右手一杯86年Lafite，調皮好玩和優雅知性進入了即興樂段。 text yuiphoto Oiyan Chan 翻騰三周半 翻騰由七位爵士樂樂手成員一起創立，由外文名Fountain de Chopin 已經體現出他們的不安分。「Fountain」是要向杜象（Marcel Duchamp）的叛逆之作〈Fountain〉致敬； 而「de Chopin」是借用蕭邦之名，寓意從古典樂翻騰到未知，探索未知的爵士樂世界。其實自好幾年開始，團體已經在網絡上去分享一些爵士樂知識與資訊。 去年，翻騰原先的Band房完約，需要另覓地方，又考慮到團體往後也需要租 用場地活動，成員們開始有將排練與演出場地「溝埋做瀨尿牛丸」的想法。最後翻騰輾轉搬到新蒲崗五千呎工廈現址，翻騰的活動也開始「實體化」，除了租借排練室給樂手使用，也舉辦爵士樂相關的音樂演出及活動。 空間變大，可能性也變大。成員兼鋼琴樂手Bowen 說，最初場地大致就是往表演、教育與租場三個方向走。 「其實我們本身沒打算要把翻騰當一個business去營運，只想著如果我們可以不花錢，又有自己studio可以練習，就已經算贏。」但發展下去又會發現一些合作機會，成員兼鼓手Dean表示：「一開始主要還是集中圍繞在爵士樂，但後來又發現，其實很多不同界別的藝術家都可以在這個場地發展所長。譬如黃衍仁（獨立音樂人），他可以在這裡舉辦一個自己的專輯專場；又譬如之前有一個叫作GO OFF 的Hip-hop band，也在這裡舉辦過跳舞派對。我覺得這些活動都令到這個地方變得更多元化。」 事實上，翻騰自家也有常規節目，譬如頭號節目「Live at Jim Hall」（Bowen特意提醒大家，其實Jim Hall就是翻騰場地，希望大家不要誤會它是別處），逢周五邀請不同單位來表演爵士樂；「翻騰舞廳」邀請本地Swing dance 舞者隨音樂起舞；全新的 「Fountain academy」則是為期三至四個月的課堂，開班 授課幫助有志者玩爵士樂，需要事先面試；「爵士不保留」是大師分享會， 找來業界的人物來聊聊爵士樂。至於「淺水區」、「1.5米標準池」、「公海」，其實全部都是Jam session，由「淺」入「深」區分，讓不同程度的人按能力加入。 成員兼色士風手Brian表示，這些幽默節目名全都是包裝，配合著翻騰標誌的跳水聯想：「我們還未租這個地方之前，其實已經在Dean 的band房舉辦Jam session。」 至於「鄧不利多的即興時鐘」，其實由喜歡Free improv（爵士樂自由即興）的成員Micheal構思出來。Bowen笑指， 其實鄧不利多就是在投射資深音樂人龔志成先生：「因為阿龔很喜歡Free improv，亦都好積極推廣Free improv。 同時Free improv 還真的有點魔法世界的味道，整個設定都有些群魔亂舞的感覺。 」 叉燒飯的滋味 「我不敢說是教育公眾。但其實就好像我好喜歡吃這個叉燒飯， 所以想告訴其他人這個叉燒飯有多美味。」Dean形容，翻騰是一個passion project。在香港，爵士樂不算是主流的音樂流派，而且普羅大眾對這種音樂亦有刻板印象，認為爵士樂是遙不可及的、難以了解的。「對多數人來說，那是比較抽象的藝術形式； 而愈是抽象的事物，就愈難去告訴別人它有多好，因為一定要 自己去經歷過，聽眾才能夠恍然大悟、取得聯繫。或者有人覺得爵士樂門檻很高，但其實只要有聆聽的能力，你就有感受音樂的能力。」 那麼香港爵士樂還差些甚麼呢？…

跟爵士結他大師包以正（Eugene Pao）見面做訪問，在我腦海浮現的「問題」，除了跟結他/結他器材有關，竟然想問他當年為蘇永康一些Jazzed Up的歌彈Solo時的處理方法！「其實唔容易，」Eugene說，「首先，Ted（Ted Lo 羅尚正）是個很specific的人，他要我彈和弦有指定位置。（笑）雖然是流行曲，是很Light的爵士樂風，但彈Solo部份只有八個小節，我的想法是：不是每位聽眾也懂爵士樂，若我一開始就彈艱深的句子，可能就嚇怕人了！」 Eugene強調，框架細，就要更細心處理，「我要令句子有更好的舖排，循序漸進，要留一個好的感覺給聽眾，solo最好要他們記得入腦、唱得出來。咁樣，我就成功了！畢竟只有八個小節，時間有限啊！」在《藍色巨星》中，主角宮本大也是因為一段色士風Solo而迷上爵士樂。 腦海「那種感覺」的衝擊及爆炸力，非同小可！ text 大秀photo Ho Yin 對於音樂的喜好，Eugene說，開始時係要聽Rock n Roll。「我完全係聽搖滾樂長大，對我來說，玩音樂是其次，聽音樂才是我的『首席』愛好。疫情期間，一切停擺，反而給予我很大的空間去認真聽音樂。」Eugene喜愛The Beatles、Deep Purple、Led Zeppelin，「就是聽得多，真的聽很多，才啟發我去彈結他，我想彈我愛的音樂。聽音樂，彈奏音樂，相輔相承。」 Eugene說「執Solo」才是他學習的原點，「Jimmy Page藍調根底，Richie Blackmore甚至帶有古典音樂元素…… 但學下去，還是覺得有規限，於是在開始聽Progressive Rock，例如YES、King Crimson，更複雜更有創意。再來，唔夠喉，就聽當時流行的Jazz Rock/Fusion，如Return to Forever（有Chick Corea）、Weather Report和John McLaughlin那一隊The Mahavishnu Orchestra，當年，這三隊樂隊再銷量和現場演出的受歡迎程度，可跟流行搖滾樂隊爭一日之長短。這些樂隊，慢慢引領我走向爵士樂之路。」 由Super Group開始 《藍色巨星》電影結尾，宮本大展開他的海外之旅，先進軍慕尼黑。Eugene呢，就是到美國讀書才成就他的音樂旅程。「老實講，若當年我無去美國讀書吸收更多音樂的養份，好可能，今天我就不會跟你在此傾音樂了……」Eugene說。要講Eugene完整的音樂路，篇幅不夠，反而，我想由他的Fusion樂隊Outlet講起，可能因為Outlet跟《藍色巨星》裡由宮本大、澤邊雪祈和玉田俊二組成的Jass樂隊一樣是三人組合，有技術有野心，每個人對音樂的追求和理念，組合出一條完整又貼地的音樂路。 Outlet也是我接觸Eugene音樂的起點，「你知道Outlet這專輯封面的畫、內頁的照片以及我不清楚有沒有人知道存在的MV是出自誰人的手筆？是杜可風！」Eugene表示，當年華納唱片的首任董事總經理是由EMI轉職過來的Paul Ewing（高佬）指名要簽他到華納旗下，「但我當時跟江港生、Johnny Abraham組了Outlet，我希望能以這樂隊名義出碟。高佬說，可以，但重點仍需要在你身上。因此，你見封套上寫著Outlet Featuring Eugene Pao。」 參與Outlet的樂手簡直令人瞠目結舌，先是隊中低音結他手江港生（Tony Kiang），後來加入了華星成為了著名監製，鄭秀文出道首張同名專輯《Sammi》內部份歌曲、《Holiday》、《Never Too Late》及《鄭秀文的快樂迷宮》三張專輯全碟也是由他監製。「當時呢，江港生主要跟夏韶聲夾Band唱夜總會。Outlet之後，他加盟了華星成為了頂級監製，現在退休了，好像在英國。」 膽粗粗 客席Outlet這張同名專輯的樂手，先有對香港樂壇極為重要的鍵琴手/音樂總監/編曲者Roel Garcia，「Roel對香港Canto Pop的貢獻簡直強大，早前，我夜晚睇電視『飛台』之時看見他當上溫拿樂隊演唱會的Band Leader。去年，我跟Roel在夏韶聲：《諳1》重聚音樂會上又玩過一轉–夏韶聲這Acoustic Jazz系列也是經典。」 再來，就是世界級爵士次中音色士風手Michael Brecker的參與，「我已經好仰慕他，差不多我聽Jazz時已經知道他的大名，一直好想可以跟他合作。製作Outlet這專輯時剛好他來香港做Simon and Garfunkel的演唱會，是華納旗下的。於是我就膽粗粗問高佬，可否跟他講香港有一隊Fusion樂隊，希望他能客串吹一首Solo？點知他一口就答應了！我仍記得當晚在錄音室，整首〈in search…

看程家慧（Chemie Ching）吹色士風，真的，令我馬上聯想到最近上映的漫畫改編動畫電影《藍色巨星》（Blue Giant）的主角宮本大–吹出雄渾飽滿音色，奔放有力，跟她的「細細粒」表徵大相徑庭，不自覺被她吸引。一直獨個兒修行的宮本大一樣，當他在朋友面前吹奏色士風時，令他們震撼又感動得落淚，「這樣的事，也在我身上發生過！」Chemie激動地說，「我試過在一班同學去唱K的時候，突然拿出色士風來吹了一段（Chemie笑言，只是流行曲旋律……），她們真的感動到流淚！」 text 大秀photo Oiyan Chan Time Was Chemie的音樂路，由五歲學鋼琴開始。但真正觸動到她的，是一段管樂器演奏，「應該是升小五，優質教育基金來到我就讀的小學進行木管樂器推廣。當時，有一個老師負責所有樂器示範，就吹了一段『壹號皇庭』（其實，那段引子來自Dire Straits樂隊歌曲〈Your Latest Trick〉），但印象中，那位老師並不是吹色士風的，而且吹了幾句就停了…… 但已經令我好喜歡管樂器的聲音，回到家裡，我就跟媽媽說：我要吹嗰個！」 一切，就由『嗰個』開始，亦改變了Chemie的音樂軌跡–在考進香港演藝學院師承杜淑芝和Michael Campbell；畢業後赴美深造，先後師從色士風大師Taimur Sullivan及Joseph Lulloff，獲得北卡羅萊納大學藝術學院碩士學位及密西根州立大學音樂藝術（色士風演奏）博士學位，Chemie就變成了Dr. Ching。 「音樂路，都真係有唔少改變。最初，在我學音樂的環境裡，無乜其他人跟我一起吹，我覺得自己也吹得不錯吧？之後，玩校際音樂節、玩校外樂團，都OK…… 遇上比我勁的同輩，我會覺得好開心，更激發我要再提升自己去超越他們！」這真的很有宮本大的本色啊！ Evolution 學音樂，外國的空氣有幫助？「嗯，有的。剛到美國時，一定有文化衝擊……特別是學爵士樂，我在香港時並沒認真吹過，吹古典較多。在美國跟香港學玩音樂最大的分別，除了氛圍，就是觀眾。聽古典，觀眾是坐定定，靜心欣賞。爵士樂就不同，觀眾要投入那種情緒、要投入在Solo的樂手的世界，相對地要好投入。觀眾在你Solo後有否報以掌聲，就是喜歡你與否的指標。」Chemie表示，她有機會看Anat Cohen的現場演出實在震攝人心！ 「還有，我感到美國當地的音樂社群（Community）非常友善，特別是古典音樂方面。以前，香港並沒有一個專屬色士風的社群，美國那邊是全國性、彼此之間有很強支援。當時，除了跟老師學習，其他研究或彼此切磋，也是社群的人互相幫助。」在美國期間，Chemie曾參與並創立Dasch Quartet（曾獲得北美色士風協會四重奏比賽及ENKÖR室內樂比賽冠軍），也是Auteur Saxophone Quartet的上低音色士風手，曾贏得2015年Coltman室樂比賽冠軍，並於2016年奥斯汀室樂音樂節擔任表演嘉賓。 Are you ready？ 在《藍色巨星》裡，宮本大對說，在台上表演，必須有「死在台上」的覺悟來拼盡全力演出，Chemie說，搏晒命，好常見，「近期，我跟香港一隊爵士樂團Laborious Hardbop（顧名思義，就是玩Hardbop）一齊玩，我們的玩法是，練好一組樂曲，然後，在不同地方表演，例如：雲吞麵、翻騰、留白…… 每次練習，大家都搏晒命，樂手間大家互相影響連帶某程度的昇華，大家一定感覺到有進步。我在美國學爵士樂，但說到玩得多和漸趨成熟呢，是在香港。」Chemie舉例，Rhythm Section樂手同Horn樂手的諗法並不相同，節奏樂手注重節奏感、前置些少/或放後些少/大聲或細聲少少來襯托獨奏的樂手…… 「相反，Horn樂手就唔諗咁多，吹吹吹，吹Solo，Lead住大家。跟大家不停地互相磨合，了解對方的操作，好重要。」 在2017年，Chemie回港發展音樂事業，推廣色士風教育及文化。先後加入La Sax並擔任音樂總監、參加Opus a la carte、Patrick Lui Jazz Orchestra 及 For The Love Of Big Band演出；參加香港藝術節、法國五月等藝術活動，並受 International Saxophone Academy邀請開設大師班等等。而流行音樂的演出，她同樣俾力：參演個過草蜢、C AllStar及RubberBand等演唱會，及由中英樂團製作的音樂劇《穿Kenzo的女人》等等。…

Netflix 《One Piece》真人版近日上架，推倒「真人版」翻車的宿命，在Netflix各地的排行榜都獲得佳績。其中飾演《One Piece》角色「卓洛」（台譯索隆）的演員新田真劍佑獲觀眾大讚，被指完美還原「卓洛」本人。作為要角中唯一「亞洲臉孔」，「卓洛」新田真劍佑其實大有來頭！一起來藉著《One Piece》真人版，認識這神秘演員新田真劍佑。 「卓洛」新田真劍佑的5個關鍵詞 1）漫撕男 新田真劍佑曾用藝名真劍佑，在美國洛杉磯出生，是美籍日裔的演員，今年26歲。精緻五官加上肌肉身材，再加上顯赫的家境，可以說是日本的「漫撕男」代表。據指他除了懂得演戲之外，新田真劍佑私下還多才多藝，包括空手道、體操、鋼琴、游泳、馬術等等均有涉獵，可以說是才貌雙全的男子！ 2）千葉真一 第一眼看新田真劍佑，相信大家都會被他英氣的外貌所吸引，原來這英氣的氣質是遺傳自父親千葉真一！其父親千葉真一因為曾經出演《風雲雄霸天下》「雄霸」一角而為人所熟知，擅長競技體操、極真派空手道四段、少林拳法二段多種武術，後期更成立動作娛樂公司，培育了不少動作演藝人才。2021年8月千葉真一因感染Covid逝世，而新田真劍佑承繼著他的演藝精神一直走到現在。 3）小精靈訓練家 新田真劍佑是Pokémon的忠實擁躉，還非常喜歡玩Pokémon集換式卡牌。他曾經化名「リアンのパパ」偷偷參加「秋葉原Pokémon卡牌比賽」，甚至兩度獲得冠軍。 他後來自爆，自己當時戴著帽子低調參賽，並沒有被人認出來，甚至當第二屆新田真劍佑再次獲勝時，有其他選手上前搭話「記得上一屆也是你贏」，並沒有被發現演員身分。 4）漫改常客 除了出演《One Piece》真人版的卓洛，新田真劍佑還出演過多部漫畫改編的作品，包括《劇場版幪面超人》、《花牌情緣》、《JoJo的奇妙冒險 》、《東京喰種S》、 《賭博默示錄》、《浪客劍心》、〈鋼之鍊金術師》等，可以說是不紅不演！除此之外，他還會在話題漫改《聖鬥士星矢》真人電影中出演主角天馬座星矢，不知大家喜歡他出演什麼角色呢？ 5）人夫 剛才提到新田真劍佑承繼了父親千葉真一的英氣外貌，其實還承繼了父親的「花心」！新田真劍佑出道以來曾鬧出的緋聞對象不盡其數，19歲時已經被傳出已為人父，女方更比他大18年；兩年前他更曾被傳出介入一前童星人妻的婚姻，予人風流多情的形象。不過在於本年年初，他在父親冥誕的當天宣布與交往2年的圈外女友成婚，而據日媒報導，他的第一個孩子在今年夏天出生。

恐怖電影最可怕的地方不是鬼，而是人性。 《怨泊》女主角 何超儀 農曆七月前後，未知猛鬼是否出籠，但一連串鬼片恐怖片驚慄片悉數登場，其中一部是何超儀（Josie）主演的《怨泊 ONPAKU》，日本導演藤井秀剛執導，邀得「日活羅曼」時期最具代表性女優的「情色天后女神」、當年拍過逾200部色情電影後轉型多年的白川和子，擔任變態古宅民宿女主人。當「香港異色驚慄之后」遇上「日活羅曼情色女王」，戲內折磨不斷，戲外卻互相扶持。 Text: Nic Wong｜Photo: Oiyan Chan (Retouched by Josie’s side)｜Hair: Vic Kwan 關列峰@ IA｜Makeup: Angus Lee｜Location : K11 Arthouse 《怨泊》講述何超儀飾演的Sarah分手後到東京散心，適逢美國總統突然到訪東京，全城酒店爆滿，周浚偉飾演的地產中介建議她暫住一座非常破舊的私人民宿，這座古宅由白川和子一人經營，每當裡面的燈光熄滅時，Sarah便產生無限幻象，遇到一場場與真實無異、叫人毛骨悚然的離奇噩夢，到後來她才發現原來這是個騙局…… 兩位女主角現身香港出席首映禮，二人首先提及那座古宅。何超儀曾經自爆有陰陽眼，嚴重得要邀請師傅關眼，但原來靈異體質至今依然。「那座古宅真的恐怖，身處現代化的民區，零零舍舍只剩下那一間傳統大宅。」記得當初導演告訴她，劇組找到那間大宅時相當興奮，感到很陰森恐怖。「裡面的燈光好暗，真的全靠劇組打燈才看到四周環境，同時室內真的好污糟，所以劇組花了好多時間入內抹屋清潔。他們真的很貼心，擔心我們接觸到細菌及其他污糟嘢……」 日本不少恐怖片都與古宅有關，還以為當地代表白川和子見慣不怪，但原來她同樣「個心離一離呀」！「那是一座舊旅館，沒人管理多年，起初我入去都幾恐怖，擔心拍攝途中真的有鬼出現，但又覺得恐怖片拍出來不夠恐怖的話，好似沒甚意思，當自己都有些害怕的時候，才能夠真正表達角色。」她印象最深的一幕，就是拍攝何超儀飾演的Sarah，第一次入屋行上樓梯。「記得當時她的表情真的好害怕，不斷問是否來錯地方，這個部分Josie演得很好，就連她自己也好怕。我的角色需要留住她，唯有騙她不用擔心，不斷說『沒問題』，但心底裡卻很告訴她『對不起』，那當然沒表達出來吧。」 前言提到，白川和子早有「日活救世主」、「日活女王」之稱，1967年加入日本色情電影業，拍過山本晉導演《牀上好手》、澤田介導演《偷獵乳房》等等，1970年成為「日活羅曼」時期最具代表性女優，6年間拍攝超過200部色情電影。其後曾短暫退出娛樂圈，1976年重返影視界後「從良」不再拍色情片，參演過多位大導演的演出，包括今村昌平導演的《我要復仇》（1979）、森田芳光的《家族遊戲》（1983）、是枝裕和的《下一站，天國》 （1999）。現年75歲的白川和子，到近年亦演出不斷，包括《山女》、《二階堂家物語》及《雌貓們之夜》等，都能看到她的身影。 這次能夠與白川和子合作，何超儀謙稱是日本導演及監製的選擇，她對前輩的演技備受讚賞。「白川小姐演技的高度，自然得不像演戲，她在戲中負責嚇我，思考了很久如何嚇我，最後她成功了，全程亦帶著我演戲，很厲害。」白川和子表示，自己年紀這麼大，有機會獲得海外的邀請，感到非常高興。「過去我從未參與外國拍攝，今次可以與日本以外的女明星合作很開心。七十多歲的我，仍然能夠與外國人合作，真的很高興，很感謝導演選擇了自己，雖然我們的語言不善溝通，但我與Josie有心靈上的交流。」 近年不少時間，何超儀都是往西方發展，除了監製過荷里活電影《Edge of the World》（世界邊緣）及拍攝《Lucky Day》等西片，今次放眼荷里活後進軍日本，本以為食好住好，沒想到這樣「可怕」。「好多年前，我演過三池祟史《Dead or Alive》，但只是配角並不起眼，今次再拍日本片擔正女主角，當初聽到去日本拍攝當然興奮，但感受更深的是，我被這部電影的導演及監製感動，他們親自來港認真地與我討論劇本及製作，現在好少人會這樣，我真的感受到他們的熱誠。」細心閱讀劇本後，就覺得好恐怖。「我自己未演過這樣恐怖的電影，雖然好可怕，總覺得日本應該沒香港那樣可怕，結果拍完出來，學導演話齋，除了看電影以外，還要感受這部電影。衷心感受之下，原來放在一起，真的很可怕！」 白川和子在電影中的名字是「絹代」，與何超儀片中飾演的Sarah母親名字一樣，令人聯想起一代映畫女優「田中絹代」。何超儀說，導演在紐約讀電影，曾對照了一些舊電影。「最初監製將劇本交給導演時，希望他拍成好似《Poltergeist》（港譯《鬼驅人》，Tobe Hooper執導、史提芬史匹堡監製），但導演不想翻拍，兩星期後改寫後，直接給我這個劇本。」她看後非常滿意，不妨一試。 來到現場，導演希望她演每一場戲都要去盡。「以前我演過《大頭怪嬰》，其實飾演被嚇的人，表情幾難做，初時覺得會有好多尖叫、高呼、驚、震，還有好多呼吸聲，但今次要分成好多個層次，加上沒有太多對白，所以每一次被人嚇得更深更深，我必先要在劇本中記下每個被喝嚇的段落，到底這次是一級驚嚇，那次是幾多級別的驚嚇，那樣我才可以連戲。幸好今次大部分都是連拍，否則不同級別的驚嚇程度，實在好難記得是怎樣去演。」 負責嚇人的，又是否容易得多？從影多年的白川和子，坦言今次是第一次拍恐怖片，之前從未拍過這樣變態內容，第一次看劇本時，也想像不到如何演出，最後還是到達現場感受氣氛，盡量交由導演指導。「對我來說，扮演變態角色有少許興奮及高興，因為真實中的自己沒有這一面，今次可以扮演這樣角色，覺得好好玩，好高興，可說是一大挑戰。」她又表示，戲中對待何超儀未有客氣。「扮演變態角色，不能做到一半一半，否則Josie的角色不夠害怕，所以一定要做到完完全全的變態。」 演完這部恐怖片，何超儀笑言可以選擇的話，她寧願住進品流複雜的情趣酒店，都不想「再住」古宅。「我希望觀眾看完覺得好陰森恐怖，但反過來看，《怨泊》其實是一部家庭電影，裡面的角色很想傳宗接代，但因為太想這樣，結果弄反了整件事。想了很想，才發現它其實是一宗詐騙案，可惜為時已晚了。」

《未來音樂祭 TONE MUSIC FESTIVAL 2023》將於9月30日及10月1日假亞洲國際博覽館舉行，早前已公布近40個不同音樂單位，表明要為樂迷帶來最多樣性、最具力量、最有創意的音樂盛典。單單宣傳海報，都要秉承獨到而超前的理念，呈現能前瞻未來的舞台，大會邀得其中六個表演單位參與拍攝全新宣傳概念海報，當中包括謝安琪、Marf@COLLAR、周國賢、雲浩影、Gareth T.及PetPetShawn，每個造型前衛獨特各具風格，拼合起來構成超時空美學，象徵多元創意碰撞帶來的火花，來自不同界別的音樂人，於舞台上互相交織各展實力。 Kay即將與The Hertz於音樂會聯乘演出，今次Kay穿上立體鯨魚套裝，以藍色為主調，潛入充滿無限可能的未來。Kay對這個造型大感驚喜：「睇相嘅時候已經好期待，着上身嗰陣更加鍾意，好有型、好有未來感，成個造型都充滿細節位，我覺得自己好似喺海入面游緊水咁，加埋個閃粉eye-shadow，係咪好似美人魚？」 Marf@COLLAR最近與本地重型樂隊Maniac合唱ViuTV劇集《那年盛夏，我們綻放如花》主題曲〈仍有心跳脈搏〉，音樂上亦有現場聯乘演出，今次Marf穿上半透明盔甲配搭龐克黑長褲，加上菱形的裝飾與珠串，添上戰士的堅毅感，拍攝時配上紅色的燈效，延展無畏真我的熱情與魅力。 Cloud向來外型溫柔甜美，今次卻展現叛逆感，暗黑皮革連身裙配長靴，打破平常對她的固有印象。Cloud說：「呢個造型同平時嘅我真係好唔同，好開心可以嘗試走吓型格路線，特別係嘴唇呢個圈圈飾環，好有型，我覺得自己好似拍緊科幻片咁，大家記得期待我喺《未來音樂祭2023》嘅演出，希望到時可以為大家帶嚟驚喜！」 男子組的音樂演出單位代表，有周國賢、Gareth T.及PetPetShawn。即將與Lolly Talk合作的周國賢，造型富有線條美，以扭紋毛衣配搭佈滿扣帶的黑褲，多樣性的條紋，代表未來音樂祭讓各個類型的音樂交匯。「我自己都好期待今次喺《未來音樂祭 2023》嘅演出，我平日嘅音樂類型同LollyTalk真係好唔同，但係我相信創作嘅無限可能，今次一定會畀到好多新鮮感樂迷，希望到時大家都玩得盡興！」 Gareth T.的穿搭充滿未來實用主義，銀框的墨鏡，仿如探索黑洞的多樣可能性，象徵未來音樂祭無窮無盡的容納性，不論是流行曲或具實驗性的歌曲，甚至聯乘組合的特別版曲目，為樂迷送上的驚喜、奇幻而美滿的音樂晚會。 至於來自Hip-Hop組合摩四青年的PetPetShawn，以街頭風的運動穿搭配蜘蛛網領呔，瞬間捕捉樂迷眼球，正如未來音樂祭的期盼，為樂迷燃起對「新」音樂的好奇心，打開不一樣的音樂空間，捕獲這些「新」元素回家循環播放。 《未來音樂祭TONE Music Festival 2023》日期：9月30日、10月1日（星期六、日）時間：16:00-22:30地點：亞洲國際博覽館 Arena網址：https://tonemusic.kktix.cc/events/tonefest23Block A｜單日 $880 / 兩日 $1480Block B｜單日 $780 / 兩日 $1380 演出單位：𝟑𝟎.𝟎𝟗.𝟐𝟎𝟐𝟑 (𝐃𝐀𝐘 𝟏) 謝安琪 Kay Tse x The Hertz | 韋禮安 WeiBird [TW] | 岑寧兒 Yoyo Sham x moon tang | KAHO 洪嘉豪…