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游學修、楊淇 擦不走的演員本業

假如能回到某個時間點，你會選擇哪個時刻？你又會做甚麼？以上的幻想，任誰都會想過，尤其在某個後悔的決策之後，或是當因果的牽絆在你眼前呈現。游學修和楊淇將會在九月主演舞台劇《久天長地》，原著來自Wasabi的小說，講述穿越三生的旅程。闊別了舞台劇一段時間的二人，因為確定演員身份的重量，這次把十足精力投放當中。無論是穿越的劇目，還是以演員之名站在台上，都同樣珍稀。 text．陳菁photo．Bowy Chanhair．Vie Kwan（游學修）、Julie.H@J LAB（楊淇）makeup．Yvonne Yeung（游學修）、Julie.H@J LAB（楊淇）styling．Bryan@theFlamingwardrobe．Sulvam from SWANK（游學修）、Andrew Gn from SWANK（楊淇） 「我有仇要回去報！」毋需思索太久，游學修就定好要如何善用時間倒流功能。在過往的遺憾中翻找，情愛的缺失基本上可以隨它而去，但在中學裡被打，自己卻沒還手那件事，就必須追究到底：「有仇，就要牢牢記住，這是做人態度。君子報仇十年未晚，這樣才能生存下去，香港人也要有這個精神。」同樣受到在校欺凌，楊淇想穿越到中一那年，她被中四的女生們帶到女廁，譏笑一翻後送了她一個巴掌，最終校方決定通知家長到校：「我媽個性比較激動，把那群女生臭罵了一頓，當時她帥氣到不得了。現在她已經不在世界上，如果可以，我想回去用手機把情景錄下來留念。」但，如果確是能回到過去，甚至改變過去，當下、或是命運的終章又是否會有不同呢？ 《久天長地》的原著，是Wasabi的小說《甚麽天長 怎樣地久》，游學修和白只共同演出擁有超強記憶力的孤兒甘博年，在大學時遇上楊淇飾演的曾悅意，後來一次意外裡，曾悅意不幸身亡，於是甘博年選擇回到過去，多次希望改變悲劇，也和對方修補關係裡的不愉快。「我想這套劇最吸引、最多人想知道的事，是為何我會成了白只。」阿修邊笑邊解釋，雖然穿越三次，但又無法單純以第一、二、三生去明確劃分，他和白只之間的區分方法更偏向是心態和價值觀的轉化，由起初的執著自卑，經歷多次的得而復失、失而復得後，學會了順著安排而行。楊淇回想，當了演員那麼久，純愛的時空穿越劇也算不上常見，略為難處理。但後來，在理解原著的心思後，發現貫穿故事種種的是愛，也勸喻與其嘗試控制結局，又因無法接受而再次改變，不如好好活在當下。 活好今天的心態，也在她的現實裡演繹著。好一段日子，她都因疫情而被取消工作，她形容那段回憶是灰色的：「我覺得人最重要是先生存，我對世界仍然好奇，在未知前路的情況下，我想進入正常運作而穩定的模式。當你每天都在運行，有事情發生，自然想到下一步要做甚麼。」在做了多份兼職工作後，她想定下來，找份長工，於是在大學裡找了份保安工作，過程裡她也和朋友合辦YouTube頻道。演員的基因，就是每一分鐘都在吸收，只要你願意觀察，現實生活處處是驚喜，儘管連面試她都笑言是非常真實而刺激的體驗，甚至有點像是即慶表演。「我從沒見過工，到底對方想聽甚麼呢？當刻自覺比人晚了廿多年進入社會，那件事的重量會多了三十倍。但我覺得自己好幸福，演員需要閱歷，正職豐富了我其他的世界。」 因「試當真」的各種動向而備受期待的游學修，亦同樣鬱悶了一段時間，2018年年底，他正在對三十歲的人生藍圖磨拳擦掌，沒料到那兩年多都沒有電影拍攝工作，日復日的是打機至凌晨的循環，令他險些推翻自我：「如果我是行的，沒理由會淪落至此，不合理嘛，可能人家說我不行是真的。沒工作到一個地步，會讓你產生這般懷疑。」2019年有個轉機送到門前，他參演的舞台劇《陪著你走》，為他帶來香港舞台劇獎最佳男主角（喜劇 / 鬧劇）的提名，有人認定他的演員身份，對他這位演藝學院畢業生而言，是強心針，也是鎮靜劑。他那個笑匠形象，他認為幾乎都是網上限定，原因有二：先是舞台、電影電視的他較認真，嚴格來說，影視上他沒演過喜劇，皆因喜劇永遠輪不到他們這一輩去演。 和劉俊謙及張錦程合作的舞台劇《我們最快樂》，去年年初因疫情取消，今年才由網上再次回到舞台。這一年他因為忙碌而想了很多，大多和時間有關。網絡世界趕急，兩個月就能做一系列的事，帶來各類得益，而舞台的工作也花上大量時間：「是否要抽兩個月排劇呢？最終的定案是，我始終是演員，也希望本業是演員，那演戲工作永遠都優先。」完成《久天長地》後，十月底就到《試當真一週年現場版》（暫名）的演出，一切的忙碌，都幸福得很。■

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黃正宜 隨改變而改變　

在混沌的暗灰中，人們的目光總是自然地觀望著快樂的個體，希望也沾上點點生氣和喜悅。人們對黃正宜（阿正）的感覺，大概也是這樣，由叱咤903《早霸王》到《一位呀唔該》，再數到ViuTV的《膠戰》，想看阿正的人，大概都渴望著快樂：「我這個人比較大癲大肺，但大癲大肺不能過一世。我賣麻甩和個性，儘管沒有靚聲，內容最為重要，我也在學習用自己的聲音說得言之有物。」隨著《膠戰2》正準備得密鑼緊鼓，升級版的阿正2.0亦令人期待。 text．陳菁 photo．Bowy Chan make up．Carmen C Makeup wardrobe．美華氏 前陣子，阿正被林若寧召了進房，語重心長地說了對升級計劃的期望：「正，你的性格已做到1.0了，那你的2.0就是要做有想法的人，有個性以外，也不能沒內涵。」上司這樣的一句，就具備攝高枕頭多晚的威力。進商台前，她也做過電台，在前東家倒閉後就去了沖咖啡。她的人生比較簡單，不做電台，就做咖啡。後來903需要新血，也許已透過大氣電波展露了那混合瘋狂和毒的個性，急急子就邀請了她來試試看。 她早就是電台忠實聽眾，於是捧著足以唸法律系的好成績入讀中大新聞系，她笑言讀新聞的人明明都乖巧，但在賺錢的角度去看，卻是最任性的：「人家常說『星球』和『月球』，那個分數有些人確是可以一星期賺『一球』。醫生起薪三萬，為何這行做十年也沒三萬呢？所以從事這個行業確是偉大，偉大之餘也有點任性。」當傳媒的人都無法不考慮錢，她廿四歲拿著一、兩年工作經驗進商台，月薪一萬，家裡有個退休的父親、當主婦的母親，還有在學的弟弟，確是不能無牽無掛。「有次街上賣旗，從錢包裡掏個五元硬幣出來也考慮許久、捨不得，那時真的很窮。」於是跟家裡定了條死線，如果廿七歲沒獲得個人節目，就要跟任性道別。幸好，《一位呀唔該》由2018年至今，仍然是這一位。 同樣任性而過份偉大的，是明知行業萎縮卻仍然選擇一頭栽進：「想做這份工作時仍然興盛，但到我畢業已沒人聽電台。如果要看行業是否萎縮而決定入行與否，假設我有這般思維，我就不會入電台了，我很早就認清這不是只有表面風光的職業。」只是十多年的事，這個世界全變了，以往的晚間節目可能有十幾萬聽眾在收音機後，現在雖少，但仍可以做。一段日子前有陣Clubhouse熱，其實很像電台的phone in節目，有主持、有主題、有人發言，阿正補充甚至沒時間限制，也沒廣告，但自己仍然偏好電台的精細設計、充滿起伏的編排，當然也包括相對明快的節奏。 一個話題討論四小時，急性子的她實在難以全程參與：「話雖如此，但我是高興的，樂見對外界而言原來聲音仍是充滿魅力。潮流是個圈，我今天穿的也是我爸年輕釣魚時會穿的阿叔外套，算是復興，也是提醒大家視覺世界以外的事。」面對電台，以至最近各媒體和行業的轉變，她又說不上灰心，朝代興替本就如此。由寫毛筆字的日子，轉為大量印刷，再走到數碼化，然後近年還多了如NFT的非物質買賣，沒有事情能逃得過改變。電台會否消失？被問及多次答案仍是一句不，當本土意識強了，甚至有助招來一群全新的聽眾。在當下的氣候裡，她甚至假設人們會更想收聽903：「也許是跟那些少堅持有關。為何不吃美心？有原因。我不喜歡吃吉野家嗎？我喜歡的，但這兩年我都沒吃。本質也許都類近，或許氣候會令人只想聽903。」 任何年代都需要娛樂，她要思考的，是如何在轉變中繼續娛樂大家。在商台舊同事的介紹下，阿正在ViuTV參與了《膠戰》和《囝囝女女730》的主持工作，如果電台是正印，電視就像是一場意料之外的外遇：「不做電台也許就做不了電視，我是賣性格的，外在條件沒特別好，實在沒原因要接收像我這樣的人。選我是因為在電台已建立形象，有這個外遇也是正印所賜。」她笑著形容ViuTV如同善堂，願意嘗試起用新人，《膠戰》六位成員，有五位並非電視台藝員。而在《膠戰2》裡更會有明顯的升級，製作更加龐大、拍攝團隊的人數多了一倍。對比第一季以辦公室或party room為場地，她透露第二季的首集是在知名商場大玩特玩，由地下玩到七樓，甚至實現了兒時在商場升降機內玩大電視的夢想，有早期《Running Man》感覺，相信會令觀眾耳目一新。「電台是細水長流的陪伴之地，不可能每天都能量爆滿，七仔也不可能每天做減價吧？電視只有半小時，加上不止一個人，大家一起做，自然會高能量！」■

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劉翁、陳嘉偉——香港鬼片的堅持：有因果、要見真鬼

給你十秒鐘時間，讓你回想一下上一套看的港產靈異片叫甚麼名字？導演劉翁（Sunny）和特技化妝師陳嘉偉（Gary）數一數，這十年內的只記得張家輝自導自演的《盂蘭神功》和《陀地驅魔人》，再早一點，就是麥浚龍的《殭屍》。觀眾對恐怖片有需求，但因為種種原因，這十年都產量不多，於是二人以銅鑼灣糖街製片廠的都市傳說為藍本，創作電影《糖街製片廠》及電影體驗館，希望帶來層次豐富的本地驚嚇味道。 text．陳菁photo．Bowy Chan、劇照由電影提供 以鬼神點明因果 「你們見過鬼嗎？」類似是那些沒好結果的愛情電影，背後是曾經被傷透心的導演和編劇之道理，說不定鬼片導演和體驗館負責人，視網膜前都是鬼影幢幢。Gary說曾被無形的力量推撞，也透露體驗館裡確實鬧鬼，而Sunny尚未見過，他個人比較相信因果：「我相信前世今生，人和人之間的關係不但是一輩子的事，所以那些做壞事的人，別以為可以免責、毋需償還。」其實每套電影都有因果，可以是一段職場關係的因果，或是被害者和施暴者的仇怨。在一套恐怖片裡透過鬼神，Sunny認為表達因果的起承轉合會份外清晰，也明顯地劃出道德底線，加上注入靈異元素當輕紗半遮半掩，灰色地帶愈來愈少，觀眾也會特別受落。 有因有果的故事設計，當短暫或不太正路地發展之際，就會成了所謂的Cult片，必須提到的是1998年上映、經典的《生化壽屍》：因為一支飲品，最後導致在北角新時代廣場到處逃命和打喪屍。有別於彭氏兄弟的《見鬼》系列，喪屍離地得在港式地道商場漫遊，而不是換了視網膜所以見到鬼，雖然是短暫的前因後果，但因為是Cult片，後來的事都順利被理解和接受。 就算見鬼 也確是好笑 就算事隔廿三年，仍然難忘張錦程那藍藍綠綠的壽司仔角色，那半笑半恐懼的情緒設定，Sunny會視為明顯的港產鬼片個性。他的心水名單上，《猛鬼差館》和《殭屍先生》各佔兩席：「《殭屍先生》像過山車，剛迎來接二連三的笑位，然後又來個驚嚇，在最害怕時搞笑，真的很壞。這是香港獨有的，而這種質地在香港很久都沒出現。」另一個特色，是真的「見鬼」，不像《咒怨》俊雄和《午夜凶鈴》的貞子的jump scare效果，出場每次都來去匆匆、披頭散髮。也許要貼合城市節奏和生活文化，港式的沒閒暇花十分鐘走到車房、抽出鎖匙開門，與其玩氣氛，不如出真鬼：「很多人跟我說拍鬼片沒拍到鬼才可怕，但《猛鬼差館》的鬼是在後頭追著你呢！非常實在，和我們的連繫較多，所以這次我堅持要有真鬼，這是香港鬼片的特色。」 既然港鬼是有戲份的角色，就要好好設計造型和妝容。以精緻手藝而知名的特技化妝師的Gary，在考慮演員本身的身體特色外，也會參考外國恐怖片的妝容。「一套是鬼魂全黑或紅的《Crimson Peak》，不算恐怖，但美感佳，另一套是《MAMA》，樣貌扭曲而眼神空洞，以上都是化妝師David Marti的作品。」他曾聽說以前港產恐怖片的妝容處理，多塗幾層淺色粉底就當是鬼，而明顯地頸部深了幾度，全因怕被服裝部投訴。有份負責《攻殼機動隊》的化妝部分，《踏血尋梅》中阿梅被撕開的面皮，也出自他的手筆，而這次《糖街製片廠》的小丑和紅衣女鬼因為要葬身火海，他也反覆進行實驗，思考怎樣呈現燒焦、脫皮、有血水的驚嚇效果：「紅衣女鬼本來是美女，如果醜就交代不了劇情。那秀髮是介乎於燒光和僅存一點之間的狀態，稀疏得令你覺得更可憐。」 關於那個糖街製片廠的都市傳說，源於1979年在糖街8號興建的小型的製片廠，麻雀雖小但五臟俱全。1994年，本來在製片廠內正拍攝電影《日落》，也是當時被看好、僅得29歲的新晉導演陳炎煬的首部作品。在8月21日的晚上卻突然發生大火，導致四死十二人傷。死者除了陳炎煬外，也包括演員越凡，而不少生還人士指在大火發生前，越凡的精神顯得異常，而該處後來便傳出鬧鬼的都市傳說。這樣的歷史事件為電影帶來一層實在感，而電影也入圍意大利烏甸尼電影節，其中因為小丑一角，Sunny收到來自外國觀眾的好奇訊息，想看看香港人如何設定小丑、設計這個來自外國的文化。 反正不正路 就來一場賭博 先說句大吉利是，如果沒受疫情影響，《糖街製片廠》本應在農曆年上畫，用鮮血來襯托那喜慶的紅，導演覺得反正疫情遠去之日遙遙無期，放手一博也無傷大雅：「香港人這幾年已經來回地獄又折返人間，到底還需要八星報喜和五福臨門嗎？反正大家現在都不太正路，不如就年初一上映吧。這次不但想做鬼片，而想營做一個氣氛。」惜計劃追不上變化，最後改變策略推出限定套餐，限定讓電影體驗館的參加者在事後欣賞電影。把恐懼的長度延展，也令電影更為立體，在體驗館先了解前三十年，電影裡再迎接後三十年。電影要說故事，實在不一定要在戲院。 每逢星期一，體驗館會舉辦播放Cult片、名為「CULT MONDAY」的活動，作為體驗館負責人，Gary在參加者身上留意到有趣的現象：「大家看起來都像是打政府工，然後放工來參加一般！人們壓抑好久，貌似正常，事實是有頭野獸或毒蠍子在體內，想做奇怪和不道德的事。」CULT MONDAY播放的，多是血腥和三級片，參加者入場前並不會被告知即將播放的作品名字，卻仍然場場爆滿，甚至有時被嫌不夠血腥。「但人們仍是怕鬼的，大多數是因為做了虧心事，而我們都做過虧心事。」除了信有鬼，Sunny以人性作補充，人類都有踐踏禁忌的欲望：「年輕時食支煙仔已自覺很壞，壞得要吐口水。年輕人對靈異事都有種希冀，大家都想接觸禁忌，輕輕踐踏一下界線，最好是踐踏後沒手尾要跟。」對恐怖片的好奇如同一般欲望，市場上沒地方容許發洩，那心癮就一直尋找安身之處，於是這五年常有探靈節目和直播，對著空氣也會大叫「快走」、「會出事」，算是舒緩一下、略略過癮。 港產恐怖片像一道刺激的菜餚，任何時間和年代，都有一群沉迷吃辣，享受腋窩冒汗的人。皆因深信著港產恐怖片有一群不離不棄的死忠，二人和團隊才那麼用力地把創作煮好，香辣同時令人回味。「香港拍一套戲大概要花八百至一千萬，而票房卻很少過千萬，落畫後還要分一半給戲院。哪個投資者會願意參與？拍鬼片，不用上大陸嗎？到最後就直接沒人做，但我們偏要做！」

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余家強：娛樂圈就是起大台與拆大台的歷程

常言道：娛樂圈是個大染缸。明星起起伏伏，潮流一浪接一浪。曾任職《壹週刊》多年的資深傳媒人余家強，多年來見盡娛樂圈風雨變遷。今年他將自己筆耕經久的評論訪問，彙編成書，題為《大台起伏史》。所謂「大台」，並非當下那個被網民冷嘲熱諷的將軍澳電視台，而是一個匯聚全民注意力的聲畫焦點。 簡言之，這本書就是講娛樂圈的「起大台」與「拆大台」。 Text: 李開泰Photo: Bowy Chan 【文人走入娛樂圈的迂迴路】 余家強，中文系畢業，曾拿過青年文學獎。90年代讀中文出身的人，有兩條出路：一則老師，一則記者，余家強選擇了後項。他先後在《新報》和《明報》工作了半年，之後便加入《壹週刊》。最初他亦不肯定自己會做記者多久，結果一路走來，就成為了「老行尊」。 當年紙媒興旺，每間報社都想搶盡版面，連《壹週刊》都有體育版。因此余家強剛入職時，實乃體育記者。但他並非體育能手，週刊亦無可能登即時賽果。要找題材惟有另辟蹊徑，專注運動員人訪。如斯一來，他文字上的工夫就表現到了。以後刊內的其他人物訪問，都會找他操刀。在那個娛樂圈發展蓬勃的年代，要當主編，自然要以負責娛樂新聞為重，余家強亦不例外。當日讀中文系出身的一個體育記者，便這樣步入了娛樂圈的大世界。 回憶入行種種，余家強除了是交代背景，其實亦是感慨世事的姻緣際會；一如娛樂圈的洪流，居無定向、迂迴曲折。 【不知不覺的使命感】 在《壹週刊》工作多時，余家強認識了一大幫圈中好友。影視界的層層人脈與有趣資訊，逐漸為他所知。到後來離開了《壹週刊》，他繼續廣受邀請，為各大平台撰寫專欄。題材卻不限於娛樂圈，時政、文化無所不談。 近年他為某個網媒連載文章，內容回歸本行，大寫娛樂圈發展。出於記者血液，余家強不喜歡自說自話，於是在撰文時特意聯絡相熟的影人紅星。例如寫到「新浪潮」時，便去訪問章國明導演；談到港姐歷程，則去找袁詠儀。對此，余家強由衷感謝一眾好友的鼎力幫忙。畢竟按照行內規矩，許多時並非單憑「人情」二字，就能隨傳隨到。 雖然文章紮實，但因為刊登的平台功能有限，讀者群始終不大，余家強遂萌生了出書的念頭。其後他再聯絡《蘋果日報》，獲授權可以轉載及出版他自己的專欄文章。他從中挑選了與影視創作有關的內容，編輯為附錄，與上述的連載文稿結集成書，《大台起伏史》便由此誕生。 娛樂本為聲色之事，在攝影技術主導的21世紀，繼續以文字記錄娛樂圈生態，似乎實在不合時宜。余家強便打趣地說道，古天樂短短幾秒的一句「星夢唔講啦，完！」整個氣氛躍然於畫面，立即可以引來全民恥笑。如果用文字轉述，肯定無可能有這個效果。然而文字依然有它取替不了價值，那就是「坐而論道」般的深度：兩個人面對面訪談，雖然未必夠立體，也不能確保到真相，但卻可以呈現出許多細節，更可能在無意間承擔了時代的使命感。 上面提到，余家強曾向《蘋果日報》徵回專欄文章。起初純粹是為了寫作事宜，卻沒料到《蘋果日報》從此成為絕響，資料庫亦被關閉。如果當日稍慢半步，恐怕自己的筆耕也再難尋回。這本因心血來潮而寫的《大台起伏史》，就此在不知不覺間留下了時代的見證。 【起大台 拆大台】 提到「大台」，不期然會令人想起那個曾經紅遍東亞，現在卻淪為笑柄的電視台。但余家強的用意，卻非任何特定的機構或平台，而是一個關於娛樂文化的最大公因數。他將時間回溯到1967年，香港剛剛經歷暴動。不曉得是無心插柳，還是有意轉移視線，模擬免費廣播（Analogue）也在同年推出。友人潘源良曾對他說，當年未必家家戶戶都有電視，於是便有人用鐵籠罩著電視機，拖到公園，像街坊福利般跟其他人一同收看。翌日上班上學，大家便有共同話題。這個共同參與的大眾娛樂，就是大台。 1981年，香港電台第二台成立，開宗明義以年青人為目標，並設置一系列的音樂排行榜。樂迷依榜聽歌，各類偶像也紛紛湧現，最後總得有人登上寶座，成為帶潮流的一代巨星。報章上則刊登每日票房，供民眾緊貼話題購票入場。「羊群心理」愈滾愈大，大台也就隨之發展到另一個境界。結果三四十年來，影視圈一直都是那幾位天皇天后獨佔鰲頭。傳媒也習慣將焦點，全盤放在他們身上。 大台成功創造香港半生輝煌，也養活了一大批娛樂工作者。然而隨著互聯網的發達，再加上教育水平的提高，小眾口味逐漸走入市場。「碎片化」（Fragmentation）的聲勢愈來愈強，大台信仰開始坍塌。但已經走上神壇的大台支柱，自然不會輕易放棄江湖地位。於是乎幾個四五十歲的男女主角，便繼續在電視箱內上演情竇初開的戲碼。恥感十足之餘，也反過來佐證了「拆大台」之必要。ViuTV與Mirror，某程度就是因拆大台而來的新氣象。 【Mirror：大台再起，還是革命一章？】 談到Mirror，中文系出身的余家強，引用了張愛玲的一句名言，來形容他們的崛起，那就是：「成名要趁早。」 過去的大台模式，講輩份、講年資。新人要出頭，要麼參加比賽，要麼等待前輩明星公開提攜。總之凡事按部就班，一耗就是十多年。但Mirror卻是橫空出世，十二個年青人一湧而上，轉瞬間風靡全港。運作模式不再是傳統大台的論資排輩，而是彷如日韓的天團般，與Fans的距離愈拉愈近。表面上是以年青人為目標，實則是全民哄動。這個近年罕見的熱潮，堪稱是當下最前沿的拆大台體驗。 但既然娛樂圈就是一個起大台與拆大台的循環，這波Mirror狂熱，又會否在他朝變成另一個大台？余家強坦言，這確實需要時間驗證。畢竟人只要登了大位，自然就會有患得患失之感。這甚至跟制度或時代無關，而是每個個體在權力面前，所必需經受的考驗。當名利權勢盤根錯節，稍一不慎便會跌入大台的漩渦，而且可能還會來得很快。 不過在有待觀察以外，余家強也認為，今次Mirror的確存在「革命性」因子。單是急風暴雨式的全民熱捧，就已經是過去二十年間，大台模式操作下前所未有的現象。箇中顯然還包含了對於時代的心理投射。風眼的話語權也不再停留於傳媒工作者，而是由Fans主導。過去大台與傳媒人互為背書，巨星永遠停留在同一圈。今天全民四出追星，只需要手機，隨時隨地都能創造出最新話語，大台模式再難複製。 而Fans的消費力也遠勝從前，「教主」Anson Lo生日，神徒竟可包下郵輪為他賀壽。TVB常被恥笑是「老人台」，實則就是怕走得脫離市場，於是乎創作千篇一律，並全力主打中老年群體。但Mirror卻橫跨世代和階層，吸金力震撼全港。 不論社會迴響，抑或在商言商，Mirror都足以寫下香港娛樂史的新一章。縱使前路仍未明朗，但余家強感覺，這回可能真是一個改變的開端。 【娛樂（圈）不死】 訪談最後，很自然會問及余家強對娛樂圈前景的看法。近年創作空間壓縮，連他的舊東家《壹週刊》也宣告停運。對圈外人來講，種種跡象頗為不安。但見慣風浪的余家強，則處之泰然，直言娛樂新聞或許會自我修正，娛樂圈本身卻永遠不死。道理很簡單：「因為你唔做，人地就做。」 他解釋，作為傳媒機構，許多資訊的確需要因應時局過濾，對某些踩界的報道要較為謹慎。但娛樂圈自身，卻有一套特定的商業邏輯。只要某個題材或某類形式，能夠獲得受眾歡迎，那其他人自然就會跟風。說到底，大家都是求財和求名。哪裡有人退縮了，哪裡就會有人補上；只要娛樂有價，娛樂圈就會不死。 【後記】 余家強在訪談末段，提到了自己往加拿大訪問寶詠琴的一段經歷，當時她剛剛跟劉鑾雄離婚。 余家強獲她邀請上車，四處遊覽。途中寶詠琴不識路，致電找人詢問。她放下電話後，向余家強表示：「嗰個係我sister。」余家強回應：「你個妹？」「唔係，係Joseph（劉鑾雄）個妹。」 當全世界都為她倆的離婚鬧得熱哄哄，各類揣測層出不窮之際，寶詠琴本人其實繼續與劉家保持聯絡。她們始終做過一家人。 這件瑣碎的小事，自此就被余家強列為記者訓練班的一個案例。無需刻意八卦，只需要在日常間稍稍觀察，或者輕問一句，就已經是最真情流露的一面。 傳媒和娛樂圈都是大染缸，但揭開幕布，其實依然是一個個有血有肉的人。或許比起張家長、李家短的是非曲直，這份包羅萬象卻又絲絲入扣的人情倫理，可能才是娛樂圈最迷人的地方。

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港產恐怖，五十年不變？

香港人天不怕，地不怕，只怕…… 潮流興fact check，甚麼都能起底fact check到底，但妖魔鬼怪始終只是都市傳說，人人體質資質不同，半世紀以來恐怖之談大為改變。適逢近月來MCL院線重映「大導桂治洪驚世港產爆片選」，不禁想起如果桂治洪重現人間，能否拍出比香港現況更可怕恐怖的電影？又或者，為何近年來那些「中邪」、「蠱降」、「入魔」、「碟仙」統統消失了？ Text．Nic Wong 香港恐怖片，五十年一直在變，更加是聞風色變。七十年代以前，香港所謂恐怖片都只是西方鬼魂為主，直至邵氏電影愈拍愈有，其出品的恐怖片風格獨特，全都是寫實恐怖，即使在那個年代特效欠奉，卻同樣緊張刺激，難怪被指「邵氏出品，必屬精品」。這裡不得不提才子倪匡，當年他為邵氏電影參與超過200部編劇作品，不乏他最拿手的恐怖故事，包括《鬼眼》、《降頭》、《飛屍》，配搭何夢華、孫仲、藍乃才等名導，幾乎看看戲名就知有多恐怖。 當中，桂治洪導演可算是獨攬大旗，七十年代先來一部《蛇殺手》小試牛刀，後有《古之色狼》等古典恐怖，其後八十年代彷彿撞鬼上身，連環拍了《邪》、《邪鬥邪》、《屍妖》、《蠱》、《邪完再邪》、《邪咒》、《魔》等等等等。很多時候，可能只是一間大屋裡發生，鬼魂出現嚇死你，再滲入大量官能刺激，前衛偏鋒亦正亦邪，衝擊程度直至今時今日。 桂治洪出品眾多，在此只詳述一部。《蠱》由馬來西亞籍大巫師胡仙哈辛真人上陣，cult爆特技化妝演繹十大南洋邪降，包括飛降、死降、棺材降、愛情降、蠕蟲降、屍油降、大頭降、勒頸降、針降、釘降，十降齊來，甚至連檸檬降都有，血崩嘔蟲土炮特技齊出，驚世駭俗經典超前四十年。 另一位不得不提的是，變態導演牟敦芾。他拍過《碟仙》、《打蛇》等經典港片，而《黑太陽731》系列沒有鬼魂，只有殘暴剝削，刻劃第二次世界大戰時期日軍731部隊進行人體實驗。在很多人心目中，這可能是最變態、最恐怖、最不敢看的香港電影。 不過，以民選最恐怖的鬼片，幾可肯定是1981年上映的《凶榜》。導演余允抗前後拍過《山狗》、《凶貓》、《猛鬼醫院》，但始終不及《凶榜》般一看難忘，疑神疑鬼足足幾天。片中秦祥林與余綺霞飾演夫妻，為了生計做保安，其他同事接連死亡，死法離奇死狀恐怖，情節不太複雜，夠寫實恐怖足以成為經典，當然有人指《凶榜》抄襲外國經典《魔鬼怪嬰》及《驅魔人》，已屬後話。 來到八十年代之後，恐怖片百花齊放，大哥大洪金寶領軍拍了不少恐怖喜劇，其中《殭屍先生》系列更開拓了全新片種，由林正英、錢小豪、許冠英三人組成的。據指殭屍片其後在港、台拍了超過100部，直到幾年前麥浚龍拍《殭屍》，以公屋為背景拍攝同樣心寒。只不過，要說恐怖喜劇之首，可能是黎大煒的《艷鬼發狂》，嚇人招數法術五花八門，既恐怖又色情且搞笑，也許另一部如此誇張亂來的，就只有另一神級cult片《生化壽屍》。 香港踏入九十年代，人人自危心緒不靈，都市傳說應運而生，港產恐怖片各適其適，但主要回歸寫實恐怖，沒有八十年代那般荒誕。好像《夜半一點鐘》系列以三個短篇恐怖故事組成，第一集最成功，其中談及「辮子姑娘」香港都市怪談；《山村老屍》系列被譽為港版《午夜凶鈴》，日式嚇鬼風格食正當時興起的貞子恐怖。當然最長壽經典系列就是《陰陽路》，低成本製作拍足二十部，2017年更拍出二十周年版《常在你左右》，邀來邱禮濤再次執導，經典主角古天樂回歸陣中，當然也少不了「龍婆」羅蘭。 千禧年代結合網絡，都市傳說不再，泰國及韓國的厲鬼恐怖過香港。陳可辛曾領軍的《三更》系列，分別與韓國、泰國、日本聯合推出，其後拍成長片《三更之回家》，之後亦有《三更2之餃子》，邀得影帝影后級明星演出，將恐怖片變得高成本及明星化。當然，近廿年來最成功的恐怖電影系列，相信是影響一代人的《見鬼》系列，彭氏兄弟擅以視覺風格及營造氣氛，成功打造李心潔成為鬼后，電影更被荷里活翻拍。其主題遍及換眼、墮胎、妄想、夢遊等現實發生的事情作主題，難怪成為近年來最強恐怖片之導演。 近十年港產恐怖片開始減少，《李碧華鬼魅系列》曾經出場，《殭屍》大獲好評，影帝張家輝也曾執導《盂蘭神功》《陀地驅魔人》，希望帶起港式恐怖，但礙於內地市場的蓬勃，大多港產片變為合拍片，就算本土電影亦只能像《救殭清道夫》、《今晚打喪屍》這樣，藉著看似恐怖的包裝，神怪的元素來說故事，若想追求心理恐怖或官能刺激的話，不如看看新聞就好了。 最後一提，過去港產經典恐怖片實在太多，除了上述提過的猛鬼外，我最嚇親的十大恐怖片尚有《靈氣逼人》、《猛鬼佛跳牆》、《再生人》、《撞到正》、《幽靈人間》、《異度空間》、《Office有鬼》、《恐怖熱線之大頭怪嬰》、《回魂夜》、《雙瞳》。掛一漏萬，只希望有怪莫怪，細路仔唔識世界。■

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麥浚龍 玩弄觀眾情緒的工藝

近十年恐怖片不算多，能夠真心被嚇壞的少之又少，麥浚龍自編自導的《殭屍》（2014）邀得「日本恐怖大師」清水崇監製，以日式恐怖結合八十年代流行的殭屍題材，拍出近年少有的實景恐怖感。Juno坦言，如果抹去一切創作故事的種種細節之後，最大目的是怎樣拿捏並引導，甚至是玩弄觀眾的情緒：「該那個時候笑，該那個時候哭。該那個時候驚。該那個時候怕。」 Text．Nic Wong 拍攝恐怖片，其感覺及準備功夫，與其他主題電影有何分別？ 驚慄電影最花時間是去構思那一種元素，最能牽動觀眾感受驚慄的情感。驚慄主要分兩種，看得到的，和看不到的。嚇人伎倆不難，令人看不見而感到心寒的，我認為才是考人的功力。放下忌諱，又是另一門必須。 拍恐怖片的得著是？ 創意。哪怕是俗稱的「真人真事」，鬼怪題材總沒有完全的「寫實」。得著是怎樣古靈精怪又來得新鮮有趣。 近年香港很少恐怖片，特別是鬼片，除了顧及內地市場外，還有否其他原因？ 好的驚慄電影不易拍。如果是鬼怪電影的話，有特技還是沒有特技？有特技，牽涉製作資金；沒特技的話，創作單位便要憑鏡頭及豐富的幻想力去進行說服及製作。拍攝鬼怪電影，得不到投資者投放資源的重用及市場的信心，因此變得難以進行。 很多香港新導演的電影沒有內地市場，但很少選擇恐怖片，估計是甚麼原因？ 驚慄題材屬奇情電影類別中的其中一種，因此不多不少也包含著某種「奇幻」在內。而正值這個世代的電影中，大家樂意偏重了「寫實」題材，奇幻的需求亦隨即降低。 另一個可能亦來自編寫過程中，大家偏重了要去資料蒐集，反而不太重用幻想力。香港電影的運作模式和外國的電影圈生態不同，香港很少見到編劇（以年計）寫好了劇本後，再找studio和導演參與，大多數都是電影公司看到市場上某電影題材成功，拿例子去找導演而導演找編劇「埋班度橋」，所以題材往往都是在局限的情況下進行。 未來有否開拍恐怖片的計劃？ 醞釀中。 你覺得香港年輕觀眾還怕鬼、還喜歡恐怖片嗎？ 每種題材都會有它的受眾。我反而相信是，如果是所謂的「典型」，看過無數次的設定及處理手法，未及驚便已覺悶。同時，也視乎視野。 近年看過最深刻的恐怖電影是？ 沒有。

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鄭保瑞 恐怖片不是低成本電影

曾幾何時，不少在香港拍恐怖片的導演紛紛被指變態，古有牟敦芾、桂治洪，今有邱禮濤、鄭保瑞。只可惜近年他們都拍合拍片，但鄭保瑞似乎對恐怖變態念念不忘，近日作品《智齒》雖未至於有鬼，但心理恐怖同樣令人驚慄，而他當年所拍的《大頭怪嬰》、《熱血青年》更是嚇破膽，就算看不到厲鬼在哪裡，但詭異恐怖的氣氛，絕對不是低成本誤打誤撞出來。 Text．Nic Wong 拍攝恐怖片，感覺及得著與其他主題電影有何分別？ 個人感覺分別不大，與其他電影類型差不多。當然每部電影都有自己的得著，但最主要都是故事本身，卻不是因應類型。 近年香港很少恐怖片，特別是鬼片，除了顧及內地市場外，還有否其他原因？ 的確可惜。我拍類型片出身，得知恐怖片這個類型其實有一班基本觀眾，亦是市場中一個基本需要的類型。近年港產恐怖片真的減少，合拍片是主要原因，太恐怖的話就無法過審；另一原因是基於誤會，很多人覺得恐怖片是低成本電影，不用花太多金錢來拍，或者很快拍完，但我自己的經歷不是這樣，反而很花時間去營造氣氛，培養演員情緒亦有一定的難度，所以誤解了恐怖片，對恐怖片發展是有局限。 這些年來，投資者對恐怖片感興趣嗎？ 我覺得近年投資者都想投資開拍的，卻只限於低成本。恐怖片發展空間較小，主要是近年票房或賣埠收益的回收較少，但肯定能夠有基本回收。再看看其他地方如韓國、泰國的恐怖片發展不錯，就連馬來西亞也開始拍攝，可惜香港卻停步了。 很多香港新導演的電影沒有內地市場，但很少選擇恐怖片，估計是甚麼原因？ 新導演與我們出身的年代不同，經歷也不一樣，所以大家在創作取向及題材上，可能覺得恐怖片不太重要，加上他們成長時，我們已拍的恐怖片已經不多，形成港產片的氛圍，恐怖片是小眾一點，沒辦法的。 未來有否開拍恐怖片的計劃？有的話，會是怎樣的？ 我一直想拍恐怖片的，但始終因應成本來決定開拍與否。我心裡有一兩個恐怖題材故事，相對簡單一點，例如一個人在屋裡怎樣生活？或者關於一些傳統神鬼東西，例如問米、神打、茅山等，都是我一直想拍的。當然，一切都很初步，要等待時機。 年輕觀眾還怕鬼嗎？還喜歡恐怖片嗎？ 我覺得甚麼年代、甚麼地方，甚麼成長經歷的人，都一定有某個時刻很喜歡看恐怖片。譬如我女兒今年13歲，突然間很想看恐怖片，於是我經常在家中陪她一起看。我問她為何想看，她也說不出原因，只說很好看，很害怕，相信是追求官能刺激、直接感覺吧。所以我經常說，恐怖片真是一個屬於年輕人的片種，但大家放棄了這個題材。 近年看過最深刻的恐怖電影是？ 幾年前荷里活電影《祖孽》（Hereditary），驚慄氣氛最令人深刻。

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陳果 談鬼片時 我們在談甚麼

往年農曆七月（盂蘭節）堪稱「香港恐怖片」黃金檔，無論猛鬼、邪術或殭屍；驚慄、搞笑或情色，只要閣下夠薑，「乜鬼」都有得睇！是本地影壇一道異樣風光。惟現時創製及文化語景不同了，恐怖片處境亦起微妙變化。陳果執導的新片《鬼同你住》發佈預告後，網民熱議的可非鬼怪多驚嚇、場面多血腥，而是「香港法律亂咁改」、「地產霸權永不死」等諷刺時局的金句。「點解人恨睇鬼片？係一種心理鬥法。」陳果分析。隨現實比電影更匪夷所思，似乎齋講鬼，已經唔夠嚇！ text．Ko Cheungphoto．Bowy Chan 第一次「真・鬼片」 「撐本土」是近年影壇風向，當陳果的《鬼同你住》以「猛鬼凶宅＋社會現象」作命題，借鬼諷今揭示香港樓價長年貴到「唔係人住，連鬼都愁」的荒謬，不期然引發影迷關注這位「社會觀察家」又將針貶何種時弊、探討何樣窘態。影片上映消息一出籠，官方文案及各大媒體更紛紛用上「繼《餃子》、《紅VAN》及《三夫》後，又一凶猛話題傑作」作對照，強調「恐怖」及「社會」兩大元素。 「所謂『恐怖』同『社會』好廣泛，若然細分兩者，層次好多元。」陳果相信「嚇人前，先要嚇到自己」，創作人必須搞清楚手上的主題、概念和素材，甚麼葫蘆賣甚麼藥，才可妥善設計角色，編排情節，推進情緒。「單講『恐怖片』好多類：求神問鬼、降頭邪術、殭屍喪屍、靈異怪事，甚至密室虐待，都可誘發人類內心的恐懼。若數個人作品，嚴格講《鬼同你住》是第一次開宗明義用『鬼』講故事。」 雖然1993年處女作《大鬧廣昌隆》及2013年《迷離夜．驚蟄》，早已涉獵鬼怪題材，但陳果視之蜻蜓點水。「《大鬧廣昌隆》係有鬼，但偏懸疑喜劇，講人鬼戀，不是嚇到人標尿的類型；《驚蟄》參與三分一章，拍鵝頸橋擺檔打小人，唔算講鬼；《餃子》媚姨用死胎煮水餃，都冇鬼。其他作品亦奇情居多，我覺得《鬼同你住》才算首部完整及真正的鬼片。」 談鬼，只因關懷人 何以陳果想踏上「鬼」途？緣於他對「（香港）人」的關心。自反修例運動以來，政局天翻地覆，民生問題不斷，某些題材再難開拍或吸引觀眾。「多口講句，以前香港最勁係拍警匪片，但家下仲可唔可以拍差佬係壞人（笑）？唔知。就算拍到，你想唔想睇？」他調皮說罷，回到「認真Mode」表示，緊接疫情爆發，政府數度頒佈「限聚令」，逼使業界暫停拍攝及關閉戲院逾年，台前幕後或失業或轉行，即使如今戲院有條件重啟、劇組陸續再起動，亦難以改善開支失衡等困局。 「眼見環境咁差、同行無啖好食，幾心噏。同老闆傾開新片，提議開部小製作，起碼製造些少就業機會。」他認為「鬼片」雖然盛景不再，但它曾與武俠片、功夫片及警匪片等，並列本地五大受歡迎片種，或許尚有再生空間。「出於『保育電影文化遺產』的心態，決定一試。」 鬼片褪色有原因 陳果解說「鬼片」褪色因由：「回歸後，大陸審查制度嚴厲，禁拍鬼片，合拍片不得不迴避。你想留香港拍鬼片？老闆驚難回本，不願大投資，變相少人想開戲，惡性循環。再者，世代不同，舊時太平、娛樂唔多，香港人想尋刺激，鍾意聽電台鬼故，像鄭保瑞的《恐怖熱線之大頭怪嬰》（2001）就是電台收到的坊間傳聞改編；有時成班o靚仔露營，又興夜晚圍埋講都市傳說，像東堤自殺幾猛鬼、某學校係亂葬崗；學生哥又會偷偷聚埋玩碟仙等，多機會接觸神怪嘢；但近十年，全城亂象、影業艱難，新一代電影人和觀眾更關心現實難題，助長人文關懷的影片盛行，鬼片市場相對萎縮。」 「萎縮」絕不代表群眾不再需要鬼片。「反之，生活愈壓抑，人愈要發洩，非正式觀察，香港女仔幾鍾意睇鬼片，不時睇到緊張，仲反過來向旁邊男仔抽水（笑），拉手臂、拍膊頭，驚吓、嗌吓，乜都好，總之渲洩情感。我估香港人餓鬼片好耐。」他亦對新生代抱期望。」 「新導演少拍鬼片，並非唔好奇，之前我在導演會教書同幾個後生傾鬼片，發現比起舊時的工業式導演，拍過多類型片好公式化，他們談神論鬼的視角更新鮮和有活力。雖則機緣問題，他們未開得成戲，但我幾期待。暫時，自問難得有資源和想法，就先行一步試水溫，唔敢誇口復興鬼片，只求盡力，如果做到成績，等老闆和業界覺得『都work吖』，或會多些人參與。」 鬼片非得個「驚」字 人到絕望時，驚都變其次，最緊要盡諗計求生存的態度，頗呼應《鬼同你住》的核心精神。電影的三條主線：地產經紀阿源（黃又南 飾）為求豐厚佣金，游說客戶購置凶宅，遭中產的高佬鬼（車保羅 飾）纏上；上流闊太鬼（邵音音 飾）跟四個女（魏秋樺、文雪兒、麥家琪、李麗珍 飾）不睦，死後還在爭別墅；市儈劏房業主阿祥（太保 飾）將唐樓劃成十多間出租謀利，惹來窮小鬼強仔搞對抗。 人設上，明顯針對「富人、中產、草根」及「老人、中年、孩童」等階層的狀況；眾人與鬼糾纏於「樓盤、別墅、劏房」等空間，不忍割捨、不甘相讓，又教人聯想，陳果向來喜以電影探討香港時政，如此佈局似在將各空間喻作「香港」，甚或回應新一輪移民潮下，有人不得已遠走、有人選擇留下來，跟非人性的事情，繼續鬥智鬥力，有的惡勢力則繼續侵略、作威作福⋯⋯引起「何以為家，家在何方」的忖思。 怎樣解讀《鬼同你住》，且待各人看戲後自定。陳果作為導演，只專注於有限資源下，跟團隊塑造獨特世界，給觀眾過癮娛樂。「古今中外，經典鬼片數之不盡，『恐怖』和『鬼』的定義，人人想像不同。譬如香港《陰陽路系列》嚇死你；但杜琪峯的《我左眼見到鬼》、關錦鵬的《胭脂扣》丁點不恐怖，仲感動到你喊，吖，又吹佢哋唔脹。」 「西片《Ghost》好浪漫、《The Others》講凶宅，但臨尾plot twist有宗教思辯；溫子仁《The Conjuring》場景格局精彩；至於個人最震撼觀影經驗，就係同楊凡、許鞍華幾條友睇《午夜凶鈴》，心諗拍咁多年戲，乜都見過，理應刀槍不入？點知貞子爬出井，造型、氣氛配音樂，嘩！頂！勁心寒！」 低成本亦有美學 各式鬼片體驗，使陳果思考怎樣拍出個性。「愈無錢，愈要創意。我重視故事，不想求其彈鬼出嚟嚇人，如今加入『社會議題』，不是純粹指向政治，而是想談民生、住屋等設身困局，引發觀眾感情和代入，感受『驚』的不同層次，甚至思考人生。好似『死』是甚麼？就是天下間最公道的事，不管長命、短命，終需一死；看人死後變鬼的執著，跟在生者的愛恨，可能又令你諗，怎樣跟親朋相處？一日未死，又點面對『生』？驚完，離場，有領悟。」 當多數人獵奇看鬼片，視為B片或Cult片，陳果堅持鬼片亦有另類美學，「不會因貨就價。今次『屋』都是主角，較難慳錢，多謝工作人員用心搵景和陳設，效果豐富；大家又花心思做道具，有一場，講o靚妹要食『腸狀恐怖嘢』，咁絕對唔會畀生腸，中毒咪大件事，大家於是整滷水腸，味道正常，但可能質感核突？人人叫阿妹咬，阿妹死都唔肯，我示範埋點咬，全場打氣，都唔濟（苦笑），諗返幾好笑。拍低成本鬼片，無疑時間和資源不足，想法未必全部可實踐，但同心去試，又幾開心。」 鬼陪你拍戲 電影的「鬼」講得多，好奇陳果現實可曾遇「鬼」，怎樣處理恐懼？「戲行人最常撞鬼，但我可能時運高又善良（笑），無直接撞過。最接近靈異一次，是拍于仁泰的《猛鬼佛跳牆》，有場講暴風雨夜，主角狄波拉拖住李麗珍和o靚妹離開別墅，當時阿妹奇怪地望住我和攝影師潘恆生，話周圍好多『人』圍住，好驚唔想拍。我同阿潘回頭睇，影都無個⋯⋯⋯我信小朋友天性敏銳，望到靈體，當場知瀨嘢，但燈打好、全場等roll，點好？阿潘狂唸心經，我無得驚咁多，硬住頭皮向『成班朋友』解釋：明白各位鍾意睇戲，我哋拍戲啫，有怪莫怪，最後總算拍完。從此行走江湖，本著一個宗旨——唔係害人，唔該借歪，明㗎喇。」

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專訪DIESEL新任創意總監Glenn Martens：與世界分享一場街頭實驗

不同的設計師，對時裝的使命截然不同。山本耀司透過反傳統的侘寂美學來保護女性；Martin Margiela以解構設計教會時尚界，時裝不止於紙醉金迷；而Glenn Martens則抱著反時尚的態度，為時尚界開闢了雌雄同體的新境界。若Glenn Martens在Y/Project的角色，是解剖時裝的實驗家，那他在Diesel便是個帶領觀眾穿梭於視覺與質感的時裝公僕。 TEXT Haley Lai Glenn Martens出生於比利時，大學主修室內建築設計，有次學校旅行路經安特衛普皇家藝術學院（Royal Academy of Fine Arts Antwerp），頓時愛上這座宏偉的建築物。後來覺得時裝似乎更好玩，便拿著唯一的室內設計作品集，誤打誤撞成功入讀這間孕育時裝人才的學院。從最初對時裝一知半解，甚至對Karl Lagerfeld聞所未聞，到最後以榮譽生身份畢業，優越的成績為他帶來Jean Paul Gaultier的工作機會，負責男女裝設計。「Jean Paul Gaultier是個真正的創造者，他讚頌兩性，但最重要是他對自由的追求。我喜歡與他共事，每次都很愉快和充滿活力。」Glenn Martens曾於《Metal Magazine》的訪問提到。 離開Jean Paul Gaultier後，Glenn Martens曾為不同品牌工作，包括法國設計師Yohan Serfaty（同是Y/Project創辦人）創立的同名品牌、Hugo Boss前藝術總監Bruno Pieters創立的Honest by.，以及瑞典街頭品牌Weekday。其後，Glenn Martens更嘗試創立同名品牌，可惜因資金和經驗不足，經營了三季便關閉。2013年，Yohan Serfaty因病去世，曾任助手的Glenn Martens便順理成章接任Y/Project創意總監一職。今次，他終能運用過往所汲取的經驗，並將Y/Project初期的暗黑風格，轉變成另一種更為新穎和前衛的解構美學。 首次留意Y/Project是2018秋冬系列，當時與UGG合作一款高踭長靴，笨重的層層絨毛，像摺皺的牛皮紙。造型看似浮誇，但雙方風格仍然顯而易見，是破格，但絕不醜陋。Y/Project的混搭造型，驟眼看十分矛盾，卻又毫無違和感，譬如運動外套配高踭鞋、加入中世紀皺領的恤衫，或是手袖長至地面的西裝褸。品牌的廣告硬照同樣過目不忘，常常用上不同性別、年齡、種族和樣貌的素人模特兒，穿上解構和混搭的造型，並刻意融入日常生活環境的對比拍攝手法，顯得十分超現實。Y/Project總是在熟悉的事物中尋找未知數，而Glenn Martens正是率領這一切的奠基者。 另類的時尚美學和低調謙虛的作風，令Glenn Martens成為如今最炙手可熱的新晉設計師之一。去年十月，Diesel宣佈任命Glenn Martens為創意總監，時尚界對此又驚又喜，同時質疑他能否重現品牌於九十年代的銷售巔峰。Diesel曾因牛仔服飾而聞名，當年推出刻意磨損的爛牛，雖然價錢昂貴，但仍受年輕人歡迎。後來，更持續推出充滿黑色幽默和諷刺意味的廣告，成為時尚界另類和叛逆的代表，Diesel從此不只是一個品牌，更是一種生活態度。可惜，終究敵不過時代變遷，品牌銷售額大幅下滑，更一度申請破產。若要Diesel重現當年的全盛時期，便需要一個能將品牌活力以現代姿態重新演繹的領導人。 今年六月，Glenn Martens發佈了由他掌舵的首個系列。同樣以他擅長的中性、解構和實驗性為設計重點，同時可見九十年代推崇的個人獨立主義，貼地且充滿實驗性，將Diesel的DNA浪漫呈現。Glenn Martens解釋：「Diesel是一個充滿玩樂、享受生活的品牌，這帶來實驗性且令人意想不到的興奮。這個系列展現了品牌的核心價值，當然還有其好玩、激進、成功和運動風尚的理念。」一直在高級時裝品牌打滾的Glenn Martens，如今要接手大眾品牌，兩者無論是背景、風格、營運，再到銷售各方面，明顯截然不同，Glenn Martens坦言仍在學習中：「我有很多東西要消化和學習，對我來說，這是一份全新的工作，我從未試過負責一個如此大型的國際品牌，而且跟我認知的類型十分不同，因為過往我與奢侈品行業的關係更密切。在Diesel，我必須學習各種處理方式和市場應對，以及怎樣從品牌已有的產品發展下去。」兩個品牌由同一位設計師操刀，風格難免相似，消費者會如何選擇？特別是Diesel和Y/Project的售價相差甚遠，Glenn Martens坦言並不擔心Y/Project的粉絲移情別戀，轉投價錢更低的Diesel。他解釋：「因為兩個品牌的創意重心非常不同，Diesel著重於布料、顏色和圖像的實驗，同時盡量保持簡單的輪廓，更容易穿著。而Y/Project則偏向採用簡單的布料，但在結構上進行各種實驗。雙方用不同的方式，體現了我行我素、愛生活和玩樂的精神。」 相比Y/Project，Diesel的價格經濟得多，同時不失高級時裝的氛圍。Glenn Martens為這個熟為人知的大眾品牌加入概念性和實驗性，令大眾消費者也能嘗試高級時裝帶來的夢幻感，還順勢提高了中低價品牌的設計門檻。從當年誤打誤撞踏進時尚界，Glenn Martens不經不覺已打滾了十二年，他對此概嘆：「我在這十二年間不斷冒險，也有高低起跌。我認為最重要是堅持自己的信念，不忘初心。」而Glenn Martens的信念和初心，或許就是希望透過時裝，將實驗成果無私地與世界分享。

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王丹妮 劉俊謙 追憶似水流年

留下只有思念，一串串永遠纏。不多不少，梅艷芳、張國榮已經離開了我們十八年。常說十八年後又一好漢，現在的她與他，又過得快樂沒有？籌備經年的《梅艷芳》電影，終於在他倆離開的十八年後即將上映。梅艷芳一角，早已宣布由香港土生土長的模特兒王丹妮（Louise）主演，而梅姐好友張國榮，誰人飾演一直成謎，今次訪問終於揭盅，就由與哥哥本身有點相似的劉俊謙擔此重任。浩瀚煙波裡，我懷念，懷念往年。當然，梅姐哥哥都是完美，神聖不可侵犯，絕對難以模仿。面對演得相似與否的讚美及批評，兩位年輕演員早已看透，坦言：「如果大家的焦點只是似不似，這樣將我們看得太重要了。劉俊謙與王丹妮，其實是不重要的，最重要還是梅姐、哥哥及香港，只希望這部電影能令觀眾重新閱讀兩人的香港故事。」外貌早改變，處境都變。情懷，未變。Text．Nic WongPhoto．Max ChanStyling．Kim Au assisted by Sam YeungHair．Kolen But（Louise）、Nick Lam@Orient4（Terrance）Makeup．Pinky Ku（Louise）、CarmenC（Terrance）Wardrobe．Louis Vuitton王丹妮．沒有辦法做乖乖《梅艷芳》電影回顧梅姐的四十年人生，故事從荔園後台說起，直到梅姐紅館演唱會落幕。梅艷芳一向被讚賞為「香港的女兒」，各人對演繹梅姐的演員有不同意見，最終導演監製一致決定找來「零演出經驗」的模特兒王丹妮（Louise）擔綱主演，引來議論紛紛。今回王丹妮現身說法，大呼冤枉：「其實我是香港人，土生土長。以前我在荔景讀『綜合成衣』，目標成為時裝設計師，後來替師姐走畢業騷，才被看中成為模特兒。很多人誤會我是北京人，主要是內地有個演員與我同名同姓。最有趣是，有人以為是我老公（羅孝勇）教我廣東話，但他其實是澳洲人（籍），他的廣東話才不準呢！」至於張國榮一角，劇組選了《幻愛》男主角劉俊謙演出。他隱藏了這個秘密良久，更指《梅艷芳》才是他入行後的第一部電影。「早於2017年試鏡時，我已被選中，而電影於2018年開始拍攝，其實是我和Louise的第一部電影，甚至比《幻愛》、《教束》還要早。」王丹妮、劉俊謙的首部電影獻給《梅艷芳》，怎料當初二人得知被選中時，卻是驚多於喜。Louise回想當日聽到消息後，自言立即買機票「走佬」，飛到泰國躲在酒店喊足兩日，與電影中梅艷芳的一段出走情節相似。「當初擔心得有點手足無措，但踏出酒店房門那一刻，就決定了拿出我的畢生勇氣，迎接這個挑戰。可能我是模特兒，怎樣害怕都好，當我踏出天橋的那一刻，就要表現出最佳狀態，萬大事都不理。」劉俊謙坦言心情相似，被選中也不太開心，反而有種很大的恐懼，雖然未有「走佬」，但他沉澱後覺得：如果這樣都恐懼，未來如何演下去？於是，他鼓起勇氣接受挑戰，並且保存秘密直至今日。踏出重要一步後，王丹妮接受各方面包括唱歌、跳舞、演戲、形態、咬字等訓練。「尤其說話語調，到底應該幾高幾低，當中試過很多不同演法。又像很多臉部表情、肢體動作或細微動作，幕後團隊與她研究了不少時間，才得出現在這個版本。」深呼吸一下，然後她卻呼了出一大口氣：「拍攝這部電影之前，我從未想過要做演員，今次真是一個全新挑戰，一切都是經過苦練出來的。」要飾演梅艷芳，當然不只能單靠造型或演技。投資者及導演早就說過，她的身世與梅姐有點相似，同樣是單親家庭長大，被父親遺棄後，希望分擔媽媽養家壓力，十多歲已兼職賺錢，有一份與別不同的堅強。王丹妮憶述：「我的確在年輕時候就投入社會工作，亦是很早養家，至於愛情方面，也有些相近的經歷，因此將各方面的東西融合，自身經歷亦幫助我投入角色。」別忘記，梅艷芳當年參加新秀歌唱大賽入行，王丹妮就是參加模特兒比賽，同樣經過選秀入行，雙雙奪冠，冥冥中有主宰。劉俊謙．怪你過份美麗從八十年代演到千禧時期，王丹妮演足梅艷芳的不同時期。「最深刻是八十及九十年代，既是香港最輝煌時期，亦是梅姐事業不斷再創高峰的時間，現在再看，份外有感覺。」劉俊謙形容，梅艷芳的成長及整段人生，那種起落與香港很貼近，好像環環相扣。「今時今日，再看梅姐的故事，或許能給香港人一種鼓勵。」對比王丹妮的白紙一張，劉俊謙出身於演藝學院，對演技有一定的追求。踏進電影圈的第一步，隨即要演繹張國榮，他早已表明難度非常之高。「梅姐及哥哥的印象太鮮明，我覺得難以做到所謂的完全相似。很早時候，導演說過不希望我們在這部電影變成模仿大賽，更在預備過程中不斷提醒我們，嘗試找出梅姐及哥哥的面貌、特質或精神，透過我們承載出來，這樣觀眾會看得舒服一點，所以我們循著這個方向進發，過程中沒有很用力去模仿所有事情。」提到精神面貌特質，在劉俊謙的心目中，張國榮有兩種吸引之處。「一方面，哥哥是很carefree的人，身在公眾場合很自在，就算很多人包圍他，彷彿整個地方都屬於他，這絕對是他的魅力；另一方面，哥哥亦有種多愁善感及脆弱，未必會在大眾中流露出來，但他總是遊走於兩極。」他不諱言自己與「哥哥」相差甚遠，性格內向的他，身在人群中不會將自己能量放到很大，反而喜歡靜靜坐在一角觀察及聆聽，但張國榮天生就是一個焦點。「正正是我和哥哥的差別，我一步一步地了解，何謂一個巨星，從差別中不斷發問問題。」至於在王丹妮眼中，梅艷芳的特質更加明顯。「她的外表是一個堅強、硬淨的女強人，但內心卻是小女人。梅姐對愛情的追求，一直對事業上的與時並進，不斷挑戰創新，都是令我印象深刻。」今次電影將會聚焦梅艷芳的兩段情，讓你我她刻骨銘心，也解釋了為何經歷一切後，最終她更希望披上婚紗，嫁給舞台。顛倒眾生 吹灰不費難怪二人坦言拍攝前不認識，後來從訓練中互相鼓勵、支持及研究劇本，慢慢熟稔起來。劉俊謙透露：「碰巧我們也有相似的特質，Louise比較男仔頭、硬朗一點，但內心卻是小女孩，我就比較多愁善感，也有陰柔、女性化的一面。年紀上，我比Louise年長，有時候像哥哥照顧她，有時相反，感覺似兄弟而不似兄妹，有點像電影中同步，建立出不可多得的友誼。」誰都知道，梅艷芳、張國榮都是唯一，沒人取代，當年唱出〈芳華絕代〉，也創造了絕代的芳華。「他們在最好的年華裡，造就了一些空前絕後的事情，從當代到現代都是難忘，那個芳華絕代中最代表的人物，就是梅姐與哥哥。那是屬於那個年代的美好，沒甚麼人可以取替。」王丹妮不只一次說過，就算自己扮得多神似，她不會是梅艷芳，而劉俊謙也不會是張國榮。後者更進一步表明，演得相似與否並非重點，主角卻是梅艷芳、張國榮，以及香港。「有些地方可能演得相似，亦可能演得不似，反而我覺得這個不相似的距離，或許能夠令觀眾重新閱讀梅姐、哥哥的故事，而不是每一刻都在螢幕上比較似與不似。」他甚至提出疑問，到底梅姐及哥哥的某些面貌，大家會否未必認識或記得？「又或者，當中有否一些香港的面貌，是大家錯過了？這次不妨用電影來重溫一下。」最後，王丹妮猶如梅艷芳上身，為訪問進行總結：「最重要是，大家能夠追憶過去多年來梅姐與哥哥的美好回憶，以及香港曾經的美好，希望大家再次重溫梅姐的歌曲及電影，我們就是完成那個使命了。」我最喜愛梅艷芳、張國榮的經典造型王丹妮：「如果只揀一個，我覺得是梅姐唱〈夢伴〉及〈壞女孩〉的中性型格打扮，當時帶起了一個風潮，女生都可以穿得很型格，很boyish。」劉俊謙：「我會選擇哥哥的鴨尾頭。當年他梳那個中分頭，有個鴨尾在後面，風靡全城，直至現在很多亞洲明星依然出現類似的造型，可說是八十年代影響至今。」■

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