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HKDI畢業生譚偉民 讓夢想化成事業絕非空想

對於許多追夢者來說，若可將「興趣」與「職能」結合，就是最理想的發展狀態。可是基於教育環境、市場形勢或現實種種，要達到這一點卻又不容易。 「可幸，香港知專設計學院（HKDI）提供合適的學習土壤，讓我的攝影及藝術知識得以好好紮根，同時也獲得不少實戰及交流經驗，得以在未來好好拓展出屬於自己的理想。」超現實主義攝影師譚偉民由衷地說。 Text: Ko CheungPhoto: Oiyan Chan 夢想與現實的掙扎 「追夢」與「務實」之間該怎麼平衡，是無數年輕學子探索前途常遇的迷思之一。畢竟，香港的教育氣氛向來較為側重於學術成績，相對藝術、攝影或音樂等範疇則常被視作「課外興趣」般對待，這使得有志發展相關技藝的年輕人，常會萌生諸如「兩者是否只可二選一？」、「當下選擇會否不切實際？」、「畢業後會否難以維生？」等憂慮。  「以上考慮無可避免。但我仍然選擇『興趣』先行，因為唯有做自己真正喜歡的事，才能驅動內在最大的好奇心與自發性，也更有動力去克服日後發展夢想時的重重挑戰。」譚偉民笑說自小就鍾情電影，尤其喜歡如「Marvel」之類的科幻題材，所以一直很想探索當中的創意知識及技法。如他所言，正因心底有足夠的喜愛度，也促使他更用心去搜索不同升學資訊，研究怎樣突破當下教育制度的框架，走上一道真正適合自己的學習之路。 「興趣」的多元可能 幾經尋找，譚偉民遇上了HKDI的課程。「求學的路上，只要願意主動一點，其實也不難找到相關的資源。像HKDI的網站及社交平台上，均羅列了超過20個設計相關課程的資訊，加上每年學校又設有不同類型的外展活動、升學講座或資訊日等，大家好容易獲取所需資料。像我當初也是經過深思熟慮的查閱後，決定報讀及主修電影電視及攝影文憑課程。」 這個合共約3年的課程，讓譚偉民逐漸認識影像創作的內涵，同時還認清楚本身的個性及喜好。他發現「興趣」無疑是所有創作的起點，可是在落實想像及與人合作的過程中，又會慢慢看到了各種源於自身、或基於外在因素而出現的考驗。這時候怎樣將「興趣」轉化成更對應個人能力的技藝，以至將之發展成日後的事業基礎，則需要更深刻的思考及計劃。 譚偉民解說，「起步時，我是喜歡電影而報讀，所以未有專攻攝影的範疇，但課程卻於Sem 1的編排上涵蓋了編劇、電影攝影、後期製作及攝影四大領域，可說是文武兼有，也令我於上堂及做集作的過程中，逐漸發現比起安坐室外寫劇本，自己更喜歡到處走走看看；比起跟大夥兒於現場創作，自己更擅展獨立地處理拍攝；比起純粹聚焦寫實性的題材，自己更愛閱讀攝影和美術史、研究不同的概念及理論，再嘗試結合想像來拍攝照片等。」 從學術到商業的實踐 多得HKDI集理論與實踐、學術與商業的特色，「我終於認清了興趣和所長，繼而下定了轉攻攝影藝術的決心 。那幾年，學校亦提供了非常優良及彈性的學習空間，讓我可以不斷吸收專業的製作知識之外，也能夠通過活動及實踐式的學習經驗，靈活地掌握到各式創作、拍攝、後期製作等技術，培養出更宏觀、更全面的技能及視野，並有系統鍛煉了攝影攝像方面的職業技能，畢業後也順利地銜接到業界及市場之中。」   談及這一點，譚偉民翻出其中一個作品系列《海景》作分享。「由於我很喜歡藝術家杉本博司，對於他提出的人類記憶及時間觀念深感興趣，於是就想探究怎樣令影像跨越既有的時間和空間。當時做這份一組七張的街道系列《Two hours of memory》時，我就嘗試將課堂學到的技法、配合個人觀察及幻想，走到油尖旺一帶的街道上用了數天時間，捕捉不同時段的人流及風景畫面，再用後期重新組合成照片，從中探討規律、時間變化，人們之間看似沒交集但做着類似的事等狀況，回應社會現象。這可說是其中一項我得頗有滿足感、老師們也給予很高自由度的作品。」 師友的強大支援 課程以外，譚偉民直言良好的師生關係，也是幫助他追求夢想成真的路上，一股非常重要的推動力。「在學期間，HKDI非常鼓勵我們積極參加各類型的交流項目或比賽，所以我也很珍惜每個機會，不斷嘗試和探新，幸運地也在好些國際或本地比賽中，獲取了不錯的成績。但踏入攝影市場，真正開展個人的攝影師生涯，又是另一場更大的挑戰，始終我的閱歷尚淺，有時也需要一定的支援。」 譚偉民憶想，「像去年十月首次參興博覽會的展覽，在策展期間遇上很多知識及技巧上的難題，例如從選取相片物料、怎樣打印到裝裱都滿是學問，加上展前又遇上十號風球來襲！實在很多變動，也略有壓力⋯⋯可幸的是，當我主動求問HKDI的老師時，大家都非常樂意提供意見及專業協助，最終令我做到想要的效果，既滿足到市場的需要，本身亦有所成長。」 帶着美好經驗迎向未來，譚偉民表示縱使疫情之下，暫時少了外遊機會去觀摩外地的攝影圈現象，「但我都會用心投入本地的各種交流機會，譬如繼續跟不同範疇的攝影師、藝術家和創作人溝通及分享創意經驗；也善用在學累積的基礎及知識，不設限地繼續自我探索，實踐更多類型的影像風格及作品；另外，亦希望回饋母校，日後多回來跟師弟師妹分享見聞，像從前師兄姐及老師們鼓勵自己般，幫助大家在HKDI中找到適合自己前進的方向。」

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Eggshellsea 蛋殼海 當動畫化為一首詩

一望無際草地、櫻花樹下、林立大樓、佈滿花瓣的湖邊，每一幀充滿詩意的風景都是藝術品。自稱視覺效果製作人的Rocky，將風景化為畫，再將一幅畫化為動態甚至是短篇動畫，美得就如同進入詩境，故事的主人翁可能是你——以第一視角不知不覺進入如繪本般的國度。本地流行文化的新浪潮，代表原創作品可以更多元，亦讓一些與主流動畫風格截然不同的動畫師不再孤獨地創作。讓想過離開的動畫師，有原因地留下繼續創作。 Text: Wingchi ChanPhoto: Oiyan Chanllustration：Rocky@Eggshellsea 「那時覺得一些靈感是從雞蛋殼打出來，是有生命的，要有衝擊打破才有新的靈感。創作就是無數雞蛋出生，小雞出生的過程會留下很下蛋殼，這些蛋殼就是創作的印證。過程從來都是最重要，破殼是創作過程最難忘的一部分。無數的蛋穀打破就是成為海。」Rocky從多媒體學系畢業之後，加入電視台工作兩年，負責做一些圖像修飾和調整，之後自立門戶成立了一人樂隊「Eggshellsea蛋殼意象」工作室。 藝術與動畫的中間地帶 Rocky說以往的工作都是演唱會、MV、廣告等為主，所謂創作一直都是以客人的角度為主，去配合他們需要的。直至兩年前疫情開始工作減少，社會氛圍較低氣壓，他開始了自己創作：「不如畫一下自己想畫的東西，很久沒畫過了。純粹讓我可以有個空間可以投入，使可以抒發情緒。因為創作是由社會和自身出發。」當時的他畫一幅動態畫，一個漁夫坐住木船越過落滿荷花河流，令人不自覺地給治癒。 他形容自己的創作既不是動畫又不是單純藝術品，沒有突出的主角，反而是遠距離的視角，從大環境細緻描繪，在他作品中可以看到有森林、草原、甚至是城市風景，表達疫情、移民等議題，簡單將風景事物不斷重複，予人感覺是置身在環境當中。訪問當天我們正在工廈天台，開得繁盛的花草樹木包圍住我們，他說也喜歡大自然帶給他的感覺，不時到互外拍照，然後把當刻感覺化為作品：「在大自然中會放空，而我的作品純粹營造出一個空間，加上音樂，想看的人就是那個角色，在環境之中成為主角，是以感覺為先。所以音樂很重要，好像一個領航員導賞似的，可以加強感官。因為作品有時沒有角色很難捱，能做到意景上起承轉合。」 定義自我風格 設計是服務和解決問題，藝術就是提出問題。建立自己風格後，現時的工作多了點自由度，Rocky可以加入原創內容：「以前工作都是為客人服務，與現在有分別，因為發展出自己風格，目前有一半客人是服務他們，他們想要甚麼就替他們完成想表達的東西，有一半是客人指定要我的風格。在這時主導權大很多，因為他們沒理由會改變你風格。」例如林家謙的《某種老朋友》中一塊葉子在河上漂流的情節主要都是他的構思：「原來我的風格都很有位置，在不用人物情況下都呈現出故事。」 說到底都是要做出令自己感動的作品：「整件事要是服務自己，才會有自己風格，如果要做自己風格，一定要做自己有感覺的東西，自然會找到定位，別人會開始認到你。」那麼找到個人風格，要如何才可以讓人發現？他強調社交平台例如Instagram等是一個很重要的平台，不少動畫師經社交平台多了表達自己，不同種類的作品集中一起，現在香港動畫界作品看來有如百花齊放。 走出一人之境 近年流行文化再度掀起熱潮，開始追棒新的明星、電影、音樂、甚至YouTube頻道，背後代表多元與價值，讓更多創作人更勇於發表自己作品。「以前是單一文化，看一個電視台看一樣東西，現在觀眾不在框架內，新生代接收能力亦較大，可以創造一些人們未必喜歡的作品，正如Serrini一句說話 『我就是要令你看得不舒服』，這樣才可以突破框架有新的創作。我很開心以往演唱會由我一人完成，雖然滿足感很大很寂寞，現在又不同人一起參與，不同風格亦可以走在一起。」唯有商業社會的包融性增加，個人風格就可以浮面，Rocky強調現時是有不少有特色的個人創作，但未有機會浮面。 從開初成立工作室，Rocky一直以來都是身處「一人境界」，不少動畫師與他一樣都喜歡宅在自己世界創作，未必會花時間與其他動畫師合作與磨合。近年有本地動畫師開設「洋蔥鬼 Onion Ghost」Instagram專頁，抓著不同本地動畫師介紹自己及，強逼他們不要再宅下去孤獨畫畫：「大家可以支持下大家，例如這單工作沒有空，亦可以讓給你去做。做動畫感覺本來好像埋頭苦幹，但有一班人仍在行業中默默耕耘，可以連結到，是兩件事來的。之前知有這班人和真的有交流是兩件事來。」如是者爐火大點，可以讓曾萌生出離開圈內想法的人，因著這一點暖有更大原因留下，讓本地動畫得以走下去。

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Tommy Ng 吳啟忠 並肩而行的小船

上月MIRROR成員江熚生（Anson Kong）推出新歌〈信之卷〉，MV大膽用上日系動漫向童年致敬，青春熱血令單曲甫推出便大受歡迎，在YouTube上至今已有過百萬點擊率。隨之而來動畫界亦翻起一鼓浪潮：一向作為幕後製作人員的動畫師置身在鎂光燈之下、過去本地動畫作品再度重溫……等等，眾人恍然發覺原來香港也有一班出色本地動畫師，而他們亦早已默默建立自己的動畫聯網，成就更多動人的本地作品。 Text: Wingchi ChanPhoto & Illustration: Tommy Ng 〈信之卷〉MV幕後功臣，就是動畫師Tommy Ng吳啟忠和「奶茶通俗學」的崔氏兄弟。Tommy的名字在動畫行業並不陌生，除了早前和張小踏合作短片《極夜》入圍台灣金馬獎最佳動畫外，亦曾參與不少海內外的MV製作，例如〈相擁萬歲〉、〈Lie For You〉，以及電影《今晚打喪屍》動畫部分等不同範疇。今次的作品大受歡迎，Tommy笑言有點受寵若驚：「民間對動畫很有愛，我非常開心，尤其香港還未有大型動畫競賽獎項之時。即使是最殘忍連登討論區都稱讚〈信之卷〉時候，看到大家真是愛錫（香港）動畫，MV上架後亦幫忙護航。」 「周身刀」的美學 Tommy 大約10年前畢業加入動畫行業，與行內動畫師一樣開初主要都是以製作CG為主，當時並未有原創內容的作品。從商業、娛樂到原創項目都曾經接觸過，因此對於不同製作過程都很熟悉，知道自己手上的工作會放到甚麼媒介，多年來不同的訓練，令他成為全能的製作人。 不論是廣告、樂隊MV、或是電影動畫，Tommy一、兩套作品也帶有《阿基拉》、《藍色恐懼》等日本奇幻動畫的風格，正如他所言日本動畫大師對他影響猶深，而他投入動畫創作或多或少都是與兒時回憶《龍珠》、《數碼暴龍》有關，雖然他早期臨摹都是較貼近自己審美觀的日系風格，不過在他心目中原來所謂視覺風格其實不太重要：「我盡量不想重複用同一種視角效果。曾創作《螢火蟲之墓》的高畑勳永遠是我學習對象，就算他出自吉卜力工作室都有嘗試不同風格，反而希望像他純粹因為故事而創作風格，而非把故事套進某種風格。」 動畫電影的魅力 近期他的新作《世外》原創動畫電影發佈首張電影海報，碰巧遇上正值香港動畫熱潮好時機，不少人都倍感期待。其實這一套作品醞釀多年，早在2018年故事編劇和監製Polly已有故事大鋼，但難以找真人飾演。直至她遇上Tommy，二人一拍即合，加入Point Five Creations共同以動畫形式製作《世外》。試驗版13分鐘短片在去年更獲得DigiCon6 ASIA「全場大賞」，目前完整電影版本正製作中，目標將會2024年上映。 即使是3分鐘的原創2D動畫，亦需要花上以月份計算時間，尤其對比海外成熟的技術，本地動畫電影固然要花更多人力物力，那麼為甚麼要花時間製作一套電影？「電影是我創作暫時最好的載體。廣告很容易變成快餐，雖然也很美味但不像喝紅酒，繞樑三日的餘韻。電影困你在黑房兩小時，之後當你回想起電影橋段，角色所帶出來的經歷參考不止那兩小時。而電影合作集合很多說故事很厲害的人，是最極致的一個藝術。」 摸石頭過河 「香港現況正是有很多小船在並肩而行，一起期待著一個大製作誕生，但暫時大家都是「開荒牛」的身份，因為香港以往沒有前輩嘗試過我們這種製作電影的方式，我們只能仰賴製作短片的經驗來擴充。」前人種樹後人乘涼，香港動畫市場未如日本動畫市場般成熟，沒有與生俱來的「光環」，要引起海外動畫市場的注意亦是未來這班動畫師的挑戰。 香港的動畫市場較小，但畢業於動畫學系的學生有增無減，現時每年至少有30、40套個人作品，當「憎多粥少」時行內飽和，人才便會慢慢流失。Tommy也說本地動畫師最急切需要的，或者是要「做大個餅」，製作一些動畫劇集或者外國節目代工，包含不同範疇人手擴充和拓展這個行業的需求度。 幸好，香港與海外每年亦有大大小小影展，得以讓互相認識本地動畫圈內的人才，即使身處同一行業亦毋須「同行如敵國」。而這一班動畫製作人悄悄起動連結，便是一種共識去帶動這件事情發展。「因為香港動畫師都是一班希望說故事的人。」故事最終是否動聽，都是取決於行業內的資源。

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Silili & Tree VR　踏進幻想國度

有趣的故事可以帶領人們跳進另一時空，延伸出另一想像世界。故事的載體千變萬化，可以是劇集、小說、紀錄片、動畫等方式，甚至是現在科技帶來的VR（虛擬實景）的新世界。這種沉浸式的動畫設計不再限於螢光幕上呈現，以及不再由動畫導演單方面說故事，透過不同互動產生更多元感受和理解，將幻想世界美好之事物逼真地呈現眼前。 Text: Wingchi ChanPhoto: Oiyan ChanIllustration：Silili & Tree Team 動畫界圈子說小不小，說大不大，但足以令有才能的創作人互相結識合作。去年在灣仔茂羅街7號展出的VR項目Silili & Tree，團隊成員來自不同界別，包括電影監製Polly Yeung和VR團隊Gamestry Lab的Eric和Anna，因著本地動畫師Tommy牽起合作紅線，共同創作出另類故事。 動畫世界裡的無窮想像 現時與Tommy一起在動畫工作室Pointfive Creations工作的Polly，本身是電影監製和編劇，作品包括現影《 非分熟女 》、《 女皇撞到正 》等，她同時亦是《世外》動畫電影的監製和編劇。Polly形容自己喜歡說故事，不論是劇情、動畫、紀錄片，在她眼中都是不同媒介，最終都是用以表達故事，而她就選擇利用甚麼媒介的那人。 她選擇以VR說故事，是因為三年前一次去迪士尼動畫工作室交流的經歷。當時課堂一套VR作品令她為之動容，當中的畫面離心力亦令她印象深刻，令她決心之後亦要以VR形式去表達故事。她發現動畫世界自由度很大：「拍戲有限制，有時會發現故事未必能拍到，而要動畫表達。」 動畫超越寫實，Silili & Tree中樹精的角色啟發至Polly的床頭的小佛像：「小佛像很Chill（冷靜），提醒我要有智慧的靈魂之餘亦要保持冷靜。而我很喜歡大自然，樹很有靈氣會給力量你，所以把小佛像與樹結合，希望經常接觸數位裝置的人有機會接觸大自然。」她找來兩位動畫師Eric和Anna，將她腦海對於「樹精」的描繪逐步實現。 VR與3D動畫之別 來自Gamestry Lab的Eric和Anna，是今次負責VR製作的3D動畫師。製作VR與虛擬世界遊戲的模式有點類似，Eric說這類型的作品可能性很大：「VR有自由度，不止是一個視角，而是360度的角度都要可行和舒服；第二是互動性，要考慮玩家心情會否感到不耐煩、停留多久要轉場景、要作出怎樣的抉擇；亦要考慮實際空間，予人真的到達島嶼的感覺，不會覺得在大廈單位裡面。」 為了讓大家投入大自然世界，今次的故事亦除去使用者介面和按鈕，參加者只是透過手和眼的移動，例如撥開雲霧、走上石頭、觸碰發光蘑菇進入故事情節，這一部分對製作團隊亦是一大挑戰，六、七成步驟需要牽涉電腦編程，單是不斷試驗亦花上一個月。笑稱自己不懂得動畫製作的Polly，她在製作過程不斷碰壁：「有時錯用電影剪接位作為故事時間點，但其實不是這樣。有次以為是完美的版本但其實不可行，因為角色出場時間要很準確，有些參與者反應慢很多，實際是要延遲數秒。」 香港也有本地3D動畫 帶上VR眼鏡進入Silili & Tree世界，由樹精Silili帶你飛往奇幻之地，走過不同天氣的春夏秋冬，途中不會停下，即使遇上最喜愛的季節也得離開，在10分鐘的旅程俯瞰世界，感受生命無常。近年這一種由動畫創作者構思的原創故事受到的關注愈來愈多，Eric認為本地一直不缺乏人才：「一直以來也有很多動畫師，主要在香港獨立動畫界別出現，很少公眾平台出現他們作品，即使有IFVA等平台致力推廣香港動畫，但宣傳不足為主，近年多了點宣傳。以前很多人也有好點子idea，不過缺乏宣傳。」 曾加入製作過《忍者龜》、《阿童木》大型動畫公司意馬Imagi的Eric與Anna，離開大公司自組公司，可以有更多機會進行創作：「當刻才感覺到真正入行，在大公司工作好像一顆螺絲，雖然知道整個流程是怎樣，但只是很小部分，直至跟Eric自組公司，才真正享受做原創動畫。」Anna說。他們當時離開大公司之後，創作出以家中壁虎為主題的《守宮物語》，這一類型的作品令他們很滿足。 他們從溫室之中走出後，早年只有二人的創作同樣都是孤單，Eric和Polly也寄語新晉的動畫師，即使動畫師本身是獨立工作，常創作提升個人能力之餘，亦要「露面」不要閉門造車、埋頭苦幹，與其他動畫師「圍爐」般交流，才可以繼續在這行業做下去。

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盧子英 動畫界擺渡人

提起香港動畫，不外乎八十年代過後鋪天蓋地的動畫廣告與長片，由「老夫子」到「麥兜」，這些家傳戶曉的動畫人物，無一不印證著當年動畫業界如何撐過起步階段。盧子英由1977年開始創作獨立動畫，不但是香港最早一批專業動畫師，還身兼動畫評論以及歷史研究的工作。即使如今早已放下製作動畫的職務，但人稱「盧Sir」的他除了堅持推動香港動畫文化產業外，更致力於為年輕新血搭建溝通橋樑，成為築起人才網絡的一位伯樂：「在我眼中香港是一個值得用動畫說自己故事的地方，前提是年輕人先要彼此認識和合力完成這回事。」 （盧子英早年「沙」動畫專題報導） text． Leon Leephoto． Oiyan Chanillustration．黃炳、John Chan 動畫不是一個人的事 細看現今的動畫工業，你會發現動畫種類五花八門，既有2D手繪的製作方式也有3D建模的電腦特效，但原來在七八十年代的「開荒」階段，市場上既沒有正規課程培育人才，也還沒有電腦科技的出現，只有如真人電影所用的菲林拍攝形式，相當雜亂無章。資深動畫人盧子英說，當年製作動畫膠片由於沒有專門學校只能自學，因此在「製造影像」時經常「撞板」，只要稍有差錯便要重做，是一項十分奢侈的活動。 「舊時的動畫全都由菲林製成，因此只有尺寸之分。一般人最常接觸到的都是Super 8 mm，是一種面積很小且相對便宜的平民款式，但解像度很低加上只有三分鐘的容量；再考慮到沖印和後製剪接的問題，其實我們每個決定都要十分謹慎。」一般人對於製作動畫的印象，或許都是「如何令多張動作畫串連成一個動態」，但其實背後還要處理很多雜項，例如畫面的光暗﹑燈光的佈置等，這些都並非動畫師的專長部分。盧子英指最初入行時由於動畫風氣還沒盛行，因此整個香港有份參與動畫製作的人根本不足五十，變相連調節相機光圈也要親身逐一實驗，令創作過程十分繁瑣困難：「每次拍攝我都會記錄燈光佈局與畫稿數量，去比較動畫效果的好壞，但這個部驟要重複很多遍才能令作品達標。雖然獨力創作是很好的經驗，但香港只有兩三個人願意製作動畫，又有甚麼意思呢？」 與新生代相識相知 作為香港元祖級動畫師，盧子英在1977年至1982年間獨力拍下了十多部動畫作品，更憑代表作《龜禍》和《藍月》等收獲無數掌聲和獎項，但基於當年發佈平台有限的緣故，他說作品其實只曾播放數遍；真正令香港人認識獨立動畫的機會，實際上來自於政府和民間的支持。「我認為好的作品自然能在觀眾腦海留下印象，但首要做的是讓他們有欣賞機會。當時幸好有些電影團體與政府合辦動畫短片比賽，以及藝術中心舉行動畫專題的展覽，才終於有曝光自己作品的機會。」 不過，盧子英雖然孤芳但並不自賞，他說當作品累積到一定數量時，其實或多或少都令很多年輕人為之感動，希望嘗試投身這個行業。而他毅然決定把定位轉為教育和輔助的角色，便是希望讓這些經驗得以傳承：「正因為動畫是我最熟悉的事物，我更希望它能在香港好好發展；這幾十年來我寸步不離動畫業，為的便是加強這個圈子的關係和聯繫，我認為這是橫跨兩個世代的人應盡的使命。」這種為業界貢獻的想法誠然可貴，但更難能的是他除了參與動畫教育，更堅決要為一班動畫新力軍揮灑筆墨，將最近十年的香港動畫事跡輯錄成書，打造一本名為《香港動畫新人類》的深度訪談集。  （新書《香港動畫新人類》封面由黃炳所畫，內裡有著各位動畫師的作品圖輯）  合作模式讀取完成 「或許有些誇大，但我想記錄香港動畫這件事除了我以外未必有別人適合。因為出版紙本一直是我的使命之一，而碩果僅存的也只有本人而已；要深入接觸這班新晉動畫師，需要跟他們有一定的認識和了解。」《香港動畫新人類》這本書記錄了當代香港最有貢獻的動畫師的創作事跡和心路歷程，可惜做動畫的人性格普遍內向，盧子英指要令這班動畫師關係變得親近，全賴動畫支援計劃給予他們真實碰面的機會。 盧子英由1983年開始負責擔任動畫比賽的評審，不僅能率先知道這班新生代人物的技術水平和想法意念，還可以為他們安排見面，促成大家合作愉快的良性局面：「30年前，香港有好幾間大公司主導整個動畫產業，他們會不斷扼殺對方機會形成一種惡性競爭，但其實相互合作才是一種適合香港發展的模式，因為香港租金與薪金都很昂貴，以『Freelance』形式交接工作才是最高性價比的做法。」 在這位「老前輩」眼中，縱使動畫製作技術日新月異，但貼近世界的標準並不在於參照別人，而是找到合適的節奏與定期出現優秀作品。即使最終無法實現「東方荷里活」的美好幻想，但從《離騷幻覺》﹑《極夜》再到近日備受關注的話題之作《世外》，這些本地作品能夠再度活躍於國際之上，相信便是香港動畫成功上岸的一種最好證明。

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張小踏（Step C） 動畫師先生

張小踏（Step C） 動畫師先生 從事動畫行業，從來不是易事，而要兼顧教育工作，更是任重而道遠的壯舉。動畫師張小踏（Step）在理大設計系任職導師多年，不但對於培育學生責無旁貨，更熱愛於用動畫訴說故事。在她眼中，動畫短片《極夜》的創作除了讓她直面心中恐懼與自我救贖外，更是再次讓「香港動畫」映入世界眼簾的契機之一：「獲獎只是額外收獲，因為畫動畫是一種療癒自己心靈的慰藉。但香港不是一個很藝術的地方，要提升動畫業界的地位和待遇，我想除了創作還要著眼於人才栽培和圈中人彼此的聯繫；這次特意為專題加上翻頁動畫，便是希望能與觀眾來多一點互動。」 text． Leon Leephoto． Oiyan Chanillustration． Step C 掌控故事的神明存在 《極夜》的故事大綱，主要講述一些有關內心恐懼的問題和情緒，是一種十分抽象而零碎的情感表達，並非一般傳統動畫的劇情走向。張小踏說要讓一般人得以理解，其實最困難的地方在於世界觀設定，因為故事的底蘊才是核心靈魂。「這部作品花了一年半時間創作，但當中長達一年時間都是用於構想，因為要讓脈絡串連並讓觀眾明白，不能只依賴純粹的自娛心態創作，要有身為創作者的自覺。」她形容，創作就好比在一個空曠的草地上踢足球，踢遠了要撿回很費力氣，但給你一面石牆反而能控制回彈方向，空間和自由度有時才是阻礙角色走向的源頭所在：「正如《極夜》的三位角色設定都是身體帶有殘缺，但要決定他們受傷的部位，最初也考慮和掙扎了很久。所謂『魔鬼在於細節』，就算觀眾末必能夠感受，但也要警剔自己不要忽略這些重要細項。」 動畫界的罕見之人 當然，她的作品一向都與香港動畫師的風格差異很大，箇中原因有很多，像是深受歐美畫風影響﹑到了加拿大留學﹑不擅長3D動畫製作等，但主要的還是受到心境驅使。張小踏說自己是個很怕無聊的人，因此近年創作既不會拘泥於特定風格，也難以仿效別人繪畫日系動畫，有著一種罕見的執著。「我一直認為他們十分厲害，可以為了一塊石頭傾力雕琢；因為自己一向都是按感覺來畫，角色動作的流暢和情感表達會先於場景，因此我很喜歡與其他動畫師合作，能夠碰撞出很多意想不到的火花。」 她所說的火花，不僅僅是雙方不同的取向，還包括了不用害怕厭倦自己作品的情況出現，因為整天處於「不斷求變」的階段，讓她能夠利用不同的鏡頭和角度去訴說故事。而這種心態，原來也反映在張小踏的教育理念之上。「在香港身兼動畫導師的動畫師少之又少，只是自己既喜歡動畫也鍾情於教育，所以即使分配時間很難，我也無法取捨兩者。可惜香港學生普遍根基較差，我想問題在於他們沒有從小培養藝術觸覺，但也希望能夠幫助這些年輕新血加入這個行業。」作為同行一份子，張小踏明白學生創作時很易迷失，因為對動畫師來說，靈感說沒有就是沒有，就算別人能夠提供意見，但最終負上責任的還是作者本身。相反，動工環節只要開始下筆，畫稿便會逐張減少，就算張數再多，也是實實在在的一種回饋，而不是虛無飄渺的目標。 堅持下的成果 故即使《極夜》作為她的獨立作品名揚海外，但原來創作過程上也有其他動畫師的參與部分，而非她所能獨力完成：「這次的創作雖然是由我主導，但動畫師Tommy Ng也給了我很多意見和想法；他所擔任的導演工作，就像是一個檢查者的身份，在消化文本內容後負責安排角色的演繹和運鏡。我十分肯定若然沒有他的協力，最終呈現出來的效果會跟現時版本有巨大出入。」 她續說，《極夜》的片長逾十三分鐘，畫稿多達一萬張以上，雖然自認草稿比成品更美，而2D手繪的形式亦更有質感，但她也曾擔心觀眾會不喜歡這種類近初稿的畫風：「清晰明確的線條和動作的確能讓他們更易理解，但許多時外判出去的工作，就算根據指示塗上同樣色彩，在我眼中也不能完全反映創作者當下的情感；有時一些概念藝術的初稿表現更佳，其真相就在於此。」 最終，《極夜》的優異成績有目共睹，不但在IFVA比賽上獲頒動畫組「特別表揚獎」，更先後入選台灣金馬獎與外國多個動畫影展。對於這些嘉許，張小踏表示當時的心情十分興奮，甚至差點喜極而泣，因為入圍意味著被國際認可了他們的努力，而衝出海外也有了拓展香港動畫產業的可能。回顧現在，張小踏依然在為教師的職務拼搏，可稍有不同的是，現在動畫師們的聯繫和合作相比以往來得更加緊密，也許終有一天，在這班先進動畫人的帶領之下，香港的動畫業界能再次興旺，打造出各位心目中的首選作品。

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羅啟銳 永志不渝的電影夢

羅啟銳的電影作品，貴精不貴多，《秋天的童話》、《我愛扭紋柴》、《宋家皇朝》、《歲月神偷》等等，全都是膾炙人口的經典電影。即使近年誘惑甚大，他卻堅守想拍的題材，不願重複自己，期望一直拍到八十歲，至死方休。 Text: Nic WongPhoto: Kauzrambler 因為逃學，才會愛上電影… 電影夢永志不渝，當初竟是誤打誤撞，羅啟銳坦言愛上電影，只因逃學。「讀中學時失戀，沒心機上堂就想逃學，卻怕被捉到要罰抄校規罰留堂，碰巧那時是夏天，就想去一個既漆黑又涼快的地方。我學校在旺角，那兒有十多間戲院，於是每日去一間，電影每兩三日就換畫，總是看不完，慢慢養成這個興趣。」當年他主要看外國片，最愛Stanley Kubrick的電影，看到《2001太空漫遊》無比興奮，才發現原來電影可以這樣拍攝的。 年少立志成為導演，羅啟銳考入港大英國文學系，看小說看話劇看文學創作，相對與電影接近，畢業後儲夠錢就去美國紐約大學讀電影系。「金錢，是永遠儲不夠的，因為學費每年都增加。」他牢記辛酸往事，四出兼職賺外快，圖書館、餐館、送貨工作無一不做，窮得一條香腸要分開幾餐來充飢，扭盡六壬地不花錢生活，如坐地鐵跳欄入閘。「未讀完書，死也不會回香港，因為最貴的機票及學費已經付了，沒理由為了日常生活而走。」 不願翻拍大陸版《秋天的童話》 他第一套策劃的電影《非法移民》，1985年上畫，至今已大抵三十年，卻不曾感到厭倦。「拍電影是好好玩的，每拍一套，就像過了不一樣的生活。譬如說《宋家皇朝》，好像過著新中國大家族的生活，場景又大又美；之後拍《北京樂與路》，卻轉去北京最霉最爛的地方，所聽所說的都是北京地道粗口；至於拍《歲月神偷》，回到六十年代的香港，過些童年生活。而最近我拍攝的《三城記》，講述成龍父母那一代人的故事，走訪寧靜的安徽蕪湖、國共內戰的上海，以及日治時期的香港等，每一次都很新鮮。」 細看羅啟銳的作品列表，近十年產量極少，但質先於量是他的堅持，羅啟銳近年最出名的當然是《歲月神偷》，他卻從未想過離開電影業。「現在機會和金錢很多，問題是能否拍到自己想拍的題材。老實說，我未有感到壓力，但誘惑卻很大，不少人叫我翻拍《秋天的童話》，將場景設定在大陸發生，香港女子到北京認識了船頭尺，但我不想重複自己，而且又不特別需要那些錢，所以不會拍了。」 無法開戲最頹喪 羅啟銳喜歡電影，也堅持繼續電影創作這種藝術，缺錢的生活，他讀書時早已捱過，何況現今不為兩餐而擔憂，所以他感到最頹喪的日子，就是無法開戲的時候。「當年想拍《宋家皇朝》，香港所有公司都不肯給錢，只剩下一間公司老闆願意和我談。記得當日是年三十，我抱著最後一鋪的心態，他約我下午四時見面，到了他的公司看到員工們貼揮春派利是，非常開心，我卻等到五時多仍未見他。 「當時是冬天，畫面很美：天空是藍的、室內是紅的、燈光是黃的，我卻是灰的。後來那老闆說不回公司，員工們更加開心，拍手掌又吃糖果，我卻站起來轉身走，全場只有我一人不開心，很淒涼，最後一個希望也沒有了，不知怎樣才好。」人生如戲，如此戲劇性的畫面，當然不是結局，最終也是靠那位老闆才拍成了《宋家皇朝》。 我是個無能的神 在羅啟銳的眼中，導演的工作就像神，創造一些原本不存在的東西，但他經常覺得那些東西不夠完美，因而感到痛苦。「作為導演，我真覺得自己是一個無能的神，很多事情綁手綁腳，很失落，想像一個美好的世界卻做不到，但拍電影實在很有挑戰性，極富樂趣和刺激，所以到現在依然喜歡，從未想過退休。我的夢想就是一直拍下去，好像波蘭斯基、Woody Allen、黑澤明等等，到八十多歲仍在拍電影，一直繼續下去。」 談創作說故事，羅啟銳說每份劇本之中，不只創出無限可能，還洋溢著一份酒香。「我四歲時已開始喝酒，任何酒類我都喜歡，當中包括威士忌。現時每晚吃飯我都會喝酒，度劇本時也一樣，有助思考，微醉是最好的。當年讀港大，我會一邊喝酒一邊寫故事劇本，就算不喝，都會倒一杯酒，讓整個房間揮發出那種酒香的味道。」

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本源回溯 林沛濂

平白無事的日子，人人的生活看來尋常不過，惟當變化出現、困局當前，才真正考驗人性。像「役者和戲」藝術總監林沛濂（Anson）於2015年完成《胎內》後，縱然獲得不俗的迴響，但他對創作及人生時有疑問，及至近年受時局及疫情衝擊，又使其對生存的限制與可能，萌生更多迷思。 幾經沉澱，今夏Anson將與劇作家陳志樺以聯合導演身份，推出全新本地原創劇《高野山の彼女》，引領觀者共同直視「慾望」及「貪嗔癡慢疑」等情感，詰問當中的執念與意義，尋索生之本源。 Text: KoPhoto: Oiyan Chan  戲劇不只是娛樂 對普羅觀眾來說「戲劇」或是娛樂之一，無負擔地進場、觀劇，過程中或哭或笑、或喜或悲也好，離場後一切已如風。可是對劇場工作者來說，「戲劇」卻是生活不可或缺的部份，即做戲劇終了、燈滅人散，期間的歡聲或淚水從不曾遠去，並人融入身心，影響往後發展。 Anson跟戲劇正有此連結。因喜愛戲劇，Anson就讀理工大學已投入劇社；後因鍾情日本文化，膽粗粗前往日本留學9年，從語言起步再修戲劇；回港後，他當上舞台演員時，積極跟不同劇團先後合作《脫皮爸爸》、《愛妻家》、《白夜行》、《笑之大學》等較流行的劇作，多年前更冒險成立自家劇團「役者和戲」及推出首作、改編日本著名劇作家三好十郎的《胎內》。「我希望戲劇作一種藝術形式，不僅可以在場內為人帶來娛樂，也可令大家離場後回想故事時，各有得着或領會。」他說。 全情投入的態度值得欣賞。只是現實艱難，很多事情不是說「瞓身去做」往後就無所憂慮。雖然《胎內》成功邀得好戲之人蘇玉華與潘燦良合演，又獲得戲劇大師串田和美的學生田中麻衣子執導，整體故事及表演不錯，獲同業及觀眾所關注，讓Anson為之感恩，但基於他對自身的高要求，加上在港推廣嚴肅戲劇並不容易，往後當其展開新項目、申請資助或聯繫合作者，還是略遇挑戰。Anson不諱言曾感迷惘。「完成《胎內》後，我花了相當時間整頓心思，探問到底該怎樣求突破？」萬料不到，後來竟又遇上疫情等考驗，「很多計劃又頻起變化。」 每個人都會遇上「高野山」 可是再困惑，Anson也未曾停步，「不停尋找，就會看見，是我的信念。」抱着求知的心，2017年他與友好編劇陳志樺前往日本參加「日本劇王亞洲大會」，「那時陳志樺撰寫了一個日語獨腳戲《高野山遇見前偶像》，由我主演，全劇大概約30分鐘，從外來者視角檢視日本文化。由於眼看不少專業人士的作品極精湛，我們都不敢比較太多、幻想太多，純粹抱見識和交流心態參與其中，但我想，或是志樺的劇作頗有黑色幽默的智慧，所以觸發了觀眾共鳴？當地的戲劇工作者都支持我們，最後我們還意外獲獎而歸（除了劇本獎，Anson亦獲頒最優秀演員獎／彦いち賞），大受激勵。」 願可讓更多人欣賞此作，Anson歸來後不斷尋找資助及資源，「摸了好多門釘，未至於灰心，但確有疲累。可幸，2021年度獲香港藝術發展獎『藝術家年獎 （戲劇）』，再激起鬥志。那時我於致謝辭提到，希望自己保持努力，回報賞識自己的人，亦想鼓勵其他追夢者別放棄。」 這種困難重重中仍為戲劇前進的決心，湊巧對照了《高野山の彼女》劇本中主場景「高野山」的寓意——這座被列為世界遺產、日本佛教宗派「真言宗」誕生地的聖山，曾經吸引無數僧侶與信眾到訪求道與修練。那裡看來幽靜的山林風光，無疑適合冥想、寫經或靜思，但當一個人長期身處簡樸又離群的境地，又是否能夠好好應付寂寞，控制雜念，擺脫浮思等，最終進入清空的境界，卻又是另一番考驗，結果很多時，不是人人上山，都可完成修行；從事戲劇的情況異曲同工，面對業界、社會及文化潮流等變異，加上經濟考慮、行業競爭，以至個人心魔，最終一個劇場人能否專心一致，了無旁鶩地持守初心，往往又是一場內心的更人交戰。 慾望與本相的糾纏 「從《高野山遇見前偶像》到現時重新整理的原創新作《高野山の彼女》，整個過程如一場自我觀照、直視慾望的歷練。上次做《胎內》，我求問做戲劇是怎樣一回事？今次想法亦接近。特別近年香港和劇界變了，觀眾需求亦不同，留意到有些作品未必只為『戲劇』而創作，亦可能為『人』而創作，我也問自己在走甚麼方向，發現離不開『找到自己的原點，專注做個人特色之作』。例如我結合港日文化的故事及美學，是本身鍾愛也渴望蘊釀的價值。」 於《高野山の彼女》中，Anson期望更深刻地推進港日跨文化元素。是次創作靈感取材自日本能劇《卒塔婆小町》、日本文豪泉鏡花作品《高野聖》及陳志樺撰寫的《高野山遇見前偶像》，故事講述日本平安、明治、令和三個不同時代中，三組不同人物的遭遇，包括平安時代的女歌人追溯跟武士的關係；明治時代的賣藥人於山林脫險後，被美豔山之女誘惑；以及中年男子於山上咖啡店內遇見前偶像AV女優，如何克制慾好念。劇中，Anson一人分飾三男子的獨腳戲，展現眾人處理執念、怨懟以至慾望的態度，從而反映人性的脆弱及本相。 「以往我做翻譯劇居多，《高野山の彼女》卻想以香港人視角，演繹跟日本文化關聯的故事，甚至宏觀地擺脫時空與宗教，閱讀一個人的生存之難，帶出更多重的身份碰撞及想像。這或悠關個人背景，經歷日本進修和生活，我常自覺不同了，近來排練時重看昔日於理工讀書、劇社排戲的錄影帶，才發現早年的個性及交際較活潑，明顯不似在日時期那麼拘謹或求端正。慢慢又想到，當一個人離鄉別井，身處既定環境之下，總難免往往為了入鄉隨俗，不自覺地改變自己、適應環境，像我也曾受日本強調『不能做一口突出來的釘』的觀念影響，會盡可能避免與人過於不同、過於突出。」 演戲前，好好生存 Anson認為這非好壞之分，「所有元素都構成今天的我。比起二元劃分好壞，我更在意當中累積了那些矛盾或慾望，也覺得總有一天需要去拆解。」他說，「即使劇中三位男子跟我個性不相似，但他們的經歷或歷史都可為我們帶來啟發。最初傾劇本，我跟團隊曾思考怎樣緊扣社會或當下說故事，可是後來又有感不管置身哪時空，最困擾人的無非『慾望』與『執着』，結果就將切入點聚本源的尋索，談一個人怎樣面對己心。觀眾看完後，也許未必有確切答案，還會產生更多疑問。但戲劇的作用，正是要引發思考。」 劇場尚排練中，觀眾有何領受？有待分曉。但Anson憶想創作到籌劃的難處，倒甘之如飴。「整個經驗是艱辛，亦有過自我質疑，但感恩如今有機會走到這一步。尤其今次在演戲以外，我還參與了監製及宣傳等崗位，可以跳出劇本真正了解製作的實況、受眾的聲音，將劇作的精神更好地滲透開去，也學習到聆聽及相信團隊的重要。這一切都有意義，也令我記起初做演員，曾求問許多人可有成為好演員的法則，某恩師給只簡單結予一句指引：『你只需要好好去生存。』現在，我開始懂了。」 《高野山の彼女》演出日期：7月8至10日地點：香港文化中心劇場

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武俠片殺入鮮浪潮 葉鵬海、冼康正

《獨臂刀》王羽月前撒手塵寰，沒想到在今年鮮浪潮國際短片節，卻以另一形式延續大俠情懷。 《金刀女俠》預告片以戲仿邵氏古裝武俠片的姿態登場，原來電影由「九十後」導演葉鵬海（Victor）執導，率領同為九十年代出生的演員冼康正（Christopher）主演，以及演員陳湛文及岑樂怡一同演出。 《獨臂刀》化身《單臂刀》，王羽易名為王載，2022年拍出七十年代武俠片元素的電影，江湖再度風起雲湧，從此多事。 text． Nic Wongphoto． Oiyan Chan 獨臂刀王羽 鮮浪潮突然殺出一部「邵氏武俠片」，自然成為焦點。故事講述武打明星王載紅極一時，膽大心雄的他籌劃自編自導，起用妻子拍攝實景拍攝、新穎破格的《金刀女俠》，可惜這個決定令他抱憾終生。多年後，年邁失智的王載被老人院拒收，與他交惡的兒子不情願地把他接回，但年老的王載還以為自己活在黃金歲月，滿口都是《金刀女俠》的豪言壯語。短短三十分鐘的電影，戲仿七十年代邵氏武俠片的視覺風格，最後帶出的卻是一個解開兩父子嫌隙的溫情故事。 導演Victor小時候很喜歡看外國的類型片，看盡占士邦、史泰龍主演的動作片等等，長大後則迷上港式武俠片、江湖片等，於是很想拍一些有動作場面的類型片。 「寫劇本時，發現成本有限，要完整地拍一部動作類型片，暫時未有可能，所以只能夠寫一個含動作元素的現代人物故事。」 此時，Victor憶述自己看過大導演昆頓塔倫天奴寫過關於王羽的影評。 「塔倫天奴除了拍戲了得外，就是醉心寫影評，其中一篇他大讚王羽，題為『WANG YU：SUPERSTAR! SUPER DIRECTOR！屍』，自此我對王羽這個人很好奇，原來他很好勝，隨時擺出一副準備打架的姿態，慢慢就想知道到底他是甚麼人，拍戲以外的生活又是如何。」我們沒可能得知王羽的真實生活，他唯有憑空推測大俠所遇到的生活煩惱，從而推斷出演員背後的家庭背景，映襯出《金刀女俠》的戲中戲。 第一代亞洲超級英雄 有了這個想法，就要找到台前幕後的共同努力。 Christopher得知自己有機會演出主角「單臂刀」王載，深感文戲及動作上各有發揮，尤其他過去與邵氏片有緣，外公更曾經在邵氏工作。 「之前我在美國洛杉磯讀書，那時學校經常舉辦很多武術節或功夫節，主辦方常常邀請很多移居當地的香港武術片傳奇人物出席座談會分享及教拳，例如經常在成龍電影中出現的反派Benny The Jet，亦有演過《皇家師姐》的羅芙洛等。有時更會邀得邵氏演員現身，例如羅莽、鹿峰等等。」起初Christopher只是在台下旁聽，卻遇上翻譯員無法準確翻譯到螳螂拳等字眼，他便幫忙解說。 「之後鹿峰師傅叫我上台幫他翻譯，期間聽到他們的不少故事、秘技、拍攝趣事、訓練方法，對邵氏加深了不少認識。」 Christopher直指，當年邵氏片對海外華人甚至亞洲人的影響甚廣。 「很多亞洲人來到功夫節，直指當年初到美國找不到身份認同，身邊全部都是白人，感覺自己難以投入。當時他們每個週末都會去唐人街一起看邵氏片，深感亞洲人都可以做到英雄。而今次《金刀女俠》特別加入很多邵氏元素做彩蛋，例如國語配音不對嘴、香港男子娶台灣女子等，相信令不少觀眾帶來很多回憶。」譬如說，片中的「張導」其實代表著張徹導演；「仁哥」就是邵仁枚監製，字裡行間滲有昔日邵氏片的元素。 「所以一出預告片後，很多海外華人都問我LA何時有得看，可見他們非常期待。」 重回七十年代 今時今日要重現七十年代的拍攝氣氛，本身難度不小，Victor說那個年代的演員很有霸氣，很有巨星風範。 「我帶Chris做了很多練習，希望他換上七十年代的造型後，加上全身的『行頭』，多少有著王羽的那份霸氣。」Christopher記得導演曾經給他一大疊錢放在身上，又要他戴上從二手古玩店借來的大量金銀珠寶首飾。 「要飾演一個傳奇人物，幻想空間很大，拍古裝的reference有很多，但片中還要講述角色在七十年代的私人生活，那部分與家庭的關係，就留待我們自己幻想及發揮了。」 拍攝《金刀女俠》，還要多方面的協助，包括場景及對白的調較。 Victor說：「幸好我們成功借到一間古老大宅，屋主自八十年代搬走後，室內一直保留著當年的設定，櫃桶裡還有許冠傑的卡式錄音帶。我們發現，美術上不去處理，似乎比處理更好。」他又認為，以前人們說話總是字正腔圓，電影配音尤其重視咬字。 「劇本中一早已寫著很多俚語，例如『以前』說成『舊底』，或者『幫幫手』說成『拍硬檔』，那些正正是當年的潮語。」 武俠片當然要過招，Victor選角時講明男主角沒有替身，要親自上陣，Christopher可謂適合不過。 「我自小學習詠春、雙截棍、跆拳道、boxing等，也接受過特技人訓練，懂得如何遷就電影鏡頭，卻從未試過在電影中拍攝這麼多動作。尤其在健身室多番練習後，最難是拍攝現場環境有限制。今次《金刀女俠》最難的是，在海邊石頭上做動作，又斜又跣，加上要扮演『單臂刀』收起單手，最擔心會跌傷，幸好最後成功克服。」 不自然的美學 《金刀女俠》有著一份不自然的感覺，例如預告片只有古裝片段，電影字幕一開始更是由右至左，加上國語配音，看起來少許突兀，這些卻是導演希望做到的東西。 「觀眾看到的視點，其實是片中兒子陳湛文的那一個，不斷看到Chris飾演的王載自說自話，難以理解他的話，不斷重重複複，這樣觀眾才能感受到那份代溝及溝通失靈，不知道他究竟想怎樣。」就連畫面美學，他都希望帶來一絲絲不自然。 「現在流行追求和諧工整的美學標準，但我覺得不自然才可以做到少許分心，希望觀眾抽離一下看整件事：到底故事說甚麼？不要忘記視點如何。所以看預告可能以為是古裝片，但入場後卻發現原來不是那回事，這樣才夠好玩又過癮。」 共同完成這部富有濃厚七十年代元素的電影，兩人最懷緬的是昔日的美學。 Victor說：「以前懂得享受的人很少，很多美學上的東西都會花更多時間去做，做得更精緻仔細，因此能夠留下來的美學都是經典，但現在大多只是即食，充斥大量工廠式生產。」Christopher更認為，《金刀女俠》正正帶大家回到香港的七十年代，東西方的美術混合體。 「過去常說香港是中西文化合璧之地，那時候的大宅，建築西洋卻又帶點中式裝潢設計，例如有來自西方的黑膠唱片，旁邊卻有一把中式金刀，後面更掛著一幅萬馬奔騰圖……」 有人的地方就有江湖 說到底，2022年再拍武俠片，江湖依然存在嗎？ Victor說：「江湖片通常講述在一個距離首都或中央地區很遠的地方，法律秩序已經沒用，那兒的人要出來捍衛自己的權利。現在的確已不太適用，但賈樟柯導演在《江湖兒女》說過：『有人的地方就有江湖』。江湖可能只是大小的問題，不再打打殺殺，但人與人之間的交流，總會有些道義，遵守某些交往之間規矩及道德標準。」他舉例指，七十年代邵氏片講述江湖，九十年代《古惑仔》又是江湖，當中也有共通點。 「就算壞人如何十惡不赦，恩怨情仇都有把尺，而現實中的人即使不是大壞蛋，卻不是100%好人，始終都有私心，而現實中的那把尺，千萬不能過界，否則就會出聲。《John Wick》、《和平飯店》也是一樣。」 「現在不少人翻看八九十年代的港產片，但很少人留意七十年代。只不過，正如翻看美國電影離不開西部片，香港華語片也離不開看武俠片。當西部片奠定了美國電影的格局，香港也是一樣，就算沒看過武俠片都會聽過，或許大家未必有耐性看得完，但當中卻留低不少重要的電影風格。」現在就先看《金刀女俠》作為前哨，7月16日高先電影院尚有場次，然後回家去慢慢咀嚼那份昔日武俠情懷。 ■

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當老靈魂女孩遇上倜儻男生 陳健安 X III

生命是場充滿起伏的旅程，既要學懂接納關係﹑也要面對感情分離，正如「同床同夢」雖然是情人關係中最理想的狀態，但人們每每遇上的卻都並非如此。今次唱作女歌手III（Iris Liu）找來陳健安（安仔）合作演繹新歌〈雷公〉，便希望藉由安仔瀟灑不羈的奔放玩味與輕快的Bossa Nova曲風，一改人們以往面對離別時的離愁別緒：「即使陷入『異床同夢』的困境，也『不要一語道破 盡情就算』，因為別離有時很戲劇性的，不一定每次都很煽情很悲慘。 」 text． Leon Leephoto． Oiyan ChanIris． Hair & Make up． MUA @joshifumakeupstyling． Topsy Yuwardrobe． lapeewee 安仔．hair． Zanki @ BHmake up． Maggie Leewardrobe． Harvey Nichols 「最初的創作靈感來自椎名林檎一首名為〈狹窄的野獸小道〉的合唱曲，內容像是一對男女正在吵架，我一直很想創作這樣的廣東歌，但對於男聲的選擇沉思了很久，直至腦海想起安仔玩味十足的聲線，才終於雕琢出第二人聲的具體形象。」III說，《雷公》本來是「晝夜三部曲」的一部分，但基於她很喜歡爵士樂的緣故，當摸著鋼琴時其實經已有些Bossa Nova的構想浮現。至於歌詞部分，填詞人陳尖認為「離別」是很多人都會遇到的一種感情狀態，用男女對唱的形式或許更加適合，才因此促成合唱念頭出現：「安仔有種瀟灑不羈的感覺，我認為很適合這次的曲風和內容，便膽粗粗在社交平台上邀請他合唱。在交流的過程中，安仔常以錄音形式向我答話，我充份感受到他對於〈雷公〉的熱情和真誠，便決定靜待佳音，沒有考慮其他男聲人選。」 原來，去年安仔由於忙著C AllStar的《人類世》項目而暫時擱置了這次合作，一直到了今年才有空閒時間答允，但早於上年暑假收到邀約和歌曲試聽帶時便經已為之感動，並期待著二人合作的機會：「雖然之前未曾碰面，但其實我們一直都是『網友』關係，後來《告別式》推出時，我更私下跟她說十分喜歡她的作品；現時相處久了，我才最終發現，原來III除了散發著一股古典韻味外，更有著一種『老靈魂』底蘊，就像體內寄居著一位400多歲老人的小女孩一樣。」他指，III並不像出生於這個時代的人，舉手投足之間雖然有著一股優雅的氣質，但卻並非「老土」，而是年紀輕輕卻不帶半點孩子氣，充滿著人生歷練的感覺。 「仔細看其作品，你會發現優美之餘其實有著一股怪異感覺，那不是毛骨悚然的可怕，而是有著難以洞悉和看透的一面，會讓你在細味欣賞時不自覺地起雞皮疙瘩。」 在安仔眼中，今次新歌〈雷公〉的編曲風格十分戲劇，這種淡化負面情感的做法既大膽又新鮮，在本地樂壇中十分少見。而提到這次創作的取材和參考，Iirs表示，她之所以用「III」自居，全因希望以名字中間的三個「i」代表自己與「雙眼」的意思，用自身視角去切入故事，即使不是完全投放個人看法，她也很喜歡把別人的故事放進自己作品裡頭：「我相信大家所思念的都與生活息息相關，正如這次新歌就像一通不願掛斷的電話，是一種不願放手的堅持。我認為〈雷公〉是一次很好的嘗試，去平衡流行與古典，有點雅俗共賞的氛圍與感覺。」III續說，以往發佈新作都很擔心普通觀眾會否很難吸收當中的思想和理念，但這次收到的回響都十分正面，正如安仔對於今次新歌也首肯心折，表示整體框架與思路都十分明確清晰，只需在家中想想演繹方法即可。 因此在前期準備功夫做足之下，二人到了錄音當日比想像中更有火花，不但在第一輪嘗試中互相監製彼此聲音，更在試聲過後有了更多全新構想，令III決定把最初的想法統統拋棄並重來一遍：「我記得第一次錄音後，我們對於演繹方式都有了新的概念，因為大家的表現和力度跟DEMO有很大出入，而編曲亦願意配合我們作出改動，讓末段副歌的節奏感提升並減輕力度。」而安仔也身同感受，因為許多時錄音環節都先於編曲，很常出現與心中「貨不對辦」的情況，「現時變得老練了，便懂得嘗試最少兩個版本，去讓編曲遷就唱法而不是被編曲局促表現。就像這次說的是要珍惜相會一刻，是探討人對關係的重視。我認為我們真的是在互相信任下唱出『盡情就算』的主旨。」 至於說到MV拍攝的趣事，兩位都表示今次合作相當有趣，因為彼此造型都十分像真新穎，甚至令他們有了身為二十世紀歐洲人的自覺，而安仔更是首次以「撲克臉」演戲：「今次MV參考了二十世紀歐洲的古典風格，我不希望因自己有所保留而令事情失真，所以向化妝師提議畫上更浮誇的眼妝，幸好最終效果比預期的好。」而19世紀浪漫主義的服裝風格亦令III十分意外，因為一直沒有機會嘗試這種華麗裝扮，而最終MV成品亦顯著地反映了她堅持戒糖與運動的成果，令這次合作能完美 告一段落。或許當老靈魂女孩遇上一位倜儻男生時，這種相互說不出的熟悉感覺，才真正讓III這種超齡的成熟和韻味，與安仔一貫無所顧忌的氛圍產生共鳴吧。 ■

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