音樂風格本應無界限，有重金屬也有小清新。WHIZZ成軍兩年多，主打groovy pop曲風，四位90後女生因音樂結緣，從網上認識再聚集一起玩音樂，直到最近終於上電視、出新碟，繼續渴望與香港樂迷同步，一起在深邃之海中，以清新女聲漂流浮游。 text．Nic Wongphoto．Bowy Chan 如果要自行形容，WHIZZ是怎樣風格的樂隊？ WHIZZ是一隊主打groovy pop的樂隊。我們多數玩的音樂，都是不約而同很重節奏感，有些歌偏向alternative一點，或者黑暗元素多點，卻有groove及節奏感。 當初怎樣走在一起？ 當時主音YuShan和結他手Moo在網上認識對方，發現彼此喜歡的音樂很相似，碰巧想參加某個比賽，便拉攏大家夾band參賽，其後再認識了結他手Bowie及鼓手Jess，第一次碰頭便嘗試編排Jess原有的木結他自彈自唱demo，很多已相當投契，一直走到現在。 你們認為歌迷對女生「夾Band」感到好奇，還是抗拒？ 「90後」與「女生樂團」這兩個形容詞給大家有個記憶點，好奇我們玩得如何，才有興趣聽，感覺傾向好奇多於抗拒。 各人都有正職，如何堅持？ 有否正職不是重點，反而是自己對做音樂有多大堅持。如果是自己想做的事，就算放工多累都會抽時間出來，當然也要感謝支持我們的上司、老闆等，才可以更投入做音樂。加上我們當中有成員曾經與死亡邊緣擦身而過，更覺得現在能夠一起唱歌玩音樂，已經很幸福了。 主流、獨立、地下的界線愈來愈模糊，你們怎樣看？ 本身音樂不應該分得太清楚，主流獨立沒牴觸，可以並存，重要是觀眾的接受程度愈來愈高，聽得愈來愈多愈闊。相信是早陣子大家更留意「本地」這回事，慢慢發掘到更多音樂風格，愈聽愈開放愈接納。 最深刻的一次表演是怎樣的？ 今年初的搶耳音樂節。當時是疫情發生一年多，終於可以舉行表演，那次現場觀眾給我們感受很深，終於發現原來有人真的欣賞自己，很投入很享受，為之後表演及創作帶來我們很大信心。 首支派台廣東歌〈之所以我們都在歇斯〉創作意念如何？ 我們說了推出廣東歌好一段時間，終於可以出街，這是我們四個人生第一次創作廣東歌及作詞。這首〈之所以我們都在歇斯〉希望帶出大家不應該用自己的那把尺，放在我們身上，也不應放在其他人的身上。不同人有不同想法，無謂因為別人的看法，來決定自己應該怎樣走。即使我們看見一個人跌跌撞撞，好似處於低潮期，但那人可能喜歡感受不同感覺，所以沒必要將自己想法加諸別人身上。 同步推出首張專輯《之所以我們都在水底里歇斯》感覺如何？ 當然既興奮又緊張，很希望讓觀眾看到WHIZZ的成長過程，好似由第一首〈Summer Sea〉講述對海洋的熱愛，到〈之所以我們都在歇斯〉，當中有很大啟發及感悟，彷彿每首歌帶領大家到達海洋的不同深度，感受不同情緒，最後就一起爆發出來。 成軍以來，遇到最大難題是甚麼？ 作為獨立樂隊，當然沒有太多資源，很多時候要思考成本及時間，慶幸一直以來都有很多人關照我們，讓我們最後完成得到，同時很高興能夠與不同藝術範疇的人，互相碰撞了一些新東西出來。

古今中外出現過不少女子樂隊，但香港一班90後女生大玩重金屬，不斷狂呼狂跳，感覺又是如何？這兩年間殺出一隊FIESTER，彷彿向主流舞台宣戰，其實今年是她們一起玩音樂的第十個年頭，由中一開始夾band，經歷過band房大火，浴火重生狂呼，歌曲就如閃電般直擊人心。 Text．Nic WongPhoto．Bowy Chan 如果要自行形容，FIESTER是怎樣風格的樂隊？ FIESTER的logo是一個閃電，我們形容音樂是閃電，之前是行雷及烏雲密佈，需要醞釀一陣子才有閃電。由於我們的歌曲有screaming部分，希望更多人聽到，所以作曲編曲會循序漸進引入重金屬，就像慢慢醞釀出來的過程。整體來說，我們比較是electronicore的風格。 今年是成軍第十年，當中有何改變？ 以前我們音樂風格會開心一點，但兩年前自從Alison加入後，由於她玩開heavy metal，歌曲滲入更多scream的元素，希望分享一些黑暗裡有光明的感覺，風格有少許改變。同時我們終於畢業了，以往不太注重樂隊這回事，但Alison加入後，大家更認真地做音樂，第一件事就去派台，慢慢儲好更多聽眾及樂迷。 你們認為歌迷對女生「夾Band」感到好奇，還是抗拒？ 我們沒刻意用「全女band」作為賣點，但我們六個人走出來，大家第一個反應就有這個標籤。最初我們都討論過，不太喜歡這個女生或女權標籤，後來卻覺得既然如此，不如花最大努力做好手上可做的事。 各人都有正職，如何堅持？ 我們部分成員的全職工作，完全與音樂無關，但大家都想夾好band，早已在工作上有所調整。有人覺得我們很像卡通「烈子」，確實有點相似，日常讀書上班，就是知道要照顧現實，人生只得一次，如果玩音樂都不行就很可惜了，所以收工都要玩，也希望大家好似烈子一樣，能夠透過音樂獲得狂歡的技能。 2014年經歷過Band房大火，無阻你們的想法？ 自小我們就開始夾band，由讀書到現在想法沒大改變，並沒有想過名成利就，卻只想大家一起繼續走下去，希望友誼永固，夾band也永固，是一份信念的堅持。如果放棄了，還有甚麼值得堅持去做？有時可能甚至不是為了夾band，而是想與對方見面，所以過程比結果更重要。 最深刻的一次表演是怎樣的？ 記得之前在秋紅演唱會做opening band，第一次在麥花臣場館表演，才發現原來音響設備如此先進，對比我們band房所用的相差甚遠，可說是眼界大開。由於疫情關係，已有一段時間沒有與現場觀眾見面，早前我們在香港兆基創意書院有個音樂表演，感覺也非常好。 主流、獨立、地下的界線愈來愈模糊，你們怎樣看？ 的而且確，我們很希望可以在一些很商業的地方，玩一些非主流音樂，讓大家知道重型或搖滾樂隊文化是怎樣的。 成軍以來，遇到最大難題是甚麼？ 最商業、最賺錢的活動，好似商場表演，一定不會找我們，或者希望我們改為表演acoustic，可見我們最缺乏的是機會。所以，早前能夠上《Chill Club》表演，相當難得。當然，金錢壓力也不小。 2021年還有甚麼計劃？ 10月尾、11月頭會推出新歌，長遠都想出碟，搞一場新碟發佈的音樂會。

有了科技，大家都偏向善用科技，甚至依賴了而不自知。在音樂創作中，有Auto-Tune就無畏無懼，加一大堆後製效果就不怕沉悶。但樂隊Charming Way有種對原始的堅持：現場表演踩幾十個guitar pedals，也嘗試一次性錄製，聽起來有點自討苦吃，但在極致的自我要求下，才有機會孕育出人性化的極致歌曲。 text．陳嘉 photo．Bowy Chan wardrobe．Ralph Lauren, Hoax Store（Berwick） Charming Way如何誕生的呢？早在2011年起，我們開始「玩Band」，斷斷續續玩了多年音樂。要說我們的誕生，應該是在2018年，錄製好我們第一首作品〈Spinning〉的時候。後來我們在搶耳音樂計劃認識了很多志同道合的朋友，包括我們的鼓手Terry，也順勢邀請他加入Charming Way。至於隊名Charming Way，其實來自我們的一個玩笑。那時候對隊名並沒有甚麼想法，腦袋突然一轉，不如就叫用主音張名偉的名字，把他的名字讀得快一點，變成了現在的Charming Way。 你們音樂風格上在香港比較少見，你們的靈感通常從何而來？我們都很簡單，簡單地希望將我們喜歡的音樂，分享給身邊的人。隨心聽著不同時期的歌汲取靈感，例如David Bowie、Arctic Monkeys、Alex Turner等英國音樂，本地的也很喜歡Beyond。剛好英語是我們活用自如地表達自己的語言，故此用英文歌為起步點，但我們從來都是Made in Hong Kong。 從音樂到衣著整體都讓人感受到復古的元素，是有特別原因嗎？這些都是包裝而已。其中一個不可或缺的原因，一定是低音結他手Ajax，他是古著教父，擁有自己的古著店，復古的魂已深深烙在樂隊身上。說回音樂，從字面上看，復古就是將舊有的東西重新呈現給大家認識。我們仍然很喜歡Band Sound，會研究Analog和在現場表演踩幾十個地雷（guitar pedals）的真實感覺，亦會去倒帶體驗構思錄音的某一些方法，就像灌錄〈Hot Air Balloon〉時，在錄音室裡嘗試一次性錄製。其中一個定位就是我們不使用電腦，模仿玩音樂的前人，無論錄音或現場演奏都有即時的真實感。與其說我們復古，不如說我們比較直接，喜歡原始質感。 現在潮流很少類似的聲音，當我們重現這種音樂，可能會帶來新鮮感。我們現在教學生樂器，問現在的年輕人還會否聽樂隊，也只有少數學生有留意。其實我們的定位滿有趣，始終未必有很多渠道認識十年以前的音樂，我們亦無法完全定義自己的音樂為復古，每次也會糅合一點其他元素和靈感，重新交流不同年代的音樂特色，帶給大家一點啟發和衝擊。 有人認為香港地小，視野有限，你們是怎樣想的？很坦白說，這個年代出一首歌，也不止提供予一個地方的人，例如台灣的落日飛車，或是韓國人唱英文等等，各地的觀眾也能夠接觸他們的音樂。反而是我們該如何將自己的音樂推往全世界，不應只以香港為目的地。以前有前輩常說在本地觀眾很難取悅，最近我們卻有一個新體會，覺得他們也進步不少。昨天大家在聽K-Pop，今天聽Charming Way，明天聽Mirror，接受能力高了，種類範疇也廣闊了。香港是我們的第一站，也愈來愈多本地音樂人的交流，就像其中一首歌跟風格截然不同的Luna is a Bep合作一樣。 簽公司前後最大的得著是甚麼？絕對是新鮮和美好的體驗。以前我們獨立做，練習、演出全都自己一手一腳，搬搬抬抬也滿辛苦，要處理不少音樂以外的事。對於我們來說，在現今這個速食社會裡組團玩音樂，是很不符合經濟成本效益的事情。自從我們加入了iii，他們有個現場音樂技術團隊叫Looma，會為我們準備設置好所需樂器，也照顧台上的事宜。公司也會負責音樂影像的部分。對於拍攝，我們實在不在行，但團隊會將我們天馬行空的想法一一實踐。就像我們新推出的〈I don’t Speak Your Language〉，某天在公司看到一枚郭富城唱片，封面上的他只是穿了條泳褲，咬著黑膠唱片，充滿九十年代的青澀熱血感，所以我們決定在新MV上好好體驗一下。年底有我們的音樂專場，我們也正籌備下一張專輯，希望成品很快跟大家見面。

就算是地盤打樁、又或是天籟之聲，都存在喜歡或討厭的人。聲音治療師Paul Yip視聲音為中性之物，也不過是震動的音頻：「嘈音的對岸也沒有絕對的安靜，有聲音粒子的存在，就不可能是完全安靜。」於是他以頌缽、天鼓、海洋鼓等的聲音帶來治療，以音樂質感帶來身體的共振。 text．陳菁  photo．Bowy Chanspecial thanks．太一音樂 你本來就喜歡療癒派的音樂嗎？最初我是聽日本音樂的，第一隻買的CD是CHAGE and ASKA，也喜歡小室哲哉、TK Rave Factory、X Japan和椎名林檎，後來到加拿大升讀大學，因為太喜歡音樂，唸到大學四年級就決定離開校園。那時開始認識Post Rock，迷上了Godspeed You! Black Emperor，他們來自蒙特利爾，於是我展開了一段流浪，自駕到當地，想欣賞維期一個月的音樂節。 後來怎樣接觸聲音治療？後來回到香港，就希望把蒙特利爾的精華帶來這裡，嘗試更多實驗性的聲音。我不時會想：「雜音和安靜能否同時存在？」這是很矛盾的問題，但研究過後就覺得世上沒有絕對的安靜，能量和粒子的震動就是聲音，故此有存在，就不存在安靜。所謂雜音也是我們的感受，雜音就像吃辣，是一種刺激，不是辣就不好。後來我主力參與舞蹈劇場的配樂或現場表演，2015年參加了韓國舞蹈節，認識了演奏靈性樂器的奈良裕之老師，也曾一同前往熊野古道作音樂修行，後來就愈來愈喜歡。 身體、情緒、靈性，如何透過聲音治療環環相扣？基本上，低頻率對應的是身體層面，中間的對應情緒，高頻的則對應靈性。身體會有個調頻共振的作用，類似結他調音，如果兩條結他線同音，其中一條震動，另一條也會跟隨。一個缽會有穩定的震動頻率，會影響身體的水或細胞分子，共振作用就令細胞回到正常的流動。有科學家曾進行實驗，對著一盤水播放音樂，發覺水份子會呈雪花般的形狀，也會變成更好質素的水。我也試過為癌症病人以聲音治療，當然並不是要減少癌細胞。化療和電療的過程讓他們非常憂心，也難以入眠，希望聲音治療能讓他們放鬆，進入深層休息。 撇開治療，你認為聲音的本質是甚麼？若以佛學的角度去討論，可以是色和空，或是有和無，我們能感知的實相是色。聲音的特別之處是你觸不到，但你感受得到，像是光，看得到但摸不到。聲音可以讓你往內在步去，進入最澄空的狀態，相反也可以往外擴張個人的覺知，和外在的事物融和，兩邊就像陰陽般循環。 近年坊間不乏數小時內完成的頌缽課程，你留意到是怎樣的情況？很多頌缽工作坊，不太著重如何敲好一下缽，也沒太在意當刻的狀態。反而較多會教你把缽放在某位置，對應相應的脈輪，就會達致某某效果。聲音治療的主要目的，應該要引導參加者回歸平靜，或是超越煩惱。作為聲音治療師，使用樂器時，當然要維持在平靜之內，否則會傳遞暴躁或尖銳而令人不適的聲音。個人的修為，以及能隨時進入專注而平靜的冥想狀態是重要的。 你的課堂為何包含樂理的部分？就算樂理知識欠奉也可以使用樂器，但如果具備樂理知識，用法就可以有更多可能性。例如三拍和四拍的輕重處理，而快速和具重量的節奏會帶來刺激，放緩的節奏則較放鬆。重覆性的節奏本來就有催眠的功效，沒那麼多free flow，就能引導那些容易胡思亂想的人，一步步穩定下來。 接受聲音治療的心態應該是怎樣的？療癒的過程是雙向的，不一定是依賴聲音治療師，對方也可以為你帶來新靈感。最好當然是他已有心理準備接受治療，才能和聲音治療師一同經歷這條路。有人的心態是來看看你是甚麼料子，已有批判思維，自然難以放鬆。數年前還試過在郊外進行一對一治療，大概過了二十分鐘，對方覺得感覺不大，於是便突然離場。要在三言兩語下準備對方的狀態並不容易，那我只好作個榜樣，示範如何調整至放鬆狀態。 頌缽聲音 Rav Vast 聲音 天鼓聲音 Shruti Box 聲音 風鈴聲音 ■

也許「樂壇已死」就如「得閒飲茶」，都是開口埋口的無意識論述，得閒飲茶不代表真的會飲茶，而在王雙駿、小克、吳林峰的的眼中，「樂壇已死」更是一個絕對的否定句。三人連同十多位音樂人，在一月發表作品〈樂壇已死〉，開宗明義地回應著坊間滾存多年的尖酸。 text．陳菁 photo．Bowy Chan 「樂壇已死」說了許多年，你們有何感覺？「樂壇已死」說了許多年，你們有何感覺？小克：叱咤頒獎禮後看留言，有點生氣，去年的歌的確很好，新人輩出，為何還不滿意呢？後生仔鍾意姜濤關你鬼事？那麼多年還是這四隻字才好笑，毫無新意，證明四隻字只是象徵，只是不喜歡年輕人，或是年齡大了就看不過眼。於是就想寫一首歌，作品其實跟樂壇無關，都是幌子，想叫年輕人不要放棄。前年伍淑清說要放棄年輕人，為何總是不懂未來是屬於新一代的呢？ 王雙駿：四大天王時期已有「樂壇已死」的說法，有人沒唱功，有人不夠帥。你對所有事都可以死心，對一個人可以死心，但是否代表死亡後，再見面也毫無感覺？不會的。樂觀去想，他們也是肉緊，才談論生與死。這次創作能在短時間內完成，大家都是拍拍心口，在日程中都放很前。不只是三個人懶熱血，其實熱血的人滿街都是。 吳林峰：我沒在意樂壇死不死的說法，我入行是個意外，當時自己創作了隻EP，打算完成願望就回去當社工。沒想要派台，在網上發布、付了廣告費，然後DJ梁文禮就聯絡我，問我有沒有派台。廣東歌陪伴了我很長的時間，現在能唱廣東歌，有點像是報答的關係，也令我驕傲。廣東歌是我們熟悉的語言，假如去日本，滿街都是日語，戴上耳機聽廣東歌會特別溫暖和感動。 這首歌對你的意義何在？小克：最感動是大家二話不說去做，這是由下至上的創作，不是大唱片公司在考慮歌手的形象和包裝後，再由上至下地要求，希望你做怎樣的題材。或許未必能成功平反「樂壇已死」的說話，也說不上革命，純粹是情緒抒發，緣份也把核心的三個人連上，對我來說，感動過就好了。 吳林峰：你說樂壇死嗎？那我就做給你看，人會變，我不會覺得很沮喪。我只是入行兩年，樂壇就死了嗎？那麼倒楣嗎？有留言說我們是樂壇話到事的人，做這樣的創作當然容易，才沒那麼厲害。 王雙駿：證明我們更需要做這首歌，並非無病呻吟。我很少聽一首歌會不斷地感動，前陣子我兒子在家裡玩著，突然就哼唱著這首歌。他不過聽了三次，是很夢幻的時刻。音樂是有靈性的媒介，計算出來的音樂，模樣並不是這樣的。當你拿出真摰，作品就自動地具有能量。所謂一隻歌的成績，不是所帶來的獎項，而是那首歌能否流芳百世。常說樂壇能否百花齊放，當中的百花齊放是要包容所有音樂類種，你聽Blackpink的同時，也可以聽吳林峰。音樂是宇宙，是大海。吳林峰 一首歌我想要聽一輩子，我很喜歡〈歌．頌〉，講述一首歌可以像是陌路人般陪你走過不同日子。音樂最美麗的，是你無法知道它哪時能為你帶來安慰。 有人支持樂壇，同時有人冷漠，如何連結兩者？小克：某些人仍然堅持著某個歌單才稱得上金曲，這是人之常情，當中滲透個人回憶，必然是加分的。但我知道有人因為〈樂壇已死〉再重投廣東歌，有一位甚至五十七歲，執得一件得一件。于逸堯聽了歌，覺得非常感動，他假設如果用得其所，作品有機會能把兩群人重新拉在一起。但有時我會想，是否一定要連結呢？大團圓結局？香港很多事情已經撕裂得要緊，不如鬥長命，淘汰那群人。儘管〈是但求其愛〉是我的作品，假如他在前年面世，這般質素怎會十大不入呢？很簡單，統統都有原因的。 吳林峰相對是新人，另外兩位則年資較長，在這個騷動的音樂圈以至社會，該如何自處？王雙駿：我不習慣人家說我是前輩，自覺心態仍像九十年代初學師的階段。以往沒法上網，是看書、聽收音機、在唱片舖mix tape，才能接收流行文化。我的十多歲是這樣的，現在的人可能不知道唱片舖是甚麼。以前的人嫌唱片音質沒感情，又覺得mp3行不通，還在堅持聽黑膠，嘥氣，沒人可以叫停時代巨輪，總要和世界一起前行。一起前行沒壞，最笨的是自以為能擋著時代巨輪的人。　 吳林峰：未入行時也跟風說過「樂壇已死」，置身其中就不會說如此片面的話，每天都有新的事情發生，音樂令我每天的人生都很興奮，像是吸毒一般。我想保持對音樂的無限衝動，試過本來在吃飯，收到對作品的評語，就立馬放下飯碗，先去試試。我甚至喜歡那個頭腦塞掉的時刻，會迫自己不斷思考，直至找到起步點。 小克：也許創作自由會遭到收窄，亦會出現自我審查，前年有作品曾經試過因「世事」二字，而無法通過。這兩年的創作不難，我一向都不是做令人開心的創作，假若能孕育一種擁有強烈負面情緒的作品，然後再讓觀眾消化，才是最好的，接受了外在環境的黑暗面，才有機會再次開心起來。

獨立歌手嗎？音樂人陳嘉解釋，現在其實沒怎樣分獨立和主流，反正都是做音樂的，不用分那麼細。這幾年不時參與音樂表演，也同步走出親友間的同溫層，沒公司背景的，同樣可以被看見、被聽見：「現在大家會討論編曲和作品內容的層次，當然有人會說我唱歌難聽，但未夠多，如果有天這類留言湧現，我便大概知道自己被很多人認識了。」 text．陳菁 photo．Bowy Chanmakeup & hair．Agnes yeung（@Nesss_mua）venue．Still House 我們想像的獨立歌手似乎相對吃力，是否如此？我們現在較少分自己為主流或獨立，這樣分開沒甚麼意思，界線是在哪裡呢？到頭來還是在說很實質的因素：你有沒有錢，或是背後有沒有公司支持，其實你自己做也會有資源，倒過來，你簽了公司也不一定被支撐著，跟獨立的一樣。最重要是你清楚創作音樂的目的，並非存在商業考量，或是催谷人氣，自然能在混雜的環境裡捉緊宗旨。坦白點，我是儲不到錢的，有人會做多份兼職令自己心安，我卻不願意花那麼多時間換取金錢，即換穩定，但偶然也會當剪片、編曲和插花。 曾經有唱片公司邀請你加入嗎？2018年我有簽過媒體公司，當時他們想開設新分支去推廣音樂，會有經理人、給我介紹了幾位製作人，如果我想學點甚麼也會有協助，但最後只合作了半年。當時我沒法以出道新人或歌手作定位，亦不想被外界定位，那次經驗在我的音樂生涯裡是失敗的，但因此而思考更多。假若日後獲得邀請，我不排斥，但很視乎大家是否合得來，首先要認識當刻的我，而並非視我為白紙一張，再硬塞點外來物。我相信現在的陳嘉，有能力展現一個形象，或是一種價值觀。 沒有公司，很多製作細節也要自行顧及？你就是自己的老闆，人、錢、意念同樣要管，沒人會幫到你。如果你停下來，整個製作都會隨之而停頓。之前拍攝最新的作品〈Everyday I Die A Little Bit Inside〉MV，最大的學習是如何照顧協助你的團隊，好好打氣，我覺得這是獨立歌手應該要做的事，好處是直接和人連繫，大量決策毋需隔一層或經他人批准就做得到。 獨立發展能跳出傳統模式，例如你的EP可以透過PayMe直接付款購買？同意，這也許是大家未必再按傳統地簽唱片公司的原因。錢很實際，不單是買唱片，例如舉辦一場表演，不一定要考慮傳統的演唱會場地，你可以選擇一個更適合你的地方，這樣的意義比唱片銷量更重要。現在的世界已經不同了，付款可以PayMe，或是月費的Patreon，貼地得多之餘，我也有能力做到，毋需待我儲夠某個人數的觀眾才能舉行表演。這事很當下，不用為未來擔憂太多，每天都可以幸福得很。

陳葦璇，從以往女團As One到單飛，經過《全民造星III》的洗禮，成功說服大家記住她的名字，很快又聽到她的新歌，比起同屆參賽者、甚至第一、二季的師兄更早有solo歌，當然背後有經理人公司是有著數。從當年的太陽娛樂到現在夢想沙龍，經歷不同規模的公司，她的唱歌夢有增無減，亦見證她的成長。 Text．Nic Wong photo．Bowy ChanHair．Larry Ho@Aveda IL COLPOMake up．Melody ChiuWardrobe．D-mop 你覺得現在香港樂壇是怎樣的？ 我其實頗喜歡現今這個年代，很多事都是由年輕人主導，很有創意及自己的想法。身處特別困難的時候，大家都會嘗試找到一條新出路，好似現在的網絡平台，只要有實力，可能清唱一首歌，放上YouTube都可能得到全世界的關注，所以現在是真正有實力的人可以stand out的一個年代。 當大家不停說「樂壇已死」，你卻由女團到單飛，不斷尋找機會，如何看「已死」的樂壇？ 之前聽到「皇上」張敬軒的訪問，他說如果大家還有留意樂壇，那樂壇就沒有死。我當然覺得樂壇未死啦，還有很多音樂人很努力製作不同類型的音樂，但另一方面我又會反省，作為一個歌手是否未夠好？從小到大，唱歌老師說只要我做得夠好，表演達到水準以上，人家就會關注你，就好像我們現在看韓國的舞台及外國的音樂。正如我喜歡台灣音樂，真的會主動留意及追隨，所以值得自我反省。 由以前太陽娛樂，到現在夢想沙龍，都不是大家心目中傳統的唱片公司，你對選取公司有何想法？ 以前參與As One計劃時，我只抱著純粹想出道的心態，那時只有17、18歲，參加過很多歌唱比賽，但一直都未能真正入行，直到看到太陽娛樂當時在商台的選拔，成功加入As One後很驚喜去到韓國出道，也感謝公司給我這些資源，那些真的需求很多金錢。以前我只是個小妹妹，就連做訪問都口窒窒，很怕做錯事，加上我對香港樂壇不了解，所以一切都由公司安排。 到後來As One決定解散，我就主動離開太陽娛樂，希望趁著自己年輕，嘗試不同機會及出路，最後與現公司夢想沙龍簽約。即使規模不大，但老闆真的喜歡替人實現夢想，彼此之間又成為朋友，甚至現在我可以提出每一首歌想嘗試甚麼類型，甚麼造型，都有很大的自由度。對於慢慢成長的我來說，很需要這個空間，如果我一直聽別人安排我如何發展，可能未必這麼快知道自己喜歡甚麼音樂特色及風格。 新歌〈本日終了〉就是這個方式製作？ 沒錯。最近我們開會提到之後形象如何，我提出希望找哪些作曲監製班底，就如今次合作的監製JNY、MV導演等人，都是我主動提出。後來我找了JNY製作歌曲demo後，才給經理人公司聽，他們幾乎沒過問整個進度，我和監製兩人直接搞掂，於是整個過程非常快速，歌曲亦作為我在2020年的一個總結，讓大家知道我不再是以前混亂的小妹妹的陳嘉茵，而是現在剪了短髮的陳葦璇，讓大家更關注這個女生的不同故事。

也許有人以為MV在拍攝後，便送往剪接，後來便能面世。而在意調色的人，實在少之又少。身兼導演、攝影、剪接於一身的Dun Lamb，在四年前開始對調色產生興趣，甚至曾經前往澳洲向《Mad Max: Fury Road》的調色師學調色，認真地研究這門藝術。 Text：陳菁 入行：8年 Instagram：@dun_lamb 2020年作品：Tyson Yoshi 〈I Don’t Give A〉、吳業坤〈原始心態〉、黃禍〈街童本色〉、薛凱琪〈南昌街王子〉 導演、攝影、剪接、調色都有涉獵，四年前開始對調色有興趣，摸索了一段時間自覺未夠深入，於是前往澳洲向《Mad Max: Fury Road》的調色師學調色。在我而言，調色是一種無法用言語解釋的感應，為鏡頭拍攝的畫面創造氣氛，令我非常著迷。撇開基本技術，能創造氣氛，為畫面賦予多一種意義，令觀眾更為代入的就是優秀的調色。 香港人對調色的理解較淺，由操作到對色彩和風格的理解及品味，我會形容為落後。市面上的作品，甚至數到電視台也不算專業，有時會省卻調色師的崗位，要求剪片處理相關工作。估計香港的調色師不多於三十人，我最近想舉辦調色師工會，認真地在香港推廣這項專業。■

向來香港的MV製作資源就說不上高，似乎形成個錯覺，以為有唱片公司背景的，資金比較充裕，而獨立製作的則注定資源緊絀，MV導演Travis Good卻指並不如此：「預算高低並沒標準，也並非成敗關鍵，錢更多也可以不夠用。」  除了已突破三百萬views的〈天水圍驚驚〉，去年的作品亦包括Tyson Yoshi〈Something〉和Dough-Boy ft. Barry Chen〈PROVE〉，今年的作品繼續值得期待。 Text：陳菁 入行：5年 Instagram：@travisgoood 2020年作品：Tyson Yoshi〈Something〉、Dough-Boy ft. Barry Chen〈PROVE〉、光頭幫TomFatKi×Billy Choi〈天水圍驚驚〉 自己喜歡寫歌，身邊的朋友愛rap，也常一起踩滑板。有天兩個朋友創作了首歌，想找個人拍MV，而我是朋友堆中唯一有攝影知識的人，於是借了部全自動的魚眼鏡頭相機，在天水圍邊走邊拍，最後成為了首個作品——八工房EightWorkShop〈訓〉。 因為好玩，所以繼續為朋友拍攝MV，大多是Hip Hop的作品。直至拍攝了〈LOFI〉也認識了JNY，後來就為Dusty Bottle負責了〈Forever Summer〉的拍攝，也是首個和唱片公司合作的作品。無論獨立歌手或唱片公司也合作過，其實分別並不太大，也沒有獨立音樂便低預算的說法。預算高低並沒標準，也並非成敗關鍵，錢更多也可以不夠用。另一邊廂，儘管商業作品總有少量限制，同時也提高了挑戰性，同樣好玩。

董折和浦銘心陪伴了大家整整三個年頭，有時甚至會忘掉他們並非真人，而是虛構人物。無論是造型、個性，還是他們曾經的家，都靠背後的團隊打造。負責場景設計的Zac So，過往三年均是項目中的重點成員之一。擁有空間設計的背景，於是無論在場景的搭建，還是細節的交代，都成為說故事的方式。 Text：陳菁 入行：3年 Instagram：@smwzac 2020年作品：麥浚龍〈我在切爾諾貝爾 等你〉、謝安琪〈我在陽台上看你〉、麥浚龍、林嘉欣〈字典 與 聖經〉、麥浚龍、謝安琪〈合唱歌〉 這三年我參與了〈the album〉系列，主力是MV的場景設計，以及其他相關的攝影、唱片概念等製作。雖然是in house的崗位，Juno也很尊重各人的創作，假如他想要一個浴室場景，也不會給我一張參考圖直接跟著做，設計上也沒甚麼規限。有時，一個場景不單是為了一首歌，例如〈773312〉的場景也拍攝了數段短片，用作謝安琪演唱會的素材。 有時我自覺是為董折和浦銘心設計他們的家，也令我份外興奮。沒人能幻想二人的住處的模樣，我唸空間設計出身，所以在Juno講述對房間的想像後，我會先製作透視圖，使成品更能貼近導演所想。道具設計上也有一定要求，比較富心思的是以通訊工具和音樂設備等的演變交代時間，例如傳呼機、Nokia電話、卡式錄音帶、MD碟等。

從組合Robynn & Kendy獨立出來，孫曉賢（Kendy）去年個人發展後完全展露不同風格，從歌曲的曲詞編監，到宣傳封面上的手寫字，她均一手包辦，更為陳奕迅、林家謙、泳兒等歌曲的cover art揮筆，以手寫溫度注入音樂之中。 Text．Nic WongPhoto．Bowy ChanHair．Eve ChiuMakeup．Circle Cheung（ndnco.co）Wardrobe．D-mop 當初為何會接觸書法？ 讀書時學過書法，但很抗拒規限自己寫甚麼字。直到兩年多前的一次家庭聚會中，看到朋友母親寫揮春，就與她一起寫。她說我有天份，很久沒執筆卻有紋有路，提議我再學書法。自2018年開始，我再找老師學習，每個月上一兩課，憶起小時候與父親一起寫書法的往事，希望有朝一日兩父女一起寫字。 對現在的你來說，書法是甚麼的一回事？ 書法能夠讓我靜下來，好像冥想一樣，拋開煩躁的事情，尤其在2019年幫助我很多，不用思考外面的煩惱，人家做一小時瑜伽，我就寫一小時書法。而且，寫字也是一項訓練，愈寫得多，每一劃每一勾都是慢慢操練回來。我亦發現愈來愈多年輕人寫書法，似乎扭轉了以前寫書法很老土的感覺。 如何將書法的興趣，帶到歌曲宣傳之中？ 要數第一次寫書法帶到音樂之中，就是我替馮穎琪《再彳亍》音樂會題字，後來人們就知道我是寫書法宣傳的。然後，我要多謝MV導演Sheng，他說既然歌曲宣傳都要找人手寫字體，不如就由我直接來寫，尤其我第一身最了解歌曲。接著，無論是自己歌曲，還是某些歌手的歌曲，甚或是一些品牌，都有找我題字。 歌曲如何影響你的手寫字「字體」？ 先說我的三首歌曲〈如斯〉、〈心眼〉、〈面目〉，每首都很適合手寫字的感覺。如果聽上去那些歌曲有很多棱角，字型上就會不同，通常我先思考用毛筆還是鋼筆，然後用粗體抑或幼體。譬如〈如斯〉，本身歌曲中帶點扭曲感覺，於是我將「斯」字最尾的「一棟」，改為「一捺」，以及思考它有多彎及多長。又或是〈面目〉，本身「面」字很闊，「目」字很窄，我卻想反轉一下，將「面」變成很幼，「目」字看起來很肥。 與其他歌手合作如〈一人之境〉、〈溝渠暢泳〉等，又是怎樣的一回事？  我與導演Sheng合作的project，都寫過很多不同歌名，通常都會先聽聽歌曲如何，例如我聽完〈一人之境〉感到寂寞，就試用那感覺來寫；至於他的〈時光倒流一句話〉，一聽到就有點台式文藝感覺，便決定選用台式字體；剛剛替泳兒寫了〈溝渠暢泳〉，歌曲走型格路線，我擔心字體出來很dirty，但那首歌是classy，所以特別想看上去有點高級的感覺，花了一些時間才砌成現時的書法字。至於Eason的〈致明日的舞〉，導演就先給我封面中的那個太陽，我便思考直行字還是橫排字，兩者都有分別。  手寫字加入本地音樂宣傳中，近年似乎比過去更普遍，你有何看法？ 有時看歌曲宣傳的cover art，都會影響聽歌的第一印象。當我看到一款沒特別的字體，可能沒大興趣去聽歌，但如果歌名很有氣息，字體又配合得到的話，就更容易吸引人。現在有很多具想法的歌手及MV導演，近兩三年造歌的計劃更是360度，不只是歌曲這樣簡單，所有東西都很細緻，包括KKBOX那一張小小的cover art，已變成了那首歌曲的卡片，不再是印上歌手的頭像、一張PR相而已。 新一年有何計劃及目標？ 由〈如斯〉開始的幾首歌，彼此之間都有關係，更以一首詩來貫穿整個音樂計劃，所以手寫字是比較適合。有趣是，我的音樂風格偏於英倫風，卻用中國書法來呈現，看來有點古怪，但這就是我的特色。我之前在英國讀書，卻又喜歡書法的靜修，思考比較深入一點，很希望在音樂當中呈現出來。 Kendy Suen小檔案．入行 9年（歌唱）、1年（書法）．Instagram @kendysuen．2020年作品：Kendy Suen—〈如詩〉、〈心眼〉、〈面目〉；陳奕迅〈致明日的舞〉；林家謙 〈一人之境〉、〈時光倒流一句話〉；泳兒〈溝渠暢泳〉 ；陳蕾〈娑婆〉

見面前的晚上，Karson Liu又沒有睡了：「現在我兩、三天不睡也可以。」語句裡沒有半點為肝臟仍然運作而自豪的意味，他指指眼眶下兩厘米一帶，示意黑眼圈已經蔓延到這地步。昨夜未眠，是因為收到剛剪好的MV版本，重播再細嚼，隨著一次又一次往腦門衝去的興奮血液，後來又天亮了。今年他迎來密集的MV場景設計工作，無論作品數目還是無眠夜，同樣是一時三刻數不清的，而他正式入行的日子只不過兩年。  text．陳菁  photo．Bowy Chan（portrait）& 受訪者提供   ．入行：2年 ．Instagram：@karsonliu ．2020年作品：泳兒〈溝渠暢泳〉、衛蘭〈帶走你的垃圾〉、陳蕾〈娑婆〉、章尾而〈Pretty Liar〉、李靖筠〈嗚哩雙刀〉 甚麼時候開始接觸場景設計？ 我在香港藝術學院唸Fine Art，主修雕塑。可惜香港出不了藝術家，假若極有才華的畢業生有機會能擠身Art Basel，但很多畢了業都沒出路。以前主修雕塑的只有九位同學，我常說笑不如開家友善的五金舖好了，反正那些物料和技能我們都懂。我在讀書後期已經接下服裝助理的工作，後來就參與MV的美術設計，對比其他同學，特別是做雕塑的，我想發展得比較貼近，又能繼續做作品的也許便是我。 場景設計的過程是怎樣的？ 一個月前會收到通知，有新歌將要推出，問你接不接場景設計，我大多會回覆：「好啊！可以要多點資料嗎？」而往往那些資料到埗時，就是開拍前一星期。多數已經找好拍攝場地，我就開始構思和布置。有時我會在工作室搭個木板底座，然後再物色道具。我習慣傍晚六、七時在深水埗尋寶，例如陳健安〈廢學〉的道具很多都在地攤買來，二手物品的質感就是不一樣。在工作室拼砌過，拍攝當日便把材料搬過去，重新搭出場景。 工作時的挫敗感或難受來自哪裡？ AGA的專輯〈So Called Love Songs〉封面拍攝工作，陳設和拍攝只有各一天的時間，拍攝完便需要馬上拆走。當刻是最瘋狂又心酸，所有人都回家了，自己的團隊就留下來拆景。先要把注滿水池的水抽走，再把整塊用石膏造的佈景拆除，起碼裝滿了廿多個垃圾膠袋。而〈廢學〉是在唐三樓拍攝，首次視察場地時我沒察覺樓梯是那麼斜，當天來來回回搬了很多木版和十多箱物品。到最後一場在洗手間拍攝的戲份，我本來為了要將太陽花插進馬桶並灌入水泥，一早準備了膠手套，最後累得直接徒手處理。這年捱夜的密集度，已經讓我無法在凌晨四、五時前入睡，作息都調整不了。 拍攝資金對你來說是難搞的一項嗎？ 普遍上美術團隊能分發到萬多元，以前對錢沒概念，曾經因為計算錯誤，加上發現道具不足，最後要自掏腰包付兩萬元。其實我能接受自己沒薪水，甚至自掏腰包，那是我的決定，但我的底線是助手要有薪水，不可能要人家一同虧本。我以前試過類似情況，當中上級會先賠上下屬的收入，人家壓榨別人，你不能有樣學樣。現在對預算控制較著緊，我不想再因為預算出錯而捱麵包，每碼七十塊的布看似便宜，但廿碼就是天文數字！ 場景設計體現了「鏡頭三分鐘，台下十年功」？ 的確只有三分鐘！但我並不介意。有的道具準備好，鏡頭卻拍很少，甚至沒用上也是常見的事情，陳蕾〈娑婆〉中有個面具我做了整天，本來是計劃讓陳蕾一直佩戴著，是主要的飾物，最後卻一閃而過。但我相信導演的決定，我自己也有過濾，不是買回來、付了錢便必須要用，仍然是劇本、歌詞和文本先行。現在我會紀錄多點，由零到一百的模樣，我想讓大家知道這是很多人的功勞。以前我不太留意參與單位的名單，現在會完整地看完。 你覺得香港MV被期待嗎？場景或美術被重視嗎？ 這是我思考良久的問題，到底是因為我從事當中，於是我覺得MV更被注視了？還是確實好看了？還是和以前一樣，不過我沒留意？近年不同導演投放更多力度在作品中，不但導演和歌手的關係緊密了，連導演和團隊的關係也很好，於是作品質素亦相對提升。香港觀眾看到成果，我覺得有被期待多了。 除了以個人出發的美學評價外，你期望觀眾怎樣欣賞MV作品？ 做MV對我來說是很神聖的事，人家把全年最有潛質的作品交托於你，而MV的視覺效果可以為歌曲帶來很大的影響。如果你對歌曲理解不足，其實很對不起人家。YouTube下的留言對我來說非常重要，而很老實說，和美術有關的留言並不多。部分留言會寫著：「MV和歌曲並不相襯」或「MV很差」，我希望他可以分享得詳細一點。意見無論好或壞，我都很高興，起碼被看見。